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100张最伟大的爵士现场专集之那些值得纪念的大师们 (转摘)

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发表于 2018-1-4 23:52:15 | 显示全部楼层 |阅读模式
100张最伟大的爵士现场专集之那些值得纪念的大师们  (转摘)
艺人简介:



Duke Ellington

人称「艾灵顿公爵」的Duke Ellington原名爱德华.甘乃迪.艾灵顿(Edward Kennedy Ellington),1899年生于华盛顿特区,他出身于一个富裕的中产阶级家庭,7岁开始弹奏钢琴,15岁时曾经在冷饮店打工赚点小钱,这时他谱写出第一首曲子,名叫<冷饮机散拍乐>(Soda Fountain Rag),艾灵顿公爵的少年时期正是散拍乐大为流行的时代,散拍乐是一种由切分节奏构成的音乐,在钢琴上演奏起来,就像是左手跟右手打架一样,非常有趣而且富有活力,在艾灵顿公爵早期作品里经常可以听到散拍音乐的痕迹。

艾灵顿公爵崛起的契机,源于他和他的乐团从1927年开始,在纽约哈林区的棉花俱乐部演出,那段时期他们录制了数十张精彩的唱片,但更重要的是,他们的演出经由现场电台转播到全国,在经济大萧条的年代,艾灵顿公爵的音乐受到全国听众广大的欢迎,也奠定了他日后成为最著名的爵士大乐团领导者的基础。

艾灵顿公爵虽然是钢琴家,但他作曲时却是用整个乐团的角度来思考的,他能够充分地运用各种乐器不同的音色,来组织成一首整体演奏时富有和谐感,独奏部分却又非常杰出的曲子,在排练的过程中,艾灵顿公爵会针对不同乐手演奏时的特性,给予他们特殊的指示,或为他们谱写能够让他们充分发挥特长的乐段,因此艾灵顿公爵所领导的乐团之中,几个特别优秀的乐手,如小号手Bubber Miley、竖笛手Barney Bigard,以及最知名的中音萨克斯风手Johnny Hodges,都留下了许多精彩的录音,成为爵士史上大乐团演奏的典范。这套《The Okeh Ellington》正是艾灵顿公爵早期的代表作,新一代的乐迷可以从中一窥爵士乐发展的早期,这种大乐团的编制为何能风靡一时的迷人风采。
Ellington at Newport 1956被公认为划时代的伟大现场录音专辑之一。在遇强愈强的互动气氛下,每位乐手个个不甘后人,全力奔上表现巅峰,做就了爵士乐坛的长青经典。作为总指挥的Ellington亦指出,乐队中的良性竞争,激发全员进入最佳状态。这股石破天惊的能量一触即发,犹如传染病般迅速蔓延至每个成员身上,连原属Count Basie大乐队、排排坐在第一行的鼓手Jo Jones也中招,染了无可救药的摇摆病毒之后,竟然卷起杂志充鼓棍,奋力打着拍子助兴,忘形程度可见一班。众所周知,这张专辑并非100%纯正天然,而是经过人手加工的产品,借助录音技术将各乐手的演奏剪剪贴贴,又在每首乐曲之前加插出场介绍,以为可以天衣无缝,实则是自欺欺人,而这项"绝技"更成为Columbia唱片公司建立"Classic Jazz"尊崇地位的标准方程式。

Ellington 1956 Newport可说是Ellington最畅销的特长专辑,不但长期以来引得广大乐迷乖乖掏腰包,同时一洗他两年来在Capitol时期积下之衰气颓风,重夺流行爵士乐坛的盟主地位。故事还有下文,峰回路转的下集大结局终于在四十多年后的今天揭盅。唱片监制Phil Schaap于1999年重新发行Newport双CD专辑,共收录20首歌曲,一方面将整个现场演奏立体声版本原装奉上,另外再附送于录音室录制的多首歌曲。上述立体声版本的出现说来颇为传奇,人算不如天算,原来Columbia于1956年7月两个晚上替音乐会进行幕后录音之同一时间,台上竟然有另一组麦克风(原本为收录美国国歌Star Spangled Banner而设)收录了整个演出过程,这段录音原非蓄意保留,却奇迹般在禁锢40年后重见天日,并在唱片公司人员安排下,与正式的幕后录音合而为一,它俩共谐连理,遂成为今天的"非一般"立体声版本。换句话说,现在重新发行的Newport演奏会专辑是如假包换的真实纪录,另随尾附送旧有专辑内录音室加工部份。在两张分别长达1小时的CD中,音响效果比旧有专辑更清晰干净,尤其在Black and Tan Fantasy及Tea For Two两首歌曲的下半段,低音演奏犹在耳边,非常原汁原味。

全碟焦点是Paul Gonsalves在Dininuendo In Blue and Crescendo In Blue一曲中27 chorus的次中音色士风经典独奏,留意CD 1的尾声及CD 2便可感受将这个历史性的光辉时刻(Gonsalves的独奏影响更启发了John Coltrane日后的独奏方法)。紧接演唱会部份是旧有LP的录音室加工膺品Festival Junction、Blue To Be There、Newport Up、Jeep's Blues及I Got It Bad,虽然远不及现场版本精彩,但仍值得一听,此话何说?Ellington及乐队成员是不情不愿地在音乐会举行一、两天后返回录音室演奏,尽管大伙儿均心情欠佳,却依然保持极佳演出水准,可见其功力深厚。此外,Ellington与监制George Avakian一直不咬弦,这是最后一次合作,此后便转换了新监制Leo Townsend。由于与新欢关系融洽,令Ellington如鱼得水,而Newport专辑更开展了他在Columbia时期硕果累累的7年音乐生涯,一张接一张精彩作品相继涌现,一次又一次为乐迷注兴奋剂。若然将Newport专辑新旧对照,可说是差天共地,经过数码化处理的原装现场录音好得出乎意料之外,终于回复了这场著名爵士乐盛宴整容前的本来面目,这既是一次意义深远的壮举,同时为乐迷带来一份珍贵难得的厚礼。--- 详见001号




Keith Jarrett

Keith Jarrett1945年出生于潘尼斯拉维亚州的Allentown,那里很少有机会听到爵士乐,他早年流露出的惊人天赋,使得自己将自己定位于古典音乐演奏。实际上,在少年时期,Jarrett有一段去巴黎跟随Nadia Boulanger学习的经历,这次机会使得他下决心转向爵士演奏生涯。Nadia Boulanger是一位具有世界范围声誉的著名教育家,象美国作曲家Aron Copland、Roger Sessions都受过其的教诲。

1964年,Keith Jarrett来到纽约,当时要想进入爵士乐界是极端困难的事。期间有一次机会,某天在前卫村的夜晚演出过后,Art Blakey有意雇佣Jarrett,不过当时只是个口头约定后来并没有兑现。直到一个在波士顿的与Lioyd乐团合作演出合同才将Jarrett正式领进圈子。这个乐团作为一个整体取得了巨大的成功,然而Jarrett还是很快地脱颖而出。对该乐团演出的评论回顾一致指出Jarrett很多才多艺,与鼓手Jack Dejohnette之间配合是乐队最令人感兴趣的地方。1969年,由于报酬分配上的不公平,Jarrett和Dejohnette离开了这个乐团。

随后,Keith Jarrett与Charlie Haden、Paul Motian组成三重奏。1967年这个三重奏以Keith Jarrett的名义录了第一张专辑《Life Between The Exit Signs》,这张专辑受到评论界一致肯定。但是Jarrett接下来的步伐让人出乎意料,他加入了Miles Davis的乐队,尝试着将Jazz、Funk、Rock三者结合起来。但除了《Live-Evil》以外,并没留下太多这方面的录音。

离开Miles Davis的乐团以后,Jarrett开始追求独奏和乐队领导的生涯。三重奏由于增添了一位成员Dewey Redman变成了四重奏,更名为American Quartet,录制了首张专辑《Expectations》,这张专辑意味着Jarrett作为音乐家和作曲家时代的来临。这个团体在音乐方面的取向受到Ornette Coleman、John Coltrane、Cecil Tylor的Avant-Garde风格的影响。

1971年,keith Jarrett开始与Manfred Eicher建立的德国唱片品牌ECM合作。1970年他录制的专辑《Facing You》显示出Jarrett作为独奏钢琴手能力,而且这张专辑给予他继续进行钢琴独奏的信心。从开始的第一张独奏钢琴专辑到1995年的Milan独奏音乐会,Jarrett的即兴独奏音乐会吸引了大量现场观众和唱片购买者。1975的《Koln Concert》是所有时期最为畅销的独奏钢琴专辑,为Jarrett建立了相当的声誉。

1970年,Keith Jarrett又建立起了一个European Quartet,由自己和萨克斯手Jan Gabarek、贝司手Palle Danielson、鼓手Jon Christensen组成,这个组合持续到1979年,录制的唱片被视为当代爵士中的经典之作。其中《Nude Ants》和《the Luminous Personal Moutains》两张现场专辑尤为出色。

八九十年代,继续出版独奏专辑,包括《Book Of Ways》、《Invocations/The Moth and The Flame》、《Vienna Concert》、《La Scala》等等,八十年代末Jarrett得了慢性疲劳综合症,使得他不能长时间的演奏,由于独奏音乐会演奏精神和体力高度紧张的活,为了保护他的健康演出计划也取消了,Keith Jarrett的独奏巡演基本一去不返了。


KEITH JARRETT,ECM中的最重量级大师,《THE KOLN CONCERT》,ECM经典中的经典,爵士乐历史上最著名的钢琴独奏作品。是爵士音乐史上的一个奇迹,是即兴作曲/钢琴独奏的永恒经典,几乎达到了一个不可企及的高度。


1975年1月24日,在科隆歌剧院,KEITH JARRETT举行了独奏音乐会,音乐会的录音构成了《THE KOLN CONCERT》的内容:2首独奏作品,第一首26分钟;第二首分为三段,总长度40分钟。

JARRETT是美国人,但他的音乐却是欧洲化的,于60年代崛起后,他至今仍活跃在爵士乐界,这位钢琴狂人,一生的作品主要分为三个部分:

1、四重奏。在70年代早期他同时和三个美国人、三个欧洲人组成两个四重奏,前者以前卫爵士为特征,后者则是完全欧洲化的自由爵士。

2、独奏。KEITH JARRETT的独奏,通常是没有任何谱子的即兴发挥,上台就弹,根据自己的感觉和情绪弹到哪算哪,而每次独奏音乐会上的作品都不相同,因为他每次都是即兴发挥,下了台弹过什幺也许连他自己都不清楚了。

3、古典。KEITH JARRETT曾经录制了一大堆古典钢琴作品,有时还心血来潮地去弹古钢琴,也不知道他在想什幺,总之他弹亨德尔和巴赫在古典音乐圈里也是数得上号的。

在这样的扼要背景介绍下,我们多少可以从文字中触摸到《THE KOLNCONCERT》,在技巧上,我们可以明显感受到BILL EVANS、BUD POWELL甚至是ART TATUM的影响,但在情绪上,《THE KOLN CONCERT》却几乎是德彪西和拉威尔化的,每个人可以从自己的感觉出发,对两首作品进行印象主义的描摹:教堂、山川、流水、鲜花等等等等,一切都是意境化和氛围化的,用流畅的钢琴声建筑而成,细碎而模糊,你可以感受它们但绝对无法触摸到它们,在整个弹奏过程中,JARRETT不时用细节的即兴发挥给我们带来各种各样的情绪变化,让我们沉醉在不同的脑海幻想之中,不一定完整,却犹如置身美梦之中。就在JARRETT这样的不停的弹啊弹中,我们迷离在现实和梦幻之中,记忆散落成无数的碎片。

科隆演奏会时的Keith Jarrett正处于一个钢琴家的巅峰时期,而这场演奏会背后的故事也颇耐人寻味:由于不得不使用一架音色不够完美的钢琴——偏弱的较高、低声部,让Keith选择集中于弹奏钢琴的中部,结果创作出有别于Keith以往所有作品的全然不同的音乐语言。

这里你将听到的每一个音符、每段旋律、篇章都是来自钢琴家自发性的即席创作——持续翻滚的节奏通过Keith强有力的左手产生出巨大的催眠力量,将你卷入他的思维、灵魂,经历一片超越语言的诗意与意境;源源不断的灵感滑过Keith的十指,他不时的浅吟低唱仿佛自己都惊异于自己创造出的音乐——或许这音乐是来自正围绕着他的缪斯的启示,或许此时缪斯正附身于他,人们说这是一场‘通灵’的音乐会并不为过。

也如一些人指出的,其中第三首(Part IIB)是全场的高潮所在——它从Keith赤裸的心灵流淌出并直接进入你的灵魂、撼动它;而接近演奏会尾声时,Keith选择用一小段甜美的钢琴小品(Part IIC)将你的灵魂轻轻的放回原处。

最后要说明的是,这场演奏会仍然是具有争议的:由于它广泛的接受度/流行度使其艺术价值受到一些质疑(这种观点本身是荒谬的);另外这张专辑的直接后果之一——引发了包括George Winston在内无数New Age音乐家简单化、表面化的模仿,作为这种潮流的‘始作俑者’它受到了不公正的指责,甚至Keith Jarrett本人都它的态度都是复杂的。

如果你还没有听过这场演奏会,那你将是非常幸运的——当最初发现它的美时,这种心情是难以言喻的。




Wes Montgomery

吉他手Wes Montgomery可说是爵士音乐史上最伟大的吉他手,他所生存的年代刚好让他衔接由Swing及Bebop传承下来的爵士语汇,并于其后的Hardbop及Postbop中发扬光大。现在屈指可数的爵士吉他大师中,没受到他影响的可说是零!从Jim Hall、George Bensen、Pat Metheny、John Scofield 、Mike Stern、John Abercrombie、Lee Ritenour……,到更年轻的Mark Whitfield、Russell Malone等等,放眼每个人的演奏中,皆有Wes的踪迹,因为他们都曾于他的音乐上下过一番苦功,如果你喜欢以上的吉他手,那幺更应该专注在他们的音乐导师—Wes Montgomery上。

基本上Wes可说是一位Blues Player,因为您很难把Blues从吉他这种乐器上移开,因为吉他与蓝调之间的关系与历史实在太紧密了!这些例证我们可以于之后的采谱中明确看到。Wes还有一项绝招,就是他不用pick弹吉他,而改用右手之大拇指,如此不但能产生他特殊的八度线条,在运用Charlie Christian风格的和弦式旋律(Chord-Melody)即兴时,也自成一家之言,各位可以听听他对原来比较〝可爱〞的《Satin Doll》的处理,便能明了为什幺吉他手们要花一辈子的时间来钻研他了。而他的作曲《West Coast Blues》、《Four On Six》、《S.O.S.》、《O.G.D.》及经典曲处理版本如《Unit 7》、《Body & Soul》、《Airegin》等早已然变成爵士音乐家的Standards了。

最令人佩服的,还是他彷佛是天籁的优美旋律,他真的是少数可以于快速或复杂的和弦进中找出歌唱性线条的爵士音乐家之一,相信有些经验的朋友们一定可以体会,在学完和弦进行后于即兴时该如何让色彩清楚却又避免生硬,其实是非常难的,而Wes就是这幺一位天使般的人物,因为他完全不会读谱!所有的音符都是由他的耳朵及心灵反应至手指上的,对于一位一辈子为生活奔波所苦的好人来说,这似乎就是上天所赐给他的馈赠吧!也正因为如此,非但吉他手,其它乐器的乐手也都向他借创意,并学习他演奏的组织架构。而他的风格也融合了Bebop的原则线条,八度的奏法亦很难跑快,但却更能凸显出音符与音符之间相对关系的重要性。因此所有乐器的爵士学习者皆应花时间好好研究一番.




Wynton Kelly

出生于牙买加,四岁时和家人来到纽约,在布鲁克林区长大。开始时在节奏蓝调的乐团,二十岁时开始为蓝调唱片公司录唱片,合作的乐手有Dizzy Gillespie、Lester Young,Dinah Washington等。

1952年之后在军中服役一段时间,之后再次展开音乐事业,几位关键的合作对手有女歌手Dinah Washington(1955-57年)、贝斯手Charles Mingus(1956-57年)、小喇叭手Dizzy(1957年),1959年到1963年和Miles Davis合作,让乐迷十分喜爱的专辑有Kind of Blue、Some Day My Prince Will Come。离开Miles Davis后与贝斯手Paul Chambers、鼓手Jimmy Cobb组成三重奏,这是他音乐生命中最重要的组合。

才华洋溢的威斯.蒙哥马利,是爵士乐史上最令听众兴奋的传奇吉他手之一,他超强的即兴能力以及鲜明的个人风格,总令听者留下无法磨灭的深刻印象。蒙哥马利的音乐才华,在现场演奏的时候,更能够表露无疑,这一场在纽约半音俱乐部的现场演出,由钢琴家温顿凯利率领贝斯手保罗钱伯斯、鼓手吉米考柏与蒙哥马利携手合作,这顶级的乐手阵容,也不负众望地拿出一段又一段热力四射的过瘾音乐来轰炸听众。

本张专辑为Wes Montgomery在New York的Nightclub现场录音的作品集结而成,辅以部份的录音室收音串成,这张Verve原发行于一九六五年间的经典专辑,在他个人多张与大编制乐团合作或是以抒情曲风见长的专辑之中,尤其显得格外的具备收藏价值。纯粹而动人的即兴功力在录音中一览无遗。所收曲目除出自原LP之外,有四首则来自于其葛莱美得奖专辑Willow Weep For Me。打从第一曲“No Blues”开始,漂亮到极点的即兴句子就不断地从蒙哥马利手中弹奏出来,流畅、快速,偏偏又衔接得完美无缺,乐手之间的互动跟交替即兴充满了生命力,每一位爵士乐迷、每一位希望听听爵士吉他美在什幺地方的听众,都应该试试这张唱片。




Bud Powell

似乎天才本身就是悲剧的同义字,尤其在Jazz似乎更能够印证这一点。Charlie Parker、Clifford Brown、Paul Chambers、Eric Dolphy等无数的天才乐手几乎都是英年早逝。有些是疾病缠身,有些无法抗拒毒品的诱惑,更可惜的是那些死于意外,使我们在回顾一世纪爵士音乐的同时,总有一丝遗憾。

Bud Powell(巴德‧波尔)就是那些悲剧故事的主角之一,虽然如今已经被公认是Bebop的钢琴始祖,但留下的录音却是少得可怜,且几乎有大半都是最近几年(1980年以后),才被唱片公司从档案柜里头拿出来首度发行。显然Bud Powell本人在他的一生之中(1924~1966)并未得到太多的认同与掌声。集精神病、酗酒、毒瘾问题于一身的Bud,几乎有大半的时间都是在精神病院里度过的。只有在些微短暂得以控制的情况下,才能够听到他那澎湃汹涌的演奏。大部份的时候,你听到的像是一个饱受痛苦、无意识,徘徊的流浪汉呻吟之声。

Bud Powell 于1924年生于纽约市,七岁起开始接受古典的钢琴训练,十三岁时接触了爵士乐后便迷上了它,十五岁时便从高中辍学,并开始他的职业演生涯。Bud早期的演奏风格受天才钢琴手Art Tatum的影响甚钜,从他的录音可听到在中板速度的演奏曲目之中,他采用非常多的Tatum式的快速装饰间奏。从认识了钢琴怪杰Thelonious Monk之后,便经常随着Monk到52街的酒吧和Bebop的发源地Minton’s House去观摩学习,也因此使得他得以接触到Bebop大师Charlie Parker、Dizzy Gillespie的现代爵士乐。从此以后,Bud便以Parker为学习对象。而Bud在小时候所接受的正统音乐的训练,使得他有足够的技巧将Parker式的快速奇特乐句融入他的钢琴演奏之中。这种旋律线条极为铿锵有力,而且能够绵延不绝的Bebop式弹奏法,使得Bud成为1940年代第一个Bebop钢琴手,没有任何人能够弹奏出比他更快速有力,而且具结构性的即兴乐句。这种弹奏钢琴像是在吹奏萨克斯风的即兴演奏,令人不禁联想起另一位钢琴大师Earl Hines,在1920年代末期将Louis Armstrong小号式的即兴乐句融合钢琴演奏之中。二者(Bud和Earl)都可以说是开启钢琴即兴演奏的新风格,Earl Hines为Swing的始祖,而Bud Powell则是Bebop的先锋。

就在Bud Powell开始要展露锋芒,掀起革命的同时,他并未忘记提携他进入现代爵士领域的Monk,在Bud加入Cootie Williams的乐队时,便极力说服Williams为Monk的作品「Round Midnight」作了第一次的历史性录音。后来Bud在他所属的乐队之中,也陆陆续续录制了Monk的其它作品。而Monk本人非但没有嫉妒Bud的成就(Monk是第一位在Bebop大本营Minton’s House的钢琴手,但他的弹奏风格却终没有受到Bebop的影响),反而还为Bud作了一首曲子「In Walked Bud」由此可见二人亦师亦友的情谊相当地深厚。

可是好景不常,自1942年以后Bud的精神病情开始不稳定,进而影响到他的演奏生涯,甚至他演奏的水准。他断断续续地为Blue Note、Verve,还有一些小厂牌的唱片公司录音约十来张。资料不甚多,且演出的品质好坏相差甚钜,这和他那时而清醒、时而意识全失的精神状态有相当的关联。制作人是否能够常握他的情况,往往决定录音的品质。这时期1947~1958之间较好的录音包括Blue Note唱片公司所发行的系列「The Amazing Bud Powell」及OJC公司在1953年发行的「Jazz At Massey Hall」的现场录音。1959年时的Bud的健康情形有显着地改善,这时候,他也转往欧洲去发展,大部份时候都停留在法国,直到1964年才回去美国。这个时期和法国贝斯手Pierre Michelot以及另一位来自美国著名的鼓手Kenny Clark(Clark也是最早在Minton's House演奏的Bebop鼓手)合组的三重奏,可以说是Bud合作最久的乐队。贝斯手也是Bebop大师的Ray Brown(Ray Brown曾经在1990年来台演出)曾经对Bud的演出赞叹不己,在聆听过一场法国Blue Note俱乐部的现场表演之后,Brown说:「我曾经和Bud在52街以及派克(Parker)的乐团共事过,但他从来没有弹得像今晚这样好。」著名歌手Carmen McRae也曾说过:「Bud是一个终极的艺术家,假如你『真正』听到他的演奏的话。」这时期所灌录的唱片,品质都相当不错。尤其在哥伦比亚唱片录制的二张专辑「A Portrait of Thelonious」、「A Tribute To Cannonball」更可以聆听到水准之上的演奏,另外为Steeplechase公司所录制一系列的现场演奏「Live at the Golden Circle」也相当不错。

Bud Powell在1964年从欧洲返回美国,因健康状况开始恶化,并未留下任何作品。最后这位一代钢琴宗师终于在1966年7月31日死于他的故乡,享年仅仅四十一岁。




Charlie Parker

1920年出生的Charlie Parker是爵士史上最伟大的中音萨克斯风手,更是爵士史上最才气纵横的萨克斯风手,绰号Bird的Charlie Parker也是对整个爵士乐发展造成决定性影响的乐手。在他担任领班期间,旗下更包括了年轻的Miles Davis等众多后来的大师乐手,在咆勃爵士乐史上他与钢琴手Bud Powell、小号手Dizzy Gillespie三人被公认为咆勃爵士的领导先驱。Charlie Parker的吹奏技巧无与伦比,无论在小编制当中的引领乐句转折,或是在堪萨斯市Big Band俱乐部里光芒四射的独奏桥段,不管Parker再怎么吸毒、饮酒狂欢、放纵声色,只要他含起萨克斯风吹口,吹奏出的每一段旋律都是空前绝后般地惊才绝艳。与小号手Dizzy Gillespie并肩齐步飙奏时,节奏速度彷佛达到非人的「魔鬼」境界。将精力与天赋同时放在毒品的火焰中两头燃烧的Parker死时才卅五岁,医生检验他的身体时却觉得像是六十五岁的苍老躯体。他的影响无远弗届,Miles Davis晚年曾说:「如果没有Parker,今天的爵士乐听起来将完全不同。」,诚如斯言。

出身堪萨斯城一个破碎家庭中,由母亲独力抚养长大,小时候查理帕克就热爱音乐,据说他14、5岁时很喜欢上台演奏,可是萨克斯风吹的不好,常被听众和乐手嘲笑,于是潜心苦练,几年之后,还不到20岁,他已经成为堪萨斯最好的中音萨克斯风手手,接着他前往纽约在俱乐部里演奏,收工之后会到著名的爵士俱乐部明顿玩具屋和其它新派乐手一同切磋,咆勃(Bebop)的概念就在这里逐渐发展,当时新派爵士音乐大多由小型乐团演奏,音乐形式的弹性较大,也更方便这些改革派进行实验。

音乐上来说,咆勃的节奏比较具有弹性,旋律的进行常采用不协调的和声,即兴演奏的重要性也增加了,态度上乐手则意识到自己是严肃的音乐人,不再是歌唱跳舞的伴奏,也让广大的听众体认爵士乐其实是崇高的文化艺术,我们可以说现代爵士乐的起源就是从咆勃开始,咆勃不能说是由单独的哪一个人发明,而是由多位音乐家一起贡献心智逐步发展出来,但要说贡献最大,真正将这许多革新概念具体表现出来的,还是要算查理帕克。

帕克在纽约的演奏轰动了整个爵士乐界,他的演奏技巧极为高超,当年他和晕眩葛拉斯比即兴应答全速狂飙的时候,所有人都听傻了,不敢相信世上有这样的超人,在他之后十多年,几乎没有任何爵士乐手能逃脱他的影响,评论家曾如此形容帕克的地位:「他走入爵士乐界,就像是踏入一个满是镜子的房间,每一个乐手都反映出他的一小部分。」

就在帕克的技巧与创作能力登上高峰的时候,他吸毒酗酒的恶习也日趋严重,终其一生都未能戒除,对他的健康造成极大伤害,绰号「小鸟」的帕克1955年刚结束在鸟园(Birdland)的演出(这个爵士乐俱乐部是因他而命名的),就以35岁之龄病逝纽约,检查的医生认为他身体衰老的程度远远超过实际年龄,帕克逝世,对当时的爵士乐迷来说是无可弥补的巨大损失,消息传出,一些悲痛的乐迷在纽约四处贴标语、喷漆,讲的都是同一句话:「小鸟为吾辈而死!」,对他们来说,帕克的音乐是和耶稣基督一样崇高的救赎。




Miles Davis

若说爵士乐坛最传奇的小号手是迈尔戴维斯(Miles Davis),应该没有人会举手反对。六、七十年代,迈尔戴维斯几乎就是爵士乐坛的标竿人物,他的音乐只要一问世,就成为乐手崇拜追随的对象,形成一种爵士风潮。

1945年的Miles Davis正值十九岁的青春年华阶段,他与一般人一样在学校读书(JULIA SCHOOL茱莉亚音乐院),但他与一般人不同之处,就在于此时的他已经与爵士乐Be Bop大师Charlie Parker同台,录下这张专辑的第一首歌「Now''''''''s The Time」,这首曲子的珍贵程度可见一般,除了一方面是Miles Davis的初放爵士光芒之作,另一方面则是这时正是音乐禁令的限制刚过,所有的爵士乐手就像出了笼子的老虎,极尽所能的发挥。而专辑的最后一首歌「Portia」是Miles Davis在60岁时所灌录的(1986),这时的他虽然已经到了一个音乐演奏家的残年阶段,但似乎不甘愿就此放弃他的音乐生涯,仍致力于Harmon-Muted(用于小号上面的弱音器)的音色发展,将传统的乐器加上了电子合成乐器。

“我喜欢新鲜的东西,始终抱着每天学习的心情。对于那些走不出自己框框的乐手,我深深感到悲哀。”这就是迈尔戴维斯,一位永远追求新音乐,走在时代前端的爵士巨星。他的音乐尽管多变,他的性格始终神秘,但是对爵士乐执着的心,以及不断颠覆自我的理念,却是数年来坚持如一,这样一位爵士乐大师,相信再过七十年之后,受到乐迷怀念的程度一样会如同今日深厚,不会有丝毫减损。

作为小号手,Miles是一位非常有旋律性的独奏者,与Count Basie、Thelonious Monk一样在即兴旋律的构造上很严谨,善于自我克制。他的许多即兴独奏给人一种事先仔细加工过的印象。其次在演奏中,Miles非常擅长使用休止,有时会故意漏过一些节拍不演奏,让鼓和贝司的声音跳出来,这是种很特殊的、很戏剧化的演奏技巧。六十年代Miles Davis通过使用哈蒙弱音器,形成了一种自己特有的纤弱、精致小号音色,这种音色在1963年的专辑《Seven Steps to Heaven》以及1959年的专辑《Kind of Blue》中得以充分得体现。

虽然Miles Davis在大多数的人印象中基本是位小号演奏家,但他作为一名乐队领导者和作曲家来讲可能更具影响力一些。现代爵士史的大部分潮流和风格的兴起都与Miles Davis领导下的乐队相关。实际上,Miles Davis是具有里程碑性质的几张专辑录音的乐队领导者。如1949年的专辑《The Birth of Cool》,对西海岸风格的形成起到很大影响;1959年专辑《Kind of Blue》,标志着调式爵士的诞生;1969年的专辑《In a Silent Way》和《Bitches Brew》,对爵士和摇滚的Fusion(融合)产生重要影响。

虽说这些成果不能完全归功于Miles Davis个人,不过他确实称得上是一位最好的监工,许多现代爵士风格潮流的出现,总是与他领导的乐队有关。Miles始终那么具有开拓性,使得乐迷们都无法完整地了解他音乐生涯各个阶段的活动,不同时期Miles的音乐风格会大相径庭。Miles Davis始终睁大着双眼,在关键时刻,为他自己的乐队选择具有开拓精神的作曲家、编曲家和乐手。




John Coltrane

五六十年代出现了一位这样的杰出人物:John Coltrane(1926-1967)。无论作为萨克斯演奏家、作曲家和乐队领导者,他对六十至八十年代的爵士乐都产生深远的影响。他引入爵士的即兴演奏观念为钢琴手、小号手、吉他手以及萨克斯手所学习吸收。

五十年代初期,Coltrane还不为公众所知,但他在1955年与Miles Davis的合作录音中已经形成了自己十分强力的演奏风格,到他1967年去世为止其风格还在不断开拓发展过程中。Coltrane的音色粗砺、尖锐、巨大而厚重。许多萨克斯手演奏时在高音区会音色变薄、低音区时又会不清晰和不够敏捷。而Coltrane的音色在任何音区始终都是饱满和有穿透力的。此外,他的演奏充满紧迫感,音乐听上去也十分严肃,几乎就没有一丝的幽默。纵观其音乐生涯,他的唱片显示了一种一贯的力量和灵感,即使在大师中间也是很少见的。与Charlie Parker并称,Coltrane是最具一贯性和演奏激烈的那类爵士独奏者。

五十年代中期以后,John Coltrane与Sonny Rollins成为纽约最抢手的硬波普风格次中音萨克斯演奏家。1957年他出现在21张重要的唱片录音中,与Thelonious Monk一起进行了短暂而富有有成果的合作。同年他回到费城,戒掉了吸食海洛因的毒瘾,开始拓展其个人风格(John Coltrane后来提到《A Love Supreme》这张专辑就是指一种精神上的觉醒),而且组建其经典的四重奏演奏形式。在一家名为the Red Rooster的俱乐部,他发掘了钢琴手Mccoy Tyner和贝司手Jimmy Garrison。

在为Prestige公司录制了几张专辑以后,Coltrane转签Atlantic唱片公司。1959年,他录下了《Giant Step》专辑,这是张非常受欢迎的经典之作,不过它提出了一个问题:硬波普再往前该如何发展?Coltrane知道答案,在完成与Miles Davis的第二轮合作以后,他组建了由Mccoy Tyner、Jimmy Garrison、Elvin Jones和自己组成的最着名的四重奏。从此爵士乐揭开新的一幕。

六十年代的社会问题意味着Coltrane音乐上的革新被看作是黑人反抗的先声而大受欢迎,大量地录制和推向市场。1961年,Coltrane从Atlantic公司转到Impulse公司,推出了一系列令人惊愕的作品,其中包括大多数Coltrane里程碑式的专辑,还有部分六十年代中期Coltrane实验性的作品。在1961年至1967年之间,Coltrane制作的专辑成为现代爵士的奠基之作。出于商业方面的考虑,Impulse公司对Coltrane的作品总是推迟出版,看过他现场演出的乐迷们对其音乐上的发展变化之大十分震惊。Coltrane在《A love Supreme》专辑中的演奏与现场相比要催眠和平静好多,然而还能称得上是经典。

之后,Coltrane的作品变得越来越野性。由于对新领域的无休止的追逐探索,导致乐队的解散。Rashied Ali代替了Elvin Jones,Alice Coltrane取代了Mccoy Tyner,Coltrane对新的萨克斯手尤为感兴趣,在专辑《Ascension》中,他给予Archie Shepp、Pharoah Sanders、Marion Brown和John Tchicai许多演奏空间。Eric Dolphy的演奏风格与Coltrane有很大不同,但他在六十年代早期却频繁作为Coltrane四重奏的一位客座乐手,并和Coltrane于1961年一块巡演。1967的《Interstellar Space》双重奏专辑,Coltrane的次中音萨克斯与Rashied Ali的鼓激烈鏖战,为后人发展提供了一个十分诱人的新暗示。

1967年Coltrane的去世使得先锋爵士失去了一位精神上的父亲。七十年代Fusion爵士商业性的成功使得他的光芒有些黯淡,八十年代传统爵士的复兴又使得Coltrane硬波普时期的作品大受关注。尽管Coltrane一再强调年轻的萨克斯手们不要学他,但是他死后其风格反而成了一种主流。从Michael Brecker的伯克利学校音乐风格到欧洲的Jan Garbarek,甚至像Andy Sheppard这样的新秀要建立起自己的观众群都找不到其它更好的演奏方式。不过,Coltrane的音乐确实有很大的听众群,尤其在年轻的摇滚乐迷中也十分受欢迎。毫无疑问,Coltrane确实是一位真正的爵士乐使者,他的音乐来自于其内心深处,很少有爵士乐音乐家能达到那样登峰造极的境界,拥有其超凡脱俗的乐器演奏技巧。

有许多的爵士乐评认为『鸟园现场演奏专辑』是由约翰˙柯川与钢琴手麦考伊.泰纳、鼓手艾文.琼斯、贝斯手吉米.盖瑞生为班底所组成的四重奏所共同完成最伟大的爵士现场演奏专辑。原专辑中收录了5首该团于1963年10-11月之间在位于纽约百老汇街2745号著名的『鸟园』(Birdland)所作的历史性演出。其中不仅有形而上精神意味浓厚的"Afro Blue"经典演奏,也有像"I Want To Talk About You"在柯川中晚期中较少见,绝对动听的慢板几近独白的情歌(尤以乐曲后半段的萨克斯风独奏最精彩)。"The Promise"里可以听到柯川如失落灵魂般的召唤,也可欣赏到麦考伊.泰纳个人技巧的表现。"Your Lady"虽然已萨克斯风为主奏,却也能感受较平均地展现了四位团员间密切的互动与坚强的演奏实力,为专辑做了完美的结尾。
  
本CD多收录同年三月在爵士录音大师Rudy Van Gelder纽泽西家中录音室的作品"Vilia",更添超值魅力。--- 详见007号.




Bill Evans

Bill Evans出生于一九二九年,原名William John Evans,在学校的时候,也有人称他William "Fingers" Evnas。五零年代晚期,比尔.伊文斯开始在乐坛崭露头角,出道不久,便与迈尔.戴维士(Miles Davis)同赴新港音乐祭,六九年合作了《Kind of Blue》,更使他很快就打响了名号。在此辑中,他参与了录音及制作,也担当主要的钢琴手,〈Blue in Green〉,〈Flamenco Sketches〉两曲是他的作品,这张专辑的编曲也由他担任,甚至内页的介绍也是由他执笔。我们可以说因为戴维士的大胆而开启了调式音乐在爵士乐的实践,但在首场实验性的录音中,却是由比尔.伊文斯担当主要的旗手。

除了与戴维士的合作之外,一九五六年到一九六三年间,比尔伊文斯在河岸唱片留下了十多张的唱片,也是重要的史料,记录着伊文斯的摸索,实验以及成熟。

一九五六年,伊文斯加入河岸唱片,录制了他的第一张商业发行:《爵士新概念(New Jazz Conceptions)》,在这张专辑中,伊文斯虽然是首度尝试商业发行,却毫不退缩地展现他想要带给世人的爵士新概念。他将德布西与拉斐尔的演奏风格带入爵士乐的领域,展现了印象派的朦胧与神秘,却又不失爵士乐的摇摆感受以及即兴精神,相当神奇地将两者合而为一,并且悦耳动听。

一九五八年,伊文斯再次宁静革命,他录制了一首钢琴独奏〈Peace Piece〉,在这首曲子里,长达七分钟他以两个反复的和弦为基础不停地即兴演变,明显地展露他的企图。他尝试将George Russell提出的调式理论(modal theory)带到爵士乐的领域里来。同年,他与贝斯手山姆.琼斯(Sam Jones)以及鼓手菲利.乔.琼斯(Philly Joe Jones)合作,出版了三重奏作品《人人都懂比尔伊文斯(Everybody Digs Bill Evnas)》,除了收录前面提到的实验性作品〈Peace Piece〉外,还找来了已经成名的乐手例如迈尔.戴维士以及加农炮艾德利等人为他签名背书。此辑同时是他在隔年参与《Kind of Blue》录音的重要关键。戴维士说伊文斯是宁静火焰,我想指的正是这种让人不知不觉地接受了一种新的概念,而且一烧就是一整片山林的特长。

五九年到六一年间,比尔伊文斯在河岸的岁月达到高峰,他和贝斯手史考特.拉.法罗(Scott La Faro) 及和鼓手保罗.摩逊(Paul Motian)合作,留下了许多精彩的录音。包括了精彩三人同时即兴的《爵士探索Explorations》,《爵士肖像(Portrait in Jazz)》等,其中最著名的该属《Sunday at the Village Vanguard》以及《给黛比的华尔滋(Waltz for Debby)》 两张。这两张是同一场录音,是六一年六月二十五日在前卫村(Village anguard)酒吧所留下的,比尔等三人应该是有受到酒精或是药物的影响,这场演出带有迷幻气息,比尔的钢琴不急不徐地弹送情歌;鼓手保罗的演奏以钢刷为主,让节奏精巧地轻灵摆动;贝斯手史考特明显的弦声不干于背景铺陈,无论是独奏的片段,或是在比尔略放空档的音符间隙里与钢琴交叉对话,一个节奏组三重奏,这样的阵容是优异到有点不可思议的地步。

在《给黛比的华尔滋(Waltz for Debby)》里的曲目包括了数首情歌例如〈My Foolish Heart〉,〈Waltz for Debby〉以及〈My Romance〉,都是比尔伊文在他的演奏生涯里常演奏的曲子,而本张专辑里的版本,可以算是当时最成熟的版本,与日后的许多诠释相较,也都算是相当好的版本,例如标题曲〈Waltz for Debby〉曾在五六年的《爵士新概念(New Jazz Conceptions)》专辑中有概念性地演出过,而在这张专辑中的现场版本,则比之前的录音室作品成熟许多,结构已达完美,日后许多版本都不及这个版本的完美。

这次的演出十天后,贝斯手史考特车祸丧生,除了乐坛失去一个重要的贝斯手,对团长比尔.伊文来说,更是痛失右手,不只使这个优异的三重奏终结,也使比尔.伊文暂停一切的演出一年,对酒精与海洛因的需求也日益加重。

六二年重新开始录音,和新任的低音大提琴手恰克.以塞列(Chuck Israels)合作,留下了《月光(Moonbeams)》和《心灵之歌(How My Heart Sings!)》两张专辑。在这两张专辑中的伊文斯和新任的低音大提手合作出另一种风味,较之史考特.拉.法罗的骚动,以塞列的拨弦较为轻巧,伊文斯则大抵保持了印象派的优美音色,多首3/4拍的华尔滋都很悦耳,但是改格的风味较相对的淡去。

六二年七月,他更尝试找来小号手佛瑞狄.哈伯(Freddie Hubbard),吉他手吉姆.霍尔(Jim Hall),MJQ的低音大提琴手波西.希斯(Percy Heath)以及鼓手菲利.乔.琼斯(Philly Joe Jones)灌录了一张难得的五重奏作品《相互共呜(Interplay)》,在这张辑中,值得将耳朵专注在鼓手菲利.乔.琼斯和小号手佛瑞狄.哈伯两个人身上,菲利.乔.琼斯的击鼓一直是以活泼热烈着称,与印象派的伊文斯似是不同挂的,但是他在此辑中则表现了难得的内敛与沉稳,足见乐团伙伴交互影响的威力。倒是小号手佛瑞狄哈伯当时正值年轻,经验不足,加上他的乐器是全团中最嘹亮的铜管,使得他在录音的第一天根本无法与其它四个人配合上,根据记载,到录音的第二天,哈伯才完全进入状况,掌握与其它人配合的诀窍。

到了一九六三年,也就是伊文斯与河岸唱片合作的最后一年,他已经开始为新东家Verve唱片灌录著名的独奏混音作品《与自己对话(Conversations With Myself)》,尝试利用新的录音技术,自己与自己搭配即兴演出。为河岸唱片留下的最后一张唱片是一张现场唱片《Bill Evans Trio at Shelly's Manne-Hole》,这是除了著名的前卫村两张录音外,第二场为河岸留下的现场录音,其中合作的低音大提手以塞列是拉法罗之后的接班人,而鼓手赖瑞.邦克(Larry Bunker)则是只有合作过这幺一次,在演奏内容上特出之处并没有很多,但是由于是为他出道的公司录制的最后一张唱片,所以颇具时代意义。

除了这些原本挂牌河岸唱片发行的唱盘(LP)转发成CD格式之外,还有三张挂在Milestone牌下发行的录音,其录音内容也是河岸时期的录音,只是当时没有发行。它们是1963录制的两张独奏专辑《The Solo Sessions, Vol. 1》和《The Solo Sessions, Vol. 2》以及现场录音《Time Remembered》。

其中的两张独奏作品是录制于他为Verve录下《与自己对话(Conversations With Myself)》之前留下的,可谓是最早的大量独奏录音,这个时期由于还没忘情拉法罗,加上酒精与海洛因的用量都很大很大,伊文斯的表现并不好,大部分的录音都拢罩在很严重的低气压之下,让人有点气闷,甚至有很多曲子和曲子之间,因为嗝过头了,忘了要停下来,而只得录成多首曲子串连的Medley。这两张独奏作品当时并没有发行,第一次发行是在出版伊文斯河岸全集套装的时候,放入其中。到一九八九年才首度以单张CD的型式发行。另外一张《Time Remembered》则是将伊文斯最后一场现场录音《Bill Evans Trio at Shelly's Manne-Hole》的未收录曲加以收录,重新发行。

这一次,风云唱片挺有决心地将代理的OJC的唱片较大规模的重发,虽然由于是德国版,许多玩家对于封面印刷的品质并不满意,但至少已经让原本很多难得发现的唱片有较容易被买到的机会。其中,当然包括市场考量,所以在国内挺具人气的伊文斯,接近是全数都重新出现在市面上,再加上一张伊文斯在河岸时期的选辑,这无疑是一个重新收齐伊文斯的河岸岁月最好的机会。

比尔.艾文斯并不像一般乐手成名于一些特殊的音乐活动或大型表演。他的诗意陈述与谦逊自若的作为,是慢慢被乐界和乐迷认同的。当他于1980年因心脏病去世时,被公认是影响往后发展最深的一位JAZZ钢琴家。

比尔曾经担任Miles Davis乐团成员,并与其共同灌录经典专辑“Kind of Blue”。从五十年代末期开始,比尔以德彪西的现代和声为架构,找到自己即兴演奏的方向,这个风格进入六十年代以后更加明显。听来不太和谐的和弦结构中,比尔演奏起来却相当顺畅。
  
比尔自组的三重奏乐队以强调演奏上的相互补位而闻名。比如比尔自己的即兴弹奏若显松散,贝斯手马上可以辅助比尔的空隙。另外,鼓手的节奏运用也以轻微的触击声代替强拍子的大鼓声,因而这个三重奏被誉为是发挥团对精神最佳的例子。在比尔所组的三重奏当中,又以他与鼓手P aul Motian和贝斯手Scott Lafaro的组合最有名。比尔.艾文斯曾说:“让声音更丰富是必要的责任!”而这就像他的音乐特性一样,一层一层覆盖的神秘面纱,极具缥缈色彩。听者必须细聆其音乐纹理,才能获得渐入佳境的聆听趣味。

比尔.艾文斯本人的录音演出以三重奏最多,但对于个人独奏和与大型乐队合作的演奏他也相当感兴趣。在六十年代末融合乐兴起以后,大部分乐手顺应潮流都改以电子乐器演奏,然而比尔却坚持传统乐器的纯净音色演出。即使在八十年代初期去世前,他也只尝试以电钢琴灌录唱片,仍坚持不弹奏合成乐器。比尔后来还对N ew Age风潮产生莫大影响,足见其魅力所在。

Bill Evans的音乐专辑大多是以钢琴为主伴以鼓及贝斯的三重奏为主,也是因为它的表现是如此不凡,这样的三重奏才能受到乐迷所喜爱。Bill Evans的个性沉默冷静,他的音乐也是如此,也许不是很喜欢他的人会觉得他的音乐缺乏热情,但是他的琴音还是像诗一般的美,值得您静静来聆听,由其它擅长于让他的音乐充满感情。 Bill Evans在爵士乐鼎盛的50年代窜起,并成为影响当代极大的钢琴大师。由于父母的鼓励支持,Bill 的哥哥学习钢琴,而他开始时学的是小提琴。但是哥哥在学的时候,Bill 总在旁观摩,而且喜欢自己弹弹钢琴,以后父母便让 Bill 和哥哥一起学钢琴。虽然学的是古典课程,Bill总会模仿收音机上听来的爵士乐。 Bill Evans对爵士的自由即兴风格之倾倒,可以从他的作品中感觉出来。他也借着音符来传达他的感情与想象,没有swing的欢愉与bebop的刚烈,是属于内敛自省的风格。 1959年,脱离 Miles Davis 之后,Bill Evans 以个人为名的三重奏乐团,在爵士乐坛上立下稳固的地位。

他的三重奏有特殊的质感,长期以来与贝斯手EDDIE GOMEZ合作良好,这是BILL 弹奏电子琴的黄金时期,有人认为电子琴使他失去了平日的感性,但仔细耹听之下,你会发现他在不断续的弹续之下,他与电子琴的完美结合。”FUNKALLERO”受到许多乐手的喜爱,ZOOT SIMS为它狂,STAN GETZ也坚持与他合奏,然而,他是少数不相信自已专辑品质的爵士乐手,对自已要求相当严刻,他也不喜欢断续或重复地演奏方式,他录音只录一次,接着下一首,因此造成他对演奏时精准的要求,表现在完美的钢琴弹奏。

1929年出生至1980年去世,BILL在当世钢琴界已奠定他大师的地位,初听他的音乐,你或许会惊讶他的琴声并不是很突出,但久了之后,你就发现每当到某一小节,你会期待他钢琴声的出现,若没有他的琴声来穿插连贯,整首曲只不过是普通的拍子,他那连续的指法,不经意的节拍,及灵活的变奏,造成他的音乐的丰富性,这也就是他的魔力所在,直到今天,许多爵士钢琴乐手仍深受他的影响,自由的曲风,不经意的演奏,虽不突出,但少了他又不能完美,BILL EVANS就是如此的重要,也因此他在酷派、咆勃乐风下都能占有一席之地。

Bill Evans的黄金时期在1959-1961年间,这段时间他和贝斯手Scott LaFaro及鼓手Paul Motian以三重奏的方式,演奏醉人诗情般的曲子同时,亦表现出一种较为内敛的风格,这样的组合成了爵士史上最具代表性的三重奏,在这之前没有人以钢琴三重奏的方式演出,所以我们几乎可以说是他一手创立了爵士乐里以钢琴为首的三重奏标准,他们用一种全新的方式演奏乐曲,三种乐器之间互相影响与协调.创造出主旋律的架构,这在当时来说是一种新的尝试,而这种尝试立刻受到乐迷的喜爱与好评。但却因为人生的无常,贝斯手Scott LaFaro在1960年7月初,从他妈妈的住处离开,前往与Bill Evans乐团练习的途中,开车失速撞上路旁的树而不治身亡,就这样结束了他们的合作关系,留下了4张在Riverside所录的专辑.成为所有乐迷必备的名盘,也为Bill Evans与Scott LaFaro奇迹似的邂逅划下了句点。他们最后的录音是在1961年6月25日于Village Vanguard酒吧展开为期10天的表演,Riverside的制作人Orrin Keepnews眼光独到,决定把最后2天的实况录下,因此我们才能享受到爵士史上最强三重奏绝佳的演奏,不至成为绝响。此次的实况录音,分别录在《Sunday at the Village Vanguard》和《Waltz for Debby》这两张专辑中,Bill Evans为了纪念最了解自己的贝斯手Scott LaFaro意外身亡,选出当次录音分别收入《Sunday at the Village Vanguard》(并订定副标题为”featuring Scott LaFaro”)及《Waltz for Debby》。




Dizzy Gillespie

1942年,Dizzy和Charlie Parker加入Earl Hines 的大乐队,这是第一个表演BeBop的乐队,之后歌手 Billy Eckstine 跳出来自组乐队,Dizzy and Bird 加上Sarah Vaughan全部跟着转台。1944年,Dizzy 参加由 Coleman Hawkins 主导的演奏,此场音乐会使得BeBop乐风正式成形。

1945年,Dizzy 终于有了自己的五重奏乐队,并且和 Charlie Parker 到处表演与录制唱片,他们的 BeBop新乐风在美国东岸受到大众的肯定与支持,模仿者到处都是,但他们去到美国西岸表演时,观众的反应却是十分冷淡。

1917年出生的Dizzy Gillespie 迪吉·葛拉斯彼,本名John Birks Gillespie,他的艺名Dizzy是「晕悬」的意思,而他也的确是一位令人目瞪口呆头晕目眩的演奏大师,极端高速的长段即兴独奏,精湛的和声与节奏素养,永远笑容满面,永远乐于指导提携后进,甚至于他向上翘起45度的小号和演奏时两颊鼓起如牛蛙的特异景致,对许多喜爱他音乐的人来说,都成了爵士乐的精神象征。

葛拉斯彼早期出道江湖的时候在一些演奏摇摆乐的大乐团里担任小号手,但他一直希望建构出自己的音乐体系,据说当年他在Cab Callaway的卡拉威大乐团任职的时候,常在练习时试验他的创新和声观念而遭到团长痛斥,尽管如此,葛拉斯彼仍然渐渐地将他的理论架构完整,在与其它杰出的爵士乐手如萨克斯风手Charlie Parker查理帕克等人的合作之下,爵士乐最重要的一次革命性变革,也就是Bebop咆勃爵士,终于诞生,葛拉斯彼和帕克被称为咆勃爵士的开山始祖,对当代爵士乐的影响无比深远。

葛拉斯彼对古巴和非洲音乐中的节奏有精深的研究,也就是他将这些不同的节奏元素引进爵士乐中,并且加以发扬光大,从他所创作的曲子如〈Night In Turnisia〉之中,可以听出他丰富的节奏感。 葛拉斯彼提携指导了许多日后的大师,包括Miles Davis迈尔士戴维斯,Clifford Brown克里夫布朗等人,戴维斯回忆说:「当年我向Dizzy请教和弦问题,他走到钢琴旁边,一遍遍的示范给我看。」

葛拉斯彼是技巧最高超的几位小号演奏家之一,他与帕克合作的专辑《Bird & Diz》里,这两位不世出的奇才,在交叉追逐彼此应答的独奏中,飚出令人难以想象的快速即兴乐句,和弦、节奏极端复杂,却又精准无比,超人般的演奏能力,令人叹为观止。

Dizzy Gillespie就是对Bop爵士乐有最大贡献的人之一,Dizzy Gillespie 是 Be-bop爵士乐风的宗师,是拉丁爵士的创始者,是位兼具喇叭手、编曲、乐队经理及歌手等多重身分于一身的爵士乐界巨人,也是由于他和许多乐手的努力,使得爵士乐有传统的纽奥尔良风格以及摇摆乐之外,爵士乐也是可以有更多不同的前景。

风趣的个性和特征鼓胀的双颊向上倾斜30度角的小号,是 Dizzy的正字标记。吹奏时,经常很轻易的让两个脸颊曾肿胀到像牛蛙一样。关于他的特殊乐乐器造型的故事是,1953年,在一次表演中,有个舞者不小心跌倒,意外地将Dizzy的小号压弯了,Dizzy却神色从容地拿起弯曲的小号继续吹奏,他觉得着把小号的音色更优,之后他还特别定做一支这样独特造型的小喇叭。

家境清寒,父亲是个业余乐手。家中有九个孩子,父亲将不同的乐器介绍给每个孩子,他是最小的一个。12岁时他先学伸缩喇叭后才改学小号。1935年,Gillespie 离开学校,来到费城加入Frank Fairfax乐团,别人开始用 Dizzy这个绰号称呼他。20岁时加入Teddy Hill的乐队,在Teddy Hill的乐队取代另一位小号手 Roy Eldridge 。21岁时加入Cab Calloway的大乐团,这个环境对他有很大的帮助。

在Cab Calloway的大乐团时有更多表现的机会,也在这个时候他对Afro-Cuban jazz有了兴趣。 他是个个性活泼乐观的人,在舞台上和私底下皆是如此。

从大乐团起步 Dizzy Gillespie也和他那个时期的乐手一样是从大乐队开始的,也是由于这层关系让Dizzy得以有机会向Louis Armstrong及Roy Eldridge等前辈学习。1940年在堪萨斯城遇见Charlie Parker ,这是他的音乐生命中最关键的一件事。




Lee Morgan

在Lee Morgan去世34年后的今天,再度回顾他潇洒的一生实在让人不胜唏嘘,在此我们省略介绍Lee 18岁之前的学习情况,直接把他的成名作拿来当开场白吧!

英国爵士乐专属公司BLUE NOTE创社至今最空前卖座的专辑是那一张你知道吗﹖是「THE SIDEWINDER」,小喇叭手Lee Morgan于1963年12月的录音室作品,这张专辑才一发售马上就轰动整个英国,而1964年12月时还荣登美国Billboard杂志最佳唱片第25名的佳绩。当然,在美国获得好成绩之后,克莱斯勒当时发行的新车也跟着大卖,因为克莱斯勒用「The Sidewinder」做为电视广告的配乐。也许你会觉得有这样的成绩不算什么,但是当你知道这是一位才26岁的年青人所作的曲子时,可能会对此成绩感到惊奇。

虽然爵士乐史上也曾不止一次有过这样的情况(Charlie Parker第一张重要作品录音时才21岁),但是对于一位14岁才开始学吹奏小喇叭的人来说,18岁就在Blue Note录个人第一张专辑,26岁就能一举成名,你能不说是奇迹般天才吗﹖1956年18岁的Lee Morgan即被当时仍在风行的Big Band主将Dizzy Gillespie拔擢,Dizzy爱才如命,对于Lee Morgan的能力给予力捧,因此在「突尼西亚之夜」专辑中让他有发挥的空间,Dizzy特别写了多段独奏的部份让Lee Morgan表现。

1958年,20岁的Lee Morgan加入Art Blakey的爵士使者乐团(The Jazz Messengers),就如大家所知道的,JM的顶尖期为1958年~61年和1963年~65年2个阶段,Lee Morgan适时的加入,有如虎添翼一般的助Art Blakey一臂之力。当然,在强力背景支持下,Lee Morgan也发展他自己的演奏事业。1965年到1967年之间,Lee Morgan也特别的参与唱片的制作,(其中一部为「God bless the child),之后就突然中断一阵时间。就如Art Blakey说过的「摇滚唱片难以诱惑人,纯粹爵士走的的也难以持继」60年代后半实在是爵士乐界的苦难期。许多爵士乐手纷纷改头换面,Miles Davis转换口味成Fusion、John Coltrane也在这时候离大家而去。

在这个苦境连连的时代,Lee Morgan四重奏于1969年成立,他的团员兴奋的说;「Lee的演奏太棒了!尤其是和他一起排练的时候,真是快乐极了。」也许没有人知道,这时的Lee Morgan正在和毒瘾做对抗,只不过表现出来的依然是他不变的明亮性格。这段时间;Lee Morgan四重奏团到纽约、底特律、芝加哥、费城(其实已经包括大半个美国东部),一直到西海岸的旧金山、洛杉矶,他们把Lee Morgan Hard Bop带到美国各地。

1970年7月10日(Lee Morgan 32岁生日)一直到24日,Lee Morgan四重奏团在洛杉矶近郊的「Light house」演出,「我们游戏于快乐的海、空气与轻松的气氛之中。」在去年发行的「THE SIDEWINDER/LIVE」之中就可以听到,这个在Lighthous的实况演出录音,为Lee Morgan四重奏的第一个现场,可能还不够成熟吧!广播员在团员介绍时,这些弟兄们还有点嬉笑怒骂,在这群伙伴中有一位年仅14岁的黑人长笛少女Helen More也在其中,(她是Morgan力捧的新秀,但也因此擦出火花)。

「Helen生下来就是要供献自己的才华的,尤其是她的烹调,属于最高级的。」Lee Morgan从毒瘾中救出来的也是Helen More。1971年9月Lee Morgan在Blue Note录下「Lee Morgan」专辑,这也是他的最后一张专辑录音(这张录音中的曲子为Bille Haper(tenor Sax)原作),在团员方面则有了大更动,不过这张录音可以算是Hard Bop小喇叭的最巅峰杰作。

半年之后悲剧发生了:1972年2月Lee Morgan于纽约的East Side「Slags」做演出,演奏会结束后已经非常晚了,Helen More到「Slags」找Lee Morgan,为了一点男女情事对Lee吃醋,因为已经累积很久,不懂事的Helen在情急之下居然拿出枪来对Lee的左胸开枪……

19日凌晨2点,由于心脏被子弹贯穿,送到医院时Lee Morgan已经气绝身亡。悲剧发生前两天,Lee Morgan还在录音室为新作录音,这么一颗子弹,让这张唱片的发行成了永恒。

﹙注﹚命案现场Jazz Club「Slags」于66年开幕,事件之后就关闭至今,由于地点为嬉皮族的地盘,为了保护自己,深夜时间女性出入一定要随身携带防身器,Helen去找Lee时带枪是正常的,会对Lee开枪可以想象是一位带枪到危险场所找人的单纯事件,开枪则是年纪小不懂事造成的后果。「我要杀死你!」这是Lee Morgan在世时最后听到的一句话,本来以为Helen只是开玩笑唬一唬,没想到居然成悲剧。




Thelonious Monk

1917年Thelonious Monk出生于北卡罗莱纳州的洛基山。五岁时,Monk全家搬到纽约,一年以后开始学习钢琴演奏,十一岁时开始接受正规的钢琴教育。在高中时期他的物理和数学比较出色,有时也在教堂演奏管风琴。三十年代后期,他与一个福音乐团巡演,随后开始在俱乐部演奏,1941年至1942年间,他加入了Kenny Clarke的乐队任钢琴手,在敏顿俱乐部演出。1943年至1945年Monk在Coleman Hawkins的六重奏待过,1946年又加入Dizzy Gillespie的大乐队,1947年他开始领导自己的乐团。Coleman Hawkins为他提供了首次录音的机会,细心的人可以发现在乐曲“Flyin’ Hawk”中有Monk的一段精彩的独奏。然而,直到1947年Blue Note的一组唱片发行才使他成为众所周知的人物。

这组唱片中Art Blakey任鼓手,使得节奏非常有感染力,和声复杂而吸引人,再加上Monk独一无二的不和协音演奏和节奏感,更为其增添魅力。这些唱片可以称得上是那十年间的精华之作。“’Round Midnight”很快就成为非常流行的曲子,其它的像“Ruby My Dear”,“Well You Needn’t”,“In Walked Bud”也成为爵士乐经典之作。Monk演奏钢琴时手指是平直放的,这是被学院派钢琴家所不齿的,但他言简意赅的风格是故意追求一种现代的感觉,而不是说没能力像Art Tatum或Oscar Peterson一样流畅地演奏。对Monk来讲,没有欧洲浪漫主义音乐的影响,他用Blues也能表现足够的浪漫;不用过热的Bebop来演奏也能表达激情。他的即兴演奏机智、简洁和发人深思。

1951年一项捏造的藏毒罪名使得Monk被剥夺了在纽约的演出执照,而且随后六年现场演出的被禁几乎毁掉了他音乐生涯。由于河岸唱片公司的支持,他能找到志同道合的乐手一起合作,有时是以他的名义,有时也作为像Miles Davis、Sonny Rollins和Clark Terry等的客座乐手参与录音。1957年重新获得演出许可后,Monk召集了一个强力的五重奏固定在Five Spot俱乐部演出,成员还包括鼓手Shadow Wilson、贝司手Wilbur Ware和萨克斯手John Coltrane。Coltrane经常声称其在这个乐团的短暂停留时期使他获益匪浅。尽管从没有录制现场专辑,John Coltrane和Monk合作的录音室专辑也称得上是经典。Monk为了报答Coleman Hawkins早期的知遇之恩,在这些专辑中也力邀其加入,历史和未来终于因Monk而握手,以前被认为演奏太出格的Monk,其音乐生涯终于开始起步了。

1957年,Monk与Gerry Mulligan一起合作录音,使得他被更多的观众所认识。与古典作曲家Hall Overton的合作使他的演奏管弦乐化(1959年在Town Hall的现场演出)。1961年他第一次巡演欧洲,1964年又去了日本,六十年代初期,Monk组建了一个稳定的四重奏,成员有次中音Charlie Rouse、贝司John Ore、鼓手Frankie Dunlop。乐评认为他和其他萨克斯手的合作要更为出色些,如Harold Land、Johnny Griffin,但是他们忽视了实际上只有Charlie Rouse才真正理解Monk的曲风,他也许算不上是位伟大的独奏者,但他粗砺、生硬的演奏恰好像手套一样契合Monk的曲子。

七十年代早期,他和Pat Patrick以及儿子T.S.Monk合作,病痛开始限制其活动能力。但1971-1972年间他还是和Giant Of Jazz一起巡演,1974年还率领自己的大乐队参与了新港爵士音乐节。1971年他为黑狮唱片公司录了两张专辑《Something In Blue》和《The Man I Love》,都是三重奏的作品,贝司手是Al Mckibbon,鼓手为Art Blakey。这是两张Monk的最佳专辑,充分展现了鼓手和钢琴手之间出神亲密的合作。1982年,Monk死于中风,之前六年他没有于任何公众场合演奏。

Monk的影响在八十年代开始逐渐地增强,Buell Neidlinger组织一个乐团,弦乐化的爵士,只演奏Monk和Ellington的作品;Steve Lacy,在六十年代早期也是有一段时期只演奏Monk的曲子;而且还有一系列向其致敬的专辑,如Arthur Blythe的《Light Blue》、Anthony Braxton的《Six Monk’s Compositions》、Paul Motian的《Monk In Motian》、Hal Wilner的《That’s The Way I Feel Now》等等。

Monk具有一种独一无二的能力,能将精致、令人惊讶的和声转接以及古怪的节奏融进疯克味十足的Riff中,他的作品实际上比其他人的更有穿透力,对爵士乐来讲,这是种最高的赞扬。




Art Blakey

Art Blakey可以算是爵士乐史上最重要的鼓手,他是hard bop硬派爵士乐的先驱和精神领袖。他具有的非凡技艺除外,更重要的是他带领很多乐手,造就了一批爵士的爱好者和爵士艺人,他同时是许多乐手的重要指导者和合作者。Art Blakey不论是在大乐队或是小的团体,他都有很好的表现。

童年时的Art Blakey受到过钢琴方面的训练,也曾经为了生活当过煤矿工作的童工,后來也与许多人组成乐队在酒吧里演奏谋生,但是因为Art Blakey是不懂得看乐谱的,但这件事被团员们知道之后,Art Blakey被強迫放弃钢琴,而开始成为一位鼓手。事实上他演奏鼓純粹都是自学成材,只不过方法上有其独到之处。他选择了一些著名鼓手的音乐,细细体味,认真揣摩,奇克·韦伯和西德·凯特莱持的音乐是他最好的音乐老师。

Art Blakey对于非洲音乐的节奏有极大的兴趣,他还在1949年亲自造访非洲。他爱上了非洲音乐和伊斯兰教,最終他改变了自己的信仰,改信默罕莫德,並为自己起了一个穆斯林的名字,叫做布海纳。他击鼓的速度运用十分巧妙,非常擅长于运用大鼓与鼓缘的敲打所造成音色上的变化,他的打鼓好像雷击,而且力道強劲,他吸取了一些非洲音乐的演奏技法,这包括了叩击鼓的边缘,在手鼓上用肘部敲击以改变音高。他另外一项知名的技法就是每秒和四次击后都戏剧性地关闭踩钹。

1943年和 1944年他效力于 Fletcher Henderson的管弦乐队,並同他们一道去南方做巡回演出。1954年 Art Blakey与钢琴手 Horace Silver組成一个五重奏,其中还包括年轻的天才小号手Clifford Brown,由于演出得到很好的回应,因此他決定让乐团成为永久性的团体,前后长达近 40年的時間,他将乐团命名为Jazz Messengers。

Jazz Messengers被公认为hard bop爵士乐队的原型和典范,他们演奏的音乐以活泼的BLUES为基础,同时加入了大量活跃的,令人兴奋的 bop音乐素材。 从五十年代到九十年代,Jazz Messengers乐队基本上是 Blue Note 唱片公司录音,但 Impulse 唱片公司也是其合作者之一。Art Blakey一直活跃在爵士舞台上,使人们几乎认为他是永远存在的。最终他在1990年去世。




Clifford Brown

Clifford Brown 生卒年月日:1930年10月30日. 又是一个天嫉英才的故事, 当Clifford Borwn在1956年因车祸意外丧生时,才年仅25岁,这位被誉为“天纵英才”的小号手手,擅长即兴演出.居然有如此悲剧性的人生结局,更加为他传奇的经历,涂抹上迷蒙凄美的色彩。

Clifford Brown,最优异之处在于不管你丢什么给他即兴,他都能照样清清楚楚地,把和弦交代清楚、把旋律线表达出来,让听众感觉十分舒服顺耳,他最著名的代表作《Joy Spring》,也早已成为爵士乐经典曲。在Brownie短暂的生命中,他曾录制过两次《Joy Spring》,较早的一次于1954年七月与Zoot Sims等人合作的「Jazz Immortal : Clifford Brown」(Pacific Jazz CDP 7 46850 2)中出现,甚至是不同调性的(降E调开始),而更传世的版本,即是与他的好搭档们鼓手暨团长Max Roach、萨克斯风手Harold Land、钢琴手Richie Powell,以及贝斯手George Morrow等于一个月后录制的,收录于「Clifford Brown And Max Roach」(EmArcy 814 645-2)专辑中。




Lester Young

Lester Young和Coleman Hawkins同一时期的伟大萨克斯风手,他们彼此风格回异,不过他们都是众多学萨克斯风的人想要模仿的对象,在John Coltrane成名之前,Lester Young 是最受重视的萨克斯风手。他的乐音绵密,音质甜美,结尾总是缓慢而充满感性的语句,虽然早期的音乐生涯,他的萨克斯风被批评为太柔弱,但时间证明他可以在乐坛里占有重要的地位。

他出生于一个音乐家庭,父亲是乐队的领班,童年时期在纽奥尔良度过,小的时候学过小提琴、小号和鼓,13岁时学吹萨克斯风。1927年时,有一次父亲想要带兄妹三人到南美旅行表演,却被Lester Young拒绝,于是他离开家庭,而是和Art Bronson的Bostonians 乐队去表演。1929年短暂的回到父亲的乐团演奏。

1930年时在Walter Page的Blue Devils乐队演奏。1931年加入Eddie Barefield 的乐队。1932-33年加入Blue Devils 乐团。1934年加入Count Basie的大乐团,不久之后加入Fletcher Henderson的乐团,在这里取代Coleman Hawkins的位置,但是也只有三个半月的时间。1936年时再度加入Count Basie的大乐团,也开始和传奇的女歌手Billie Holiday有一连串的演出,也有很多经典专辑的录音。1944年时加入美国陆军服役,服役的生活切断了音乐生涯,入伍对他是很不愉快的经验,因此藉由抽大麻来解苦闷,但却被因此被军事法庭判刑16个月。





Dave Brubeck

爵士乐的魅力很大程度上在于它是一门表达情感与情绪的艺术。许多爵士乐手一生都在述说着人世间的喜、怒、哀、乐。爵士乐需要的是一种亲和力,正是这样一位貌似平凡的充满阳光般喜悦的人Dave Brubeck缔造了爵士乐坛最为本色的声音。

Dave Brubeck是唯一一位赢得国际声誉的西海岸风格的爵士钢琴手。他的作品中充满了古典音乐的痕迹,虽然他也跟著名的作曲家Darius Milhaud学习过作曲,但Dave Brubeck并不能算是真正意义上的古典钢琴家,他只是把古典的理论用于编曲与即兴演奏。除了是一名杰出的钢琴演奏家外,Dave Brubeck还是一位伟大的作曲家。他的作品结构简洁、旋律悦耳、编排精巧,给人以持久的新鲜感,难怪有人把他的音乐称为爵士乐与流行乐的完美组合。

Dave Brubeck四重奏成为了爵士乐的瑰宝,而同样能体现Dave Brubeck个性与才华的还有他的独奏作品。然而他的独奏作品大部分是在家中完成的,于是作品的画龙点睛之处便具备了即兴与真情的实感,这才使得Dave Brubeck的音乐长盛不衰。

Dave Brubeck是受人欢迎的作曲家、钢琴家和乐队指挥,他开创了西海岸的爵士音乐,他的代表乐曲《Take Five》向世界范围的观众介绍了爵士音乐,他独具创新的作曲包含了交响乐、芭蕾舞乐、音乐喜剧与宗教音乐的许多元素。1996年获格莱美终身成就奖.

注:

《Take Five》是一支为爵士乐做出划时代贡献的乐曲,也是爵士历史上最有名的乐曲之一。上世纪五十年代末,Dave Brubeck Quartet组合中的灵魂人物中音萨克斯手Paul Desmond写了这一首名叫Take Five的四重奏乐曲,最开始时这首爵士乐以单曲的形式发行,由于采用了极为罕见的5/4拍,这在当时的爵士音乐界引起了强烈震动,并受到广泛批评,但在符合大众口味的金曲排行榜上却可以和彼时如日中天的猫王的歌曲抗衡。

以后的时间证明了,这种复杂节奏改变了当时人们陈旧、萎靡和一成不变的听力习惯,同时在探索爵士节奏的可能性上作出了深远影响。21世纪福克斯公司也曾经将此曲用做电影题头。

由于Paul Desmond在爵士历史上的地位与名气都远远不如Dave Brubeck,《Take Five》的曲作者经常被误以为是Dave Brubeck。而实际上由Dave Brubeck、Paul Desmond、Joe Morello、Eugene Wright组成的四重奏组合在1959年发行的专辑《Time Out》里,Dave Brubeck的确是除《Take Five》之外的所有乐曲的作者,这张专辑中八分之九拍、四分之五拍、四分之六拍等诸多非常规爵士乐节拍也有出现,但《Take Five》在爵士乐史上石破天惊的意义显然非专辑中其他乐曲可以比拟,在后来发行的绝大多数关于Dave Brubeck Quartet的精选专辑中,几乎100%都会收录。

如果哪一天,你在街上漫步发现一家叫Take Five的店,千万不要惊讶,全世界以Take Five命名的咖啡厅、酒吧或是乐团实在数不胜数。




Cannonball Adderly

从现代人的角度去评价Cannonball Adderley(“加农炮”·阿德雷),恐怕每个对爵士乐有些了解的人都会说,他是一位举足轻重的中音萨克斯演奏家。但事实上,假若没有Charlie Parker在1955年的逝世,恐怕Cannonball也不会那么早成名。

从小就开始学萨克斯的“加农炮”中学时代就开始了爵士乐的演奏,在经过一些舞会和学校演出的洗礼之后,渐渐成为了当地小有名气的萨克斯手,不少当地乐队在难以寻觅或懒得寻找中音萨克斯的时候,便会找上门来让他帮忙,时间一长,他也认识了不少朋友,其中一位就是后来让他走上职业乐手之路的Eddie Vinson(艾迪·文森)。

1955年初,“加农炮”去到纽约,顺便探访在那里的艾迪·文森。他们在当地著名的波希米亚咖啡馆聊天时,艾迪将Charlie Parker(查理·派克)逝世的消息告诉了他,觉得他和“菜鸟”(Charlie Parker的外号)的演奏风格有很多相似之处,如果能在纽约找到一支合适的乐队帮助演奏,可能会有很好的发展前景。

没过几天,“加农炮”又一次来到了波希米亚咖啡馆,不过这次不是和朋友闲聊天,而是参与到Oscar Pettiford(奥斯卡·派迪福得)乐队的演出当中,恰好当时Savoy唱片的工作人员也在场,一下子就被他深情的演奏所打动,并发现了他同“菜鸟”在音乐上的相似之处以及因这相似而埋藏的商业潜质。

随即,“加农炮”顺利的同Savoy唱片签约,与自己的弟弟Nat Adderley(耐特·阿德雷)组建了一支五重奏组合,并于6天后(6月 26日)开始录制首张唱片《The Adderleys: Cannonball & Nat》,直到1975年解散前,他们共同录制了5张唱片。这几个人用富于变化的节奏将五张唱片连同这两年间的演出化作了美好的回忆,送给了所有失去“菜鸟”的纽约市民。但当中最为经典的还是这张《Julian "Cannonball" Adderley》,它不仅是这支五重奏最受欢迎的唱片,而且他们用这张唱片告诉了所有仅仅把他们当作“菜鸟”继承者的人,自己的音乐不只是“菜鸟”接班人这么简单,在“菜鸟”之外,他们还拥有欢快。

于是,你能在《Willows》(柳叶飘飘)中听到速度缓慢却没有丝毫停滞与拖泥带水的演奏;能在《Everglade》(沼泽)欢快的旋律中看见到走在危险的沼泽中仍具备的那份乐观主义;能在《Purple Shades》(紫色的荫凉)中品尝夏日炎炎时坐在树阴下那份悠闲自得的惬意;还能在《Rose Room》(玫瑰粉屋)体察出“加农炮”在音乐上如同数学家一样,能够用清晰的思维将变调和层次运用的得心应手。

他最独到的地方还不是缓慢中的优雅旋律,而是他音乐中的故事性,譬如《Cynthia's in Love》借用了月光女神的形象表现了“加农炮”对纯洁感情的理解,这种纯洁不光流露于用优美旋律所叙述的故事之中,更重要的是你能从中体会到我们年轻时经常降临在身旁的忧伤,它时而淡雅,时而深邃。

还有《Fallen Feathers》(飘落的羽毛)所展示的一根羽毛在天空与地面间行走时的命运,以及《Hurricane Connie》(康尼旋风)的急促描绘了龙卷风来临时人们慌慌张张的场面。
  
在离开弟弟的五重奏之后,他又找到了新的合作伙伴,此人并非刚刚崭露头角下一代,而是大名鼎鼎的Miles Davis(迈尔斯·戴维斯),在其盛情邀请下,加入了他的六重奏,当中除了迈尔斯·戴维斯之外,还有后来与Free Jazz(自由爵士)息息相关的John Coltrane(约翰·坷川)。并分别于1958年和1959 录制了绝对经典的《Milestones》和《Kind of Blue》。

纵然如此,作为一个有自己想法和自由意识的音乐家,配角终归不是一个属于自己的角色,于是他毅然离开了迈尔斯·戴维斯的乐队,再一次找到自己的弟弟,组建了一支新的五人乐队。59年,两兄弟同钢琴家Bobby Timmons(鲍比·迪蒙斯)合作录制了《This Here》(这儿)。也许这是“加农炮”在他的音乐历程中最出色的一张唱片,但这张唱片发行的同时,也意味着他从那时起进入了Hard Bop(硬波普)时期,音乐从此变得硬朗,再也难以寻觅到初期时优美。
  
从那时到1963年,乐队一直同Riverside(河畔)公司合作,因此这段时间在历史上也被成为“河畔时期”,在此期间,“加农炮”演奏的硬波普带有强烈的灵魂氛围。而在河岸唱片公司时代结束之后,他们同Capitol(国会大厦)签订了新的合同。这时的“加农炮”所表现出的更多的是对唱片公司的讨好以及对商业的迎合。这种讨好和迎合体现在他演奏乐器由中音到高音的转变,以及对旋律长度的重视和乡村爵士节奏与电声乐器的使用。

可这样的好时光并没能让他长时间的享受,在音乐还留有很多遗憾的1975年,因酒后中风死亡。从创新的角度上来讲,他后期的作品确实奠定了60年代Soul Jazz(灵魂爵士)的音乐基础。但真正吹到大家心坎儿里的,恐怕还是早期那些优美的旋律,毕竟在演绎生涯的最后几年,他又重新演奏早期的作品,开始了对过往的怀念。




Sonny Rollins

Sonny Rollins,原名Theodore Walter Rollins, 1930年9月7日出生于美国纽约。以黑人来说,他的家境算是不错,他的哥哥学小提琴,他则从9岁开始学钢琴。尽管如此,他似乎还是天生注定要与sax结缘。1944年起他在高中吹奏alto sax,1947年离开高中开始在纽约一带演奏tenor sax。Rollins最早是受到Coleman Hawkins的启发,不过他也认识许多的bebop乐手,因为很多著名的乐手就住在他家附近。

Rollins的第一张专辑是1948年在Capitol Records与scat歌手(模仿乐器声音唱歌没有特别歌词的唱法)Babs Gonzalez合作。很快的他就开始与Bod Powell, Fats Navarro以及J. J. Johnson一起录音。他的身边围绕着许多爵士乐的巨星,1949年与Art Blakey合作,1950年与Tadd Dameron,1951年与Miles Davis以及1953与Thelonious Monk。不过,后来他跑到芝加哥去,而Miles Davis也选择了John Coltrane一起组五重奏。1956年一月,芝加哥的Clifford Brown/Max Roach五重奏失去他们的tenor(Harold Land),Rollins加入并合作了18个月。之后,Rollins开始带领自己的团。1956年五月,他在Prestige录了Tenor Madness,跟来自John Coltrane的节奏组Paul Chambers/ Philly Joe Jones合作。第一首曲子就是一个"tenor大对抗",Rollins的旋律性即兴发展对上Coltrane的天马行空,也是一绝。

1956年四月,Rollins录制了Saxophone Colossus,一般认为是他的第一张名盘。不过,Ornette Coleman的出现让他开始自我检视,并且退隐了两年(1959-1960)。1961年他重出江湖,与Jim Hall合作。他的演奏更为自由,完全体会Ornette Coleman对爵士乐的革新,甚至还与Ornette Coleman的小号手Don Cherry以及鼓手Billy Higgins合作。之后,他到处巡回演奏,与当地的乐团合作演出(1965、1966以及1967的欧洲巡回)。 1966年,他与Coltrane的四重奏的节奏组Jimmy Garrison/Elvin Jones合作,录了East Broadway Rundown。录音虽然很不错,但也看出Sonny Rollins的问题,他总是孤军奋斗。他觉得很难对抗那些前卫的乐手,于是再度退隐两年,这次他跑到印度和日本充电。

1973年他录制Horn Culture,使用电子乐器伴奏。虽然Rollins的solo依然精彩,可是用电bass的Bob Cranshaw却失去了活力,好象陷入单调的爵士摇滚(jazz-rock)中。1974年的The Cutting Edge也是类似的情形。1978年他与Milestone All Star一起巡回,团员有McCoy Tyner、Ron Carter以及Al Foster,为他点起了火花。可惜这些各领域的大师没有时间跟他固定演出,基于这个缘故,Rollins推掉所有在夜总会的演出,只在大型的表演或音乐会演出。1985年Rollins在The Solo Album专辑中尝试不用整个节奏组。1986年,他的Concerto For Saxophone and Orchestra在日本首演。 1988年他与一些新生代的乐手合作,像鼓手Marvin 'Smitty' Smithu在现场演奏中,有非常杰出的表现。1989年Rollins还与新生代的sax大师Brandford Marsalis合作Falling in Love with Jazz。

Rollins的风格多样不定,正反映出80年代爵士乐的摇摆不定。他确实是一位非常杰出的乐手,他的即兴向来给人的感觉是幽默而流畅。 Miles Davis还认为Rollins是有史以来最伟大的萨克斯风手,在60年代末由Leonard Feather所办的投票中,Miles Davis把'the greatest tenor ever'投给了Sonny Rollins。可以肯定的是,Miles Davis并不是唯一对他评价如此高的人。




Joe Sample

Joe Sample是50年代后期在Fusion风格流行大潮中,从硬Bop曲风转向电声曲风的诸多爵士音乐人之一。他是The Jazz Crusaders组合的创始人之一,另外三个创始人是长号手Wayne Henderson,高音萨克斯手Wiltion Felder以及鼓手Stix Hooper。The Crusaders与Art Blakey's Jazz Messengers极为相似,只是洛杉矶的The Crusaders组合没有小号手,而且以高音长号为主音而闻名。Sample原先是一个硬摇摆(Hard Swing)乐手,能够出色应用各种和弦和即兴演奏,早期的他专注于使用钢琴演奏,但后来更多转移到了电声键盘乐器,因为当时他们的乐队也正在向Funk爵士风格转变。70年代初,他们把“Jazz”的字样从The Jazz Crusaders中去掉,变成了现在的The Crusaders。虽然他曾经在1969年领头录制了一张不太成功的爵士钢琴三重奏唱片,但仍然被人们认为1978年的Rainbow Seeker才是第一张他真正开始领头的专辑。The Crusaders以高清晰的音乐而逐渐出名,Sample自己为MCA和华纳兄弟唱片公司录制的Pop流行风格爵士乐,通常表现出极度的自我感知和浪漫情调。




Milt Jackson

Milt Jackson 是现代爵士乐中响叮当的电颤琴手,他偏好软调颤音,富流动性,注重旋律感的风格,伴随现代爵士乐四重奏(Modern Jazz Quartet)将近三十年。

在米尔特.杰克森(Milt Jackson)之前,爵士乐坛只有两位比较主要的铁琴手(vibraphonists)莱那.汉普顿(Lionel Hampton)及瑞德.诺佛(Red Norvo)。很明显地,「眼袋;Bags」先生,杰克森长久以来的绰号,五十年来始终是公认的爵士铁琴大师, 不论是咆勃、蓝调或是抒情曲,他都展现了优异的技巧及天赋;而他所领导的现代爵士四重奏(Modern Jazz Quartet, MJQ),也被视为是酷派爵士乐的重要团体(尽管他们的演奏风格比传统酷派更接近咆勃)。





Mahavishnu Orchestra

“历史总有太多失落的片段”.这不知道是谁曾讲过的话,然而在二十世纪的流行音乐中,这个现象则更为明显,许多不为人知的乐手往往被主流媒体或乐评人忽略,又甚至即使是主流大团,也都会有许多事迹是外界所无法得知的,更何况是那些曾经走在时代尖端的先驱们。

Mahavishnu Orchestra便是一个曾经走在历史与时代之前的融合爵士团体,尤其当年在吉他圣手John McLaughlin的率领之下,第一代的乐手阵容不仅囊括了几位日后分别都各独领风骚的好手外(Jan Hammer、Billy Cobham),最主要的是当年爵士乐坛在Miles Davies改朝Fusion Jazz 探索的时期,Mahavishnu Orchestra是少数几个还能满怀理想去创作的音乐队伍,只是和Miles Davies最大的不同点在于,此时期Davies的音乐充满了浓郁的欲望气味,而Mahavishnu则相对的撷取了印度东方的灵性思想,也因此,若是聆听他们早期前三张的录音作品,便会强烈感受到当时他们音乐里暗蕴了印度宗教的影响,而且在编曲上也倾向繁复却又重即兴的演绎手法。

不过这些都以成往事了,若说当年的人事歧见与看法差异而导致日后的决裂,然而这群年轻人在当时携手共同激发的火光则在此留下相当精彩的见证,甚至不谈外在的种种传奇故事,在多年后,还能让这张现场录音听来一如当时的鲜活感人,我想最主要的原因仍是那时他们在接连的巡回表演后,全队的默契均已达到灵犀相通的地步,因此在许多即兴的演奏片段里,即使McLaughlin的吉他、Jan Hammer的键盘与Jerry Goodman的小提琴时而相互乐器竞飙,然而团员相互紧密的跟随搭配,才是整个乐队能量完全尽情展现的成功关键。




Eric Dolphy

Eric Dolphy(1928—1964)生于洛杉矶。58年加入 Chico Hamilton 的乐团后,从60年起随着参加 Charles Mingus 的团体,而与 Ornette Coleman 合演。后来组成自己的乐团。同时也和John Coltrane合奏。一面守着传统的调性世界。一面注入新的手法,成为自从 Charlie Parker 以来,负责联系 HARD BOP、MOOES 和 FREE 等革新性爵士的重要角色。

曾被Miles Davis指责,亦被权威爵士乐杂志形容为“反爵士”,Eric Dolphy因为他的前卫乐风吓跑不少传统爵士乐卫道之士,虽然如此他却是世人公认前卫爵士乐中仅次于萨克斯风手 Ornette Coleman 之天才乐手。以中音萨克斯风、长笛、低音黑管为主要吹奏乐器,Dolphy 虽然以不对称节奏及自由旋律为创作诉求,但他的吹奏力度与萨克斯风巨人 Charlie Parker 相比实在不相伯仲。此外,他的音域控制技巧,可媲美任何硬式咆技术派乐手。1928年生于美国洛杉矶,Dolphy 于6岁时已经参与专业的巡回演出。1958年参与 Chico Hamilton 大乐团,他的才艺足以使得这支原本就光芒四射的队伍更见特殊。60年代的 Dolphy ,除了参与贝斯手 Charles Mingus 乐团工作之外,并与 Mal Waldron、Ron Carter、Jaki Byard 等乐手合作录音工作。1961年他与小号手 Booker Little 的合作更激出灿烂的火花,虽然合作为期不到半年,但是他们在 Five Spot 的录音演出却成为现代爵士乐中的经典作品。1964年,Dolphy的吹奏技巧已达炉火纯清之境,这些可见于他的独奏及双重奏作品中,同年Dolphy亦不幸去世。




Wayne Shorter

Wayne Shorter被认为是Miles Davis六十年代传奇五重奏中“最有主张的人”,并且这位次中音和高音萨克斯手还将其创造性带入Hancock-Shorter的四重奏。从其音乐生涯早些时候开始,Wayne Shorter就在不断证实自己是当代爵士音乐圈中最重要的铜管乐手。

1933年Shorter出生于新泽西,1956年至1958年在军中服役。随后他开始与钢琴手Horace Silver合作,并通过在Maynard Ferguson乐队中的演奏,Shorter在纽约爵士乐圈逐渐建立起名声。同时这也使得他有机会在1959年至1963年间加入Art Blakey的乐队,成为一位被受关注的萨克斯演奏新星。Shorter最先的录音是在“Vee Jay”厂牌下的,有三张专辑《Second Genesis》、《Blues A La Carte》和《Wayning Moments》。从那开始他为Blue Note公司录下从《Night Dreamer》、《Juju》、《Adam’s Apple》到《Schizophrenia》等专辑,与其合作的都是顶尖的乐手。

在为Blue Note公司录音的同时,1964年Miles Davis将Wayne Shorter吸收入自己的乐团。在那骚乱的十年间,Shorter与Herbie Hancock、Ron Carter、Tonny Williams在Davis领导下共同创造了一种新的声音,改变了爵士乐的形象。这个组合一直持续到70年,当Wayne Shorter和Joe Zawinul一起创建了Weather Report。
通过自己的独奏生涯以及和Weather Report的一系列合作,Shorter重新确定了音乐上的融合观念,借用各种各样的形式,包括爵士、摇滚、古典和电子等等。自1969以后他几乎每年都在《Downbeat》年终投票中获提名。

1974年Shorter为Columbia公司录制了一张里程碑似的独奏专辑《Native Dancer》,这次录音中有很多令人印象深刻的音乐家共同参与,如来自巴西歌手Milton Nascimento、Airto和Herbie Hancock。这时期,除了爵士乐界Shorter的才华还被摇滚及民谣界所赏识,他参与了Joni Mitchell和Steely Dan专辑的制作。当Herbie Hancock想组建其VSOP五重奏再现六十年代Miles Davis时期的经典声音时,Shorter又和Ron Carter、Tonny Williams、Freddie Hubbard共襄盛举。在电影“Round Midnight”中,Shorter也出演了一个角色,演奏高音和次中音萨克斯。同时期,他还与钢琴手Michel Petrucciani和吉他手Jim Hall录制了一张名为《Power of Three》的专辑。
从其1986年《Phantom Navigator》可以看出八十年代Shorter在他的音乐生涯上正朝着新的方向稳步前进。这张专辑中包括四个键盘,一组鼓机,是Shorter在Weather Report时期风格的进一步拓展。像六十年代早期Miles Davis提携Shorter一样,Shorter在其乐团中以同样的方式帮助杰出的新乐手。近年来,如键盘手Jim Beard、鼓手Terry Lyne Carrington,打击乐手Marilyn Mazur都是Shorter极力扶持的一些新人。

纵观整个音乐生涯,Shorter非常清醒地意识到那些人影响其演奏风格的形成:Coleman Hawkins、Lester Young、Ben Webster和Charlie Parker。同样他也拥有自己特殊的演奏特征,从John Coltrane开始至Eric Dolphy结束,Shorter尝试着像位印象派画家一样用音乐来讲故事。《Rolling Stone》杂志的Bob Blumenthol对 Shorter评价道“过去这么多年来一直自我隐藏的最伟大音乐家,一位令人震惊的作曲家兼萨克斯演奏家”。

这张唱片还真有点传奇性:它是Wayne Shorter自1967年之后第一张全原音器乐唱片;作为乐队领导者的第1张现场唱片;近十年来第1张作为乐队领导者的录音。它收录了Wayne Shorter的全明星四重奏乐队2001年在欧洲几场演奏会的录音。这支乐队的表演风格,和1960年代中期Wayne Shorter所在的迈尔斯·戴维斯乐队有很深的血缘关系。冗长的管乐片段试图充分展现萨克斯吹奏的创造力和表现潜力。然而,尽管乐手们都是当今爵士界的顶级高手,但乐队的表现却不尽如人意,Wayne Shorter的即兴演绎和其他人的演奏略显脱节而多少有点突兀。当然,他们表演得相当投入而且趣味十足,在技巧和配合上依然是一流的,这一点是毫无疑问的。 ----  详见032号





Modern Jazz Quartet

MODERN JAZZ QUARTET 现代爵士四重奏是钢琴,贝斯,鼓和铁琴四个乐手合奏的乐团。以铁琴做为主奏乐器最有名的乐团只此一家别无分号。铁琴手米尔特.杰克森和钢琴手约翰.路易士的合奏旋律是五0年代闪亮的珍珠,精雕细琢,晶莹剔透。因为钢琴手约翰.路易士有很好的古典音乐的素养,他应用古典音乐的理论来创造爵士乐,使得「现代爵士四重奏」的音乐,在五0年代被称为编曲最精致,结构最严谨的爵士乐,因此你会在钢琴和铁琴的合奏中听到古典音乐的和弦行进,甚至对位法。米尔特.杰克森擅长演奏蓝调,他的铁琴演奏有时像小珠大珠落玉盘,珠珠闪亮,有时如水银泄地,乐思无限。他和约翰.路易士的合作,使「现代爵士四重奏」成为五0年代,黑人音乐和古典音乐结合最成功的典范,这是他们对爵士乐最大的贡献。




Charles Mingus

Charles Mingus出生于1922年亚利桑那州的Nogales,小时候在Los Angeles生活时就开始学习音乐,十六岁时演奏贝司。跟交响乐队的音乐家学习的五年使他在音乐上打下了良好的基础。四十年代早期与Louis Armstrong、Kid Ory合作,1947—1948年间Mingus为Lionel Hampton的大乐队作曲并演奏。五十年代早期成立自己的唱片品牌,建立“Jazz Composer’s Workshop”,一个音乐家的联盟,企图抵制唱片工业的商业化操作。尽管他17岁时已写了第一个音乐会作品“Half-Mast Inhibition”,但直到二十年后这个作品与其它二十一个管弦作品一起才由Gunther Schuller指挥正式录了音。1955年在Brandeis 举行的创造性艺术音乐节上,Mingus结合古典和爵士的作品“Revelations”推出才确立了其最重要的爵士作曲家的地位。

Mingus从Duke Ellington、Charlie Parker、Thelonious Monk、黑人福音音乐、墨西哥民间音乐以及传统爵士、二十世纪古典音乐中获取灵感。他的杰作大都是与一些出色的即兴演奏家一起完成的,诸如小号手Thad Jones、鼓手Dannie Richmond、中音萨克斯Jackie Mclean、木管乐器演奏家Eric Dolphy等。Mingus同时也为一些电影谱写大部头的器乐作品。Mingus作品中为人重新演绎最多的当数“Goodbye ,Porkpie Hat”,这是个向Lester Young致敬的作品。

直到1977年年末被诊断出有一种罕见的神经性疾病为止,Mingus一直周游于欧洲、日本、加拿大、南美洲和本国大陆。此时他只能坐在轮椅上了,去世前的一些作品后来都是录在录音机上的。从六十年代至其去世时,Mingus始终是站在美国音乐的前沿的。当被问及对自己一生的自我评价时,Mingus说道:他的贝司演奏来自于刻苦的练习,而作曲的天赋则来自于上帝的恩赐.

Mingus一生获得不少的音乐奖项,其中包括国家艺术基金、古根海姆基金等等,古根海姆基金的Steve Schlesinger对Charlie Mingus的艺术成就评价道:“我们期待某一天能不局限于爵士乐的范围,承认Charlie Mingus是最重要的美国作曲家之一”;纽约人杂志对Mingus的评价:“具有十足原创性的旋律、节奏和音乐结构,他的作品堪与二十世纪西方音乐史的任何一部作品一较高下。”

Mingus的历史地位如此重要,主要是由于:

1、他是自Jimmy Blanton以来的最出色的贝司演奏家`
2、一位使用非传统技巧和全明星阵容的乐队领导者
3、多产的作曲和编曲家
a、创造性地融合各种传统、现代爵士风格,从Jerry Roll Morton、Duke Ellington到Free Jazz。
b、使用多元化的音乐元素如黑人福音音乐、墨西哥音乐以及二十世纪古典音乐
c、能写十分具有个人特色的乐曲

1979年1月5日,Mingus于墨西哥去世,纽约和华盛顿特区在其死后为了纪念他都设立了“Charlie Mingus Day”。国家艺术基金会为Mingus设立了一项名为“Let My Chlildren Hear Music” 的基金。他的作品的微缩胶卷被存放在纽约公众图书馆音乐分馆供研究学习.

纵使Charles Mingus并非第一位将蓝调、灵魂、放克、宗教音乐等元素揉入爵士乐的音乐家,但不可否认的,这位贝斯大师暨创作天才的的确确为爵士乐的寻根工作打下扎实的桩脚。在Mingus遗留下来的录音里,我们可以听到各式黑人音乐的血液在其中窜流,从悲愁的蓝调到奔放的灵魂,从至性的灵歌到即兴的爵士,全都并行不悖地兼容一处,并且借着Mingus的巧思开发出更具革新精神的Mingus语汇。这种从多样源头演变为自成一帜独特风格的作风,恰恰形成Charles Mingus难以预估的创新兴味。因为他的每一个音符都出于不落俗套的巧妙构思,Mingus蕴于音乐里的卓越才气也就更令人叹服。





Ornette Coleman

Ornette Coleman出生:1930/03/09 德州 Fort Worth,是六七十年代爵士乐界最具影响力的人物,许多人认为其在爵士史上的地位可以与Charlie Parker和John Coltrane相提并论。尽管他也玩小号、小提琴、但Coleman主要还是位中音萨克斯演奏家。他1958-1959时期的演奏音色还比较柔和纯净,后来逐渐变得鲜明锋利起来。

Coleman是最具原创性和多产的作曲家之一,其二十多张专辑中的每一首曲子都亲自操刀。他在旋律构想上有着异常的天赋,就像Thelonious Monk一般,曲调尽管简单、节奏与和声效果怪异,但十分吸引人。 Coleman的即兴演奏不是建立在预设的和声行进基础上的,对他来讲,旋律是第一位的,和声是次要的。

Coleman的《Free Jazz》专辑虽不是他最出色的专辑,但毫无疑问是最有影响力的作品之一,其历史地位堪与Miles Davis的《Kind of Blue》专辑并驾齐驱。1964年在纽约的录音棚里,Coleman集合了八位爵士乐手将其分成两组:他自己、Don Cherry、Scott La Faro和Billy Higgins一组;Eric Dolphy、Freddie Hubbard、Charlie Haden和Ed Blackwell为另一组。在没有排练的情况下,八位乐手完全即兴演奏,事先不知道主题旋律、和声行进、曲式结构。唯一可以依靠的,只有乐手之间相互的聆听,其实乐手基本也只能凭直觉按自己的风格方式去演奏,鼓、贝司、萨克斯、小号等乐器各自即兴,构成了复杂的相互交织的旋律,听惯了传统爵士的听众,可能会认为这根本就是种噪音。但是当你试着努力去抓住每一条旋律时,会发现卷入一个令你头脑分裂的巨大漩涡,你永远只能抓住某几样乐器的演奏片断,无法完整地在头脑记忆和重复音乐,这是绝对是种新的聆听经验。




Allen Toussaint

Allen Toussaint或许不是家喻户晓的名字,但是他对纽奥良R&B和摇滚乐的贡献有目共睹。1998年,他已经被选进了摇滚名人殿(Rock & Roll Hallof Fame)。身兼制作人、词曲作者、编曲人、录音间钢琴师和唱片艺人的多重角色,他不仅和乐史上许多超级巨星合作过,自己的个人专辑也获得极好的销售成绩。Toussaint写下的几首曲子,像是Lee Dorsey演唱的Working in a Coalmine、还有Boz Scaggs和Bonnie Raitt都演唱过的What Do You Want the Girl to Do?等等等,如今都已经成为pop standard了。由于能力太高强,使他成为六、七○年代最抢手的编曲制作人选。许多经典专辑翻过来一看,都可以找到他的名字。从Fats Domino到Earl King到Paul Simon, Little Feat, Paul McCartney, Dr. John......Toussaint几乎拥有点石成金的本领。




Lightnin' Hopkins

这位德州来的伯伯,永远戴顶西装帽,一双酷酷的墨镜,嘴里叼着烟,胳臂夹着吉他。一副屌而郎当的死样子。在他踏进录音间之前,已经在德州街头当了二十年的流浪歌手。他就像恒春老人陈达,能够套用传统蓝调的曲式,即兴随口编出长段的故事,同一首歌,每次唱都能变出不一样的歌词。

Hopkins 的录音历史横跨近三十年,厂牌一换再换,向来很难找到适当的入门,新手往往无所适从。然而他在 Prestige/Bluesville 旗下的录音,质量俱佳,可以算是 Hopkins 录音生涯的巅峰期。

Hopkins 有时只用一柄木吉他伴奏,留下苍凉迷茫不下John Lee Hooker 的作品,有时则与鼓、贝斯构成的紧密节奏组合奏,唱出慓悍凌厉直追摇滚乐的力作,Hopkins 的吉他弹奏经常跳脱固有的节奏曲式,充满了跳跃即兴的趣味,当然,还有染满沧桑又不失幽默的唱腔,讲述着一则则慧黠深沉的生命故事......。




Ray Charles

1954年,Ray Charles在\"I Got A Woman\"这首歌曲中将福音与蓝调这两种类型音乐调和在一起,成功\的孕育了后来乐坛广为流行的灵魂乐,2004年8月底发行的专辑「Genius Loves Company」里,他藉由与Norah Jones、Van Morrison、B. B. King、Elton John、Willie Nelson、Diana Krall、Natalie Cole、James Taylor…等各类型音乐精英的合作,为他在过去半世纪以来不断用歌声包容各种类型音乐的努力留下了强而有力的脚注。法兰克辛纳屈以\'genius天才\'来赞美他的歌唱天份,也有人封他是当代最伟大的流行歌手,更有人形容他是美国乐坛最具原创性的艺人。

2004年6月11号,这位传奇艺人走完人生的旅程,但是,随着根据他的生平所拍摄的电影【雷之心灵传奇】在全球创造了超过1亿5000万美金的票房纪录,以及专辑「Genius Loves Company」在葛莱美奖上勇夺年度专辑、年度唱片、最佳流行演唱专辑、最佳流行合唱…等8座大奖,并跃登流行专辑榜冠军王座的气势看来,属于Ray Charles的另一页歌声传奇才刚要开始而已。

2005年9月钜献的大碟「Genius & Friends」的构想源起于2003年12月,当时,深受肝病之苦的Ray希望Rhino厂牌能帮他搜集他在90年代所灌录的一些对唱歌曲的母带,然后重新制作成一张对唱专辑,可惜,当这些母带被寻获的时候,Ray的病情已相当严重,无法再参予专辑的作业,Rhino厂牌为完成Ray的遗愿,找来制作过「Genius Loves Company」的金牌制作老匠Phil Ramone与Atalantic音乐厂牌的创厂元老Ahmet Ertegun跟一手打造麦可杰克森传奇的制作人Quincy Jones携手将原本由Phil Ramone本人以及Narada Michael Walden [Whitney Houston制作人]所录制的原始母带重新制作处理,并邀请分属于流行、摇滚、民谣、节奏蓝调、灵魂、乡村等不同类型音乐领域的歌手参与此一对唱专辑的计画。其中包括了在2005年美式足球超级杯赛事前与7座葛莱美奖灵魂女声Alicia Keys一起合唱美国著名的爱国歌曲\"America The Beautiful\"、与George Michael重新合唱Steve Wonder 1972年的作品\"Blame It On The Sun\"、与当代hip-hop/soul歌后Mary J. Blige合唱的\"It All Goes By So Fast\"、与美国热门歌唱选秀节目「American Idol」第2季的赢家Ruben Studdard以及the Harlem Gospel Singers揉合灵魂与福音曲风重新翻唱John Lennon传世经典\"Imagine\"、1994年时与灵魂乐天后Diana Ross联手翻唱密西西比蓝调名曲\"Big Bad Love\"、1991年时在电视特辑中与乡村/民谣耆老Willie Nelson热情合唱的\"Busted\"、与摇滚歌手Chris Isaak再度诠释Ray在60年代时曾经诠释过的不朽老歌\"You Are My Sunshine\"、与葛莱美奖得主Kanye West力捧的新派灵魂乐歌手John Legend合唱的\"Touch\"…等。

「不凡的一生」,如此叙述Ray Charles一点也不夸张。流行乐界的传奇人物Ray Charles,七岁即因青光眼而失明,他的音乐才华却未曾受到阻挠,自他踏入音乐这块领域之后,像天降甘霖般滋润了每个人的心灵.

Ray自小失明后,所幸健全的家庭教育使他不被身体的伤残所羁绊,从点字读谱学习多种乐器为一个人生的起点,Ray的表演事业由模仿他的偶像纳京高开始,慢慢吸引固定的乐迷后,他开始走出属于自己的演唱风格,也因此更加受到乐迷的欢迎!综观一生不断尝试音乐的无限可能,他将早期的黑人福音歌曲融入了50年代的R&B,把玩如爵士、蓝调、摇滚和乡村音乐等几乎是全方位的音乐型态,创造了像是〈Hit The Road,Jack〉、〈I Got A Woman〉、〈I Can't Stop Loving You〉、〈Georgia On My Mind〉等难以计数而脍炙人口的经典曲目。

「打从我出生,音乐就在我的内心滋长,音乐就是我身体的一部份,就像是我的血液一样。」
-Ray Charles经典名句




Max Roach

Max Roach是咆勃爵士乐中最具代表性的鼓手之一,同时也是一位黑人文化自觉运动的中坚份子,1960年发行的「Freedom Now Suite」正是一张政治意味浓厚的作品。在音乐上Max Roach一如其政治上的主张,从不妥协的态度与良好的适应能力,使他在乐史上占有重要一席之地并继承了Kenny Clarke的位置,除此之外他更进一步改变了鼓在咆勃爵士乐中的角色。Roach舍弃了把贝斯鼓放在重音的使用方法,大量地使用锌钹增加了鼓的即兴功能,50年代之后Roach甚至引申一套「打击作曲」的理论。即使Max Roach的演奏风格不曾离开咆勃爵士太远,但这并不表示他是一个墨守成规、划地自限的乐手,自由爵士、前卫爵士、福音、Hip Hop Jazz都是他涉及过的范围,这些都证明了Max Roach是一位道道地地的音乐探险家。





Quincy Jones

Quincy Jones是一位横跨流行、R&B及黑人Rap音乐的天才音乐人。早在他得意于乐评及商业市场前的70年代之前,Quincy Jones便已经是在爵士乐界展露头角的知名好手。70年代后期,Quincy Jones开始转移其专业重心至流行音乐界,他扎实的音乐素养与当代流行品味的敏锐观察,让他的音乐事业更是大放异彩。

作为一位受人尊敬的音乐家和受人称颂的制作人,Quincy Jones是美国黑人音乐家和唱片业行政人员中最显着的代表。而且他对于音乐团体的影响也是不能不被高度评价的。作为音乐家,他的优秀作品包括“Back on the block(砖石背后)"(1990年获得格莱美年度专辑)和"The Dude (都市人) "。

作为制作人,尽管他与Michael Jackson的合作最为突出,但在他的指引下,从Glen Campbell到Frank Sinatra,都获得了出色的成绩。同时他也是最早担任唱片公司副总裁的黑人之一,而且创办了他自己Quest唱片公司。他还制作过电影“紫色”,创办了Vibe杂志和电视节目“Spin-off(旋转下降)"。Quincy已经成为天才音乐家和唱片业成功人士的一座丰碑。




Oscar Peterson

1925年生於加拿大Montreal,六岁开始学钢琴,十四岁时就已担任当地电台节目的音乐班底,1949年他在美国卡内基音乐厅的初次登场,获得美国爵士乐爱好者的热烈迴响,也开始了他的录音生涯。

  
他早期的钢琴作品受Nat King Cloe的啟发,后来则受现代爵士乐钢琴风格的影响,基本上他并不限於任一种演奏风格,在体裁方面,凡民谣,蓝调,放克或Bebop等等,他一律接纳,无论任何情形下,他所创造出的音符,总是生动和富变化,就像他擅长的和声变化,极具剌激性,非常的摇摆。他所有作品本质,始终依附在轻鬆且节拍灵活自由的摇摆乐上,虽然有时常充斥着反复的乐节,或一再地弹着同一音符,却使得曲子更具节奏的张力,由旋律的观点而言,有时虽有点散乱,却无损音乐的完整性,流畅性,反而塑造出他的特殊风格,爵士乐界的钢琴手,表少有人能像他将现与传统爵士乐,作极精湛的结合,他可说是爵士乐界最佳的伴奏者之一。   当代杰出的爵士人多曾经与他合作过,从Louis Armstrong, Ella Fitzgrald, Billie Holiday, 他早期与Ray Brown贝斯手组了二重奏,后来以Nat King Cole的规制,加入了吉他手形成着名的三重奏,1970年后,他的演奏规制,不固定二重奏或三重奏或独奏,他的合作对象也不固定,唯一不变的是他仍持续地灌录唱片,他仍活力十足地为爵士乐留下不析的资产,同时他也是爵士乐界灌录唱片最多的乐师之一。数十年来他在爵士钢琴领域中的地位始终屹立不摇,他的风格Swing也一直坚持着,不在乎Fusion, Free Jazz木的新潮流,他并不落伍,但没有人能够说他的风格是不合时宜的,他的多变的风格,无疑是整个爵士钢琴史的综合体,他在1984年被Down Beat杂誌列为爵士名人堂的唯一得主,同时从1950到现在,也婺度被读者选为最佳钢琴手。   与他合奏的对象除了二重奏,三重奏时期的固定班底外,也加进铜管乐器和小疌琴等等乐手,他的音乐时而高潮迭起,时而流畅自然,在在显示他技巧的成熟度以及乐手间的默契十足。   他的音乐,可以说是一个自由的极致表现,听到他的音符,会令你感受到轻快却有秩序,你听到快速的音符却排列整齐地在他指下,你大可以轻鬆的心情,仔细耹听他音符的变化,你会发现听似杂乱无章的音乐其中居然是一篇自由即兴的弦律,要是你不懂Swing,由他的音乐就可以轻易入门,从他身上可以看出创作的精神及即兴演奏的美妙。就让他带给你最舒服,最无压力的一种感受吧。

  
他的钢琴作品并不限于任一种演奏风格,在体裁方面,对民谣,蓝调,放克或Bebop等等一律接纳;他所有的作品本质,始终依附在轻松且节拍灵活自由的摇摆乐上,虽然有时常充斥着反复的乐节,或一再地弹着同一音符,却使得曲子更具节奏的张力,由旋律的观点而言,略有些散乱却无损音乐的完整性与流畅性的特点,反而塑造出他的特殊风格,他可以说是爵士乐界最佳的伴奏者之一.




Dexter Gordon

戴斯特·戈登(1923—1990)生于洛杉矶。40年代以次中音萨克斯风演奏者活跃于 Billy Eckstine 乐团。和同为次中音萨克斯风演奏者 Wardell Gray的合奏也相当受欢迎。52—60年经历过毒品祸害的停滞期,之后再度复起。自从录完《OUN MAN IN PARIS》(63)之后便定居欧洲。这是他多年后返回美国的两张一组现场录音盘《HOMECOMING》(76)。晚年虽已失去健康,但因主演电影《午夜旋律》(86)而成为话题。

Dexter Gordon 总是给我树林的印象。而且是耸立在原野正中央的高大老树。个子高高的,很适合戴帽子,英俊、沉默而酷酷的次中音萨克斯风手 Dexter Gordon,尤其晚年吸毒成瘾的伤痕和国籍脱离者的孤独,使他给人们的印象简直像树影般安静地落在脚边的地面。

我开始喜欢主动去找 Dexter Gordon 的音乐来听,是上了大学之后。在校园纷争正热,周围的人们都在爵士茶店热心倾听着 John Coltrane 或 Aibert Ayler的音乐那时期,我则专注于更遥远以前的 Bop Jazz。我最初听的 Dexter Gordon 是 Savoy 盘。年轻的Dexter 几乎不知道有什么东西叫可怕的,随心所欲自由自在吹奏“Dexter乐句”。和搭档 Wardell Gray 那会烫伤人般热情狂野的次中音较劲飙吹的<THE CHASE>也很棒。当然 Charlie Parker 固然格外出色,但 Dexter 则是对我个人来说的英雄之一。只要光耳朵听见“Dexter Gordon”的名字,就不知道为什么胸口会热起来。从那声音中可以很清楚地闻到爵士乐的硝烟味(gun smoke)。就像“Alfa Romeo”的名字,会让爱车者的心骚动一样。

不过我觉得我对 Dexter 的后期相当冷淡。因为我脑子里经常有他年轻时候的活跃姿态。进入六O年代,演奏风格刻意革新后的 Biue Note 时代的录音确实经常听,但那以后他的演奏我已经无法积极投入了。我感觉到那里失去了什么。

失去的东西可能是那“硝烟味”,还有胸中的骚动吧。Dexter 所主演的电影《午夜旋律》(Round Midnight)看到最后实在相当难过。因为那对我来说,首先不是电影怎么样的问题,而是一种丧失的记录。只不过是对已经被吞进时间流沙中的东西的一种缺乏气味的描摩而已了。不过当然,那不能怪谁,并不是任何人的错。

虽然如此,在这里若要挑一张 Dexter Gordon 的唱片,我决定选他晚年——连我都觉得不可思议——1976年录音的哥伦比亚的现场演奏盘。以质来说,其实可以举出很多张他更杰出的演奏盘,但文章写到这里,却越想越觉得“不能不选这张了”。以表示对 Dexter Gordon 这样一位孤高而诚实的音乐家的敬意。这是他离开很久之后重返美国,登上纽约的“Village Vanguard”舞台,以 Woody Shaw 和 Louis Hayes 热烈的例行双头乐队(Rene Mclean 除外的组合)为背景,超出寻常高昂兴奋地尽情吹出的 Our Man,Long Tall Dexter,其中毫无疑问地,有 gun smoke 硝烟味气味。--- 以上评论来自"村上春树"




John McLaughlin




Al Di Meola




Paco De Lucia

爵士乐界三大吉他手约翰.麦克劳夫伦,艾尔.迪.梅尔拉,帕可.迪.鲁奇亚在某日星期五的夜晚,相互竞飆手指的速度,散播佛朗明哥的热情,令人大呼过癮。史上最佳吉他现场竞技,喜爱吉他演奏必备名盘。

爵士吉他界的速弹高手: 艾尔˙迪˙米欧拉

义大利裔的Al Di Meola,在Berklee音乐学院就读时因爵士钢琴家Chick Corea的赏识,而加入其融合爵士乐团Return To Forever,成为70年代融合爵士乐的要角之一。而当Return To Forever於80年解散之后,他逐渐回归使用木吉他演奏,并与融合爵士吉他大师John McLaughlin、佛朗明哥吉他好手Paco De Lucia等人一同巡迴演出。三人所录製的Friday Night in San Francisco(1982)与Passion, Grace & Fire(1983)更成为爵士吉他的重要名盘。

自85年起他组成了自己的乐团The Al Di Meola Project,并不断地在各种音乐风格以及电吉他、木吉他之间来回游走,试图打破一般乐迷对他的"速弹吉他手"的印象。他也吸收许多拉丁美州及其他世界音乐的元素,融入他的演奏当中: 如1985年的Cielo E Terra,便带有浓厚的神秘意味。其重要作品还包括了World Sinfonia(1991)、Heart of the Immigrants(1993)及Orange and Blue(1994)等。又如1996年的Plays Piazzolla,则是他对阿根廷探戈音乐大师Astor Piazzolla的致敬专辑。在2000年的新专辑The Grande Passion中,他更与多伦多管絃乐团合作,展现他深厚的古典基础与作曲功力。


欣赏重点:

1. 这是一张1980年在美国三藩市The Warfield Theatre举行的吉他三重奏演会现场录音演奏专辑。不要以为只有五首乐曲就不划算,其实每首乐曲的时间都很长,第一首的MEDITERRANEAN SUNDANCE就超过11分钟了!
  
2. 要注意一下三位吉他手在CD中的演奏位置。例如第一首MEDITERRANEAN SUNDANCE Al Di Meola在右边弹他的Ovation Steel string acoustic guitar,而在左边弹西班牙Nylon string acoustic guitar的则是Paco De Lucia。三位不同国藉的吉他大师【Al Di Meola→美国;John Mclaughlin→ 英国; Paco De Lucia→ 西班牙】的弹奏手法也是欣赏重点,尤其在伴奏时,Paco使用的Flamingo手法,就跟弹Jazz出身的Al及John有着很明显的不同。此外Paco弹奏时是以手指拨弦的,跟Al以pick弹奏的风格形成很强烈的对比。第一首MEDITERRANEAN SUNDANCE就是其中的典范。
  
3. 在本专辑中,三位大师合作默契绝佳的吉他演奏;真是可以用登峰造极来形容,说『它』是同类型或是吉他演奏专辑的极终典范也绝不为过!弹吉他的朋友若还未听过这唱片,那真是人生一大憾事.............
  
4. 认为Yugwie.J.Malmsteen是世上最快吉他手的摇滚死忠乐迷不妨也买来听听,了解一下甚麽才叫做『弹吉他』甚麽才叫『快』!然后再想像一下当Yugwie把effect拿掉手持一把木吉他,面对着三位超级大师的狼狈模样吧!
  
吉他极品,传世之作,无以伦比的现场演义,再现吉他大师的激情与技巧! 俯耳听来……
----详见45号




Herbie Hancock

1940年4月12日,Herbie Hancock出生于芝加哥的一个音乐之家。Hancock七岁开始学习钢琴,两年以后就开始他的第一次公开演出。尽管首演时他弹的是古典作品,但Hancock的兴趣大部分还是在爵士上。高中和大学时期他在一些半专业的乐团中演奏,偶尔有机会为一些造访的爵士乐手伴奏,其中就有Donald Byrd。1961年,Hancock第一次在纽约演出就是和Donald Byrd合作,后来自己建乐团时也和Donald Byrd合作过。

在六十年代早期和中期,Hancock的乐团主要从事俱乐部演出和录音,但真正使他声名鹊起获得广泛承认的是他加入Miles Davis的五重奏以后,他与Miles共同呆了五年多。在与Davis合作的后期,乐队开始演奏Jazz-rock的风格,Hancock对这种风格十分适应,1968年他自己组了一个六重奏追求自己的演奏观念。合作乐手包括Julian Priester、Buster Williams和Eddie Henderson,他们演奏Hancock原创的作品,乐队成为70年代早期最受欢迎和最具影响力Jazz-Rock乐队。

从1969年开始,Hancock广泛使用电钢琴和其他电子乐器,包括合成器。1973年迫于经济压力Hancock将他的乐队削减为四重奏,其中包括特色乐手Bennie Maupin。新乐队的风格还是Fusion,但这次更多偏向于Jazz-Funk。Hancock四重奏的首张专辑《Head Hunters》被刚萌芽的Disco乐界广泛接受而且赢得巨大的销量。整个七十年代其余的时间,Hancock的音乐始终关注于这个领域。由于这十年在Disco市场的大受欢迎,使得他进一步削减了现场爵士演出。期间他也制作了数张传统爵士专辑,其中有与Chick Corea一起的以及他自己乐队V.S.O.P.的。

1986年Hancock在电影《‘Round Midnight》中出演并演奏,还写了电影的配乐,因此获得学院奖。之后他在爵士乐界更为活跃了,与Tonny Williams,Ron Carter,Michael Brecker其他人一起巡演。这些年Hancock在音乐上的变化疏远了一些喜欢他在Davis乐队时期作品的乐迷。

Hancock在音乐中展现了一种影响深远的创造性,为流行唱片工业设立了一个标准。音乐在形式上是理性的产物,但其内容却是无法缺少热情的,V.S.O.P.乐队的作品一向以其完整性、强烈的情绪和原创性著称。尽管Hancock最初的兴趣在传统爵士上,但他非常有技巧地将其音乐的探索推向其他的领域,创作出一组激动人心的作品。

Herbie Hancock不断求变,由六十年代演奏Hard-Bop开始,他加入Miles Davis的Quintet,替意大利电影大师安东尼奥尼灌录电影原声唱片,又在七、八十年代开拓电子化的Fusion、Funk、甚至disco和hip-hop。到九十年代,他又回归Acoustic Jazz。于是,在二零零一年的十月,他找来了一个「自成一格」的Roy Hargrove,以「不似」Miles Davis的style吹奏取自Miles的同名CD的「Sorcerer」和「Kind of Blue」中的「So What」。因此,你会听到熟悉的Hargrove式吹奏,甚至要细心聆听才能认出「So What」。

相信Hancock选择Hargrove亦并非偶然。虽然,Hargrove一向得到Wynton Marsalis的扶掖,但Hargrove可以说是最不受神话英雄影响的trumpeter。他的原创性在另外一张Tribute CD-「Parker's Mood」中表露无遗。他竟然用trumpet吹奏向Charlie Parker致敬,可见这个「Young Lion」我行我素,非常配合Herbie Hancock这次重建Massey Hall神话的目的-贯彻神话英雄那种对音乐持开放和积极求变的态度。

相信Hancock想藉这次机会提醒二零零一年的爵士乐手有责任将standards带到一个新的层次,而不是重走神话英雄的旧路。这个突破经典的讯息不难从「Directions in Music」碟名中意会。其实, Hancock早在一九九五年的「New Standard」中已经尝试将「流行音乐不可能是『创意』音乐」的谬误打破,用爵士音乐的即兴精神演奏出色的流行音乐(例如Sade的「Love is Stronger Than Pride」), 希望可以扩阔爵士音乐的领域,为「Standard」创出一个「New Standard」。为什么Ellington/Strayhorn的「Lush Life」是standard,而Simon & Garfunkel的「Scarborough Fair」不可以给转化成「New Standard」?所以,就算连深受Coltrane影响的Michael Brecker,亦尝试跳出Coltrane的影子。Brecker将Coltrane在「Giant Steps」中的Ballad「Naima」转化成独奏,目的是要表现他吹奏tenor saxophone的千变万化的技巧,又将Coltrane的同名CD的「Impressions」变成向这位神话英雄致敬的挽歌,将整首歌的调子转化成缓慢而哀伤。虽然,相比Hargrove吹奏Miles的作品,Brecker的吹奏更似Coltrane,但从Brecker的刻意编排,可以看到他并不是要吹奏到Coltrane的作品那么简单。Brecker亦要在致敬的同时,坚持自己的演绎,为「创造性」留下空间。

同样地,他们的原创作品-「Misstery」(Hancock)、「D Trane」(Brecker)和「The Poet」(Hargrove),亦纪录了他们对这两位神话英雄的音乐的感受,并以自己的音乐语言表达。所以,这三首作品只有Miles或Coltrane的影子,而不是摹仿他们的作品。这亦说明了一张「Tribute」的作品,并不一定要跟随巨匠的步伐。只要有创意,后人亦可以沿用巨匠的精神去创作,去继续推扬「即兴演奏」的艺术。它亦为「Tribute」CD定下「New Standard」-「Tribute」亦可以带创造性。

如果要认真听「Directions in Music: Live at Massey Hall」,听完之后,要问的问题不是「它像不像Miles和Coltrane的作品」,而是「它能否达到Miles和Coltrane的贡献-为当下时代奏出它的歌,散发它的感性」。




Pat Metheny

发行首周荣获Billboard杂志爵士榜第三名

『这张专辑是令人兴奋的、才气纵横的、大胆的、真诚的、热情的,真的是名副其实!』……专业爵士音乐网站jazz online佳评

着重即兴演出的爵士乐,经由现场演奏传达微妙音乐变化的传统,最教人欣赏。技艺绝伦的乐手,也往往因为一场令人惊叹的音乐会而扬名立万。因此珍贵的现场录音也经常是乐迷搜集的极致目标。对演奏自我要求甚高的吉他手派特.麦席尼,二十多年来以不断追求更高境界的吉他演奏艺术,努力不懈。当1999年的三重奏专辑「Trio 99→00」获得极高评价之后,他与鼓手Bill Stewart、贝斯手Larry Granedier三人便受邀自世界各地表演。

这套2CD现场录音,正是结集自日本与欧美的演出精华。当听到三人以自由挥洒的即兴风格诠释John Coltrane的旷世名曲"Giant Steps"时,的确让人心弦为之撼动。整个录音收录的乐曲以Pat Metheny本人的创作为主,他个人分别以空心吉他、电吉他、12弦无琴格吉他与42弦吉他来呈现高超技艺。从自我挑战到战兢的即兴延伸,三人的表现如臻化境、无可比拟。相信这个现场录音不仅是他个人的风格大成作品,也是二十世纪末的一张经典代表作。

1954年8月12日,Pat Metheny出生于美国堪萨斯市的一个音乐世家。Metheny从八岁开始学喇叭,十二岁改学吉他。到了十五岁时,他和堪萨斯市一些最杰出的爵士乐手固定演出,在非比寻常的年轻年纪就获得宝贵的乐团演出经验。

1974年,Metheny首度登上国际爵士乐坛。在与铁琴大师Gary Burton合作的三年里,这位年轻的密苏里州人已展现出即将成为他正字标记的演奏风格。这种风格融合了两种特色,一种是通常为喇叭手使用的慵懒、伸缩自如的语法,另一特色则是前卫且敏锐的节奏和和声。在当时,这种演奏和即兴方式在观念上相当创新,但其根本却仍深植于旋律、摇摆和蓝调的爵士传统。

Metheny以1975年发行的首张专辑「Bright Size Life」,为新一代的乐手革新了传统的「爵士吉他」风格。在Metheny整个音乐生涯中,他持续以使用新技术来重新诠释这种乐风,并不断地发展他的乐器的即兴和音速潜能。

Metheny的多才多艺几乎是任何种乐器的乐手都无法出其右的。这些年来,他和各式各样的歌手或乐手合作,包括Steve Reich、Ornette Coleman、Herbie Hancock、Jim Hall、Milton Nascimento和David Bowie。二十多年来,他一直和键盘手Lyle Mays合作写歌,乐评和乐迷曾把这一组写歌搭档拿来和披头四的Lennon/McCartney,以及同是爵士乐界的Ellington/Strayhorn比较。Metheny写了包括为吉他独奏、小型乐团、电子和原音乐器、大型交响乐团和芭蕾舞剧写的曲子,风格包含现代爵士、摇滚和古典。

Metheny除了是一位出色的乐手,也是一位音乐教育者。十八岁时,他是迈阿密大学有史以来最年轻的老师。十九岁时,他成为Berklee音乐学院有史以来最年轻的老师,二十多年后(1996年),他也获得了这个音乐学院的荣誉博士学位。Metheny也在全世界各地举办音乐讲座,其中包括荷兰皇家音乐学院、Thelonius Monk爵士学院,以及亚洲和南美洲的音乐班。此外,他在电子音乐的范畴中,也是一位真正的音乐先驱,他是头几个将合成乐器视为正格音乐乐器的爵士乐手之一。早在MIDI技术发明之前,Metheny就用Synclavier合成键盘来作曲。在数种新形式吉他的研发中,他也扮演举足轻重的角色,这些吉他包括高音原音吉他、42弦Pikasso吉他、Ibanez1s PM-100爵士吉他,以及其它多种乐器。

以乐手之姿受到大众的欢迎是一回事,但Metheny还获得乐评和乐手同侪的肯定和赞美。多年来,Metheny赢得无数「最佳爵士吉他手」票选和奖项,其中包括三张金唱片—「Still Life Talking」、「Letter From Home」、「Secret Story」。他也赢得十四座葛莱美奖,而且涵盖许多不同奖项,例如『最佳摇滚演奏』、『最佳当代爵士专辑』、『最佳爵士独奏』和『最佳演奏曲作曲』奖。The Pat Metheny Group以连续七张专辑赢得连续七座葛莱美奖,这在乐坛是史无前例的。这一生大多数时间,Metheny都在各地巡回演出,自1974年以来,平均一年要举行120至240场演奏会。在此同时,他仍旧是爵士乐界最闪亮的明星之一,他不但创作自己的作品,也致力于与新进艺人和资深前辈合作,帮助宣传他们的音乐,也帮助他们实现自己的音乐理念。

Pat Metheny Trio 派特.麦席尼三重奏

1999年起麦席尼兴起了再组一支三重奏的念头,但整个组合必须是全新的。因此近十余年大为热门的鼓手Billy Stewart和善于处理节奏与拨奏声响不输大师前辈的贝斯手Larry Grenadier,便成为这次的新搭档。三人的巧妙搭配下,麦席尼的吉他声好象歌手一般引导乐曲走出一条又一条的旋律曲线来。

Larry Grenadier

1966年2月6日,Larry出生于美国旧金山。在旧金山时,他和Joe Henderson、Bobby Hutcherson、Stan Getz和Dizzy Gillespie合作。1989年毕业于史丹佛大学英国文学系。

1990年,Larry搬到波士顿和Gary Burton合作。1991年,他再搬到纽约市,和Joe Henderson/Al Foster、Betty Carter和Tom Harrell一同演出。他也和年轻歌手或乐手如Joshua Redman、Danilo Perez、David Sanchez和Renee Rosnes一同演出和录音。自那时起,Larry即到世界各地表演,合作的乐手包括John Scofield (1997年的"Quiet"巡回)、Pat Metheny和The Brad Mehldau Trio,他至今仍是后者的固定团员。

Bill Stewart

自1987年起,鼓手兼作曲者Bill Stewart即活跃于纽约市和国际乐坛。他在Blue Note唱片旗下发行了两张专辑—1995年的「Snide Remarks」和1997年的「Telepathy」。纽约时报的乐评人Peter Watrous将「Snide Remarks」评选为1995年十张最佳专辑之一。Stewart也两度获得爵士乐杂志Down Beat乐评票选为「值得更多人注意的鼓手」。他曾合作过的歌手或乐手包括John Scofield、Joe Henderson、Maceo Parker、Pat Metheny、Joe Lovano、Charlie Haden、Chick Corea、Larry Goldings、James Moody、James Brown、Lee Konitz、Marc Copland等人。---- 详见047号




Weather Report

当60年代末Miles Davis用一张名为《In a Silent Way》的专辑透露出其电气化倾向时,那些还沉浸在《My Funny Valentine》中的老式爵士乐迷已经按不住内心的愤怒,纷纷表达对Davis叛逃纯爵士乐行为的抗议。而接下来那张《Bitches Brew》更是掀起轩然大波。然而,历史的车轮是不会理会那些抗议者的喧哗。接踵而来的爵士乐革命如汹涌的潮水淹没了那些遗老遗少的愤怒。其实,事实已经证明《Bitches Brew》已经被贴上经典的标签进入爵士音乐的名碟殿堂。从此,以Miles Davis为领袖的融合爵士乐派和以John Coltrane为代表的先锋前卫爵士派成为两股极为强劲的音乐势力大举入侵纯爵士所统治的领地。而我们这次的主角Weather Report(Weather Report)乐团就是Miles Davis一派的得力干将。他们的出现为颓靡的爵士乐界注入了一针强心剂,从而使得爵士音乐在面临摇滚音乐凶猛冲击的时候还能够屹立不倒。
  
Weather Report乐团的音乐打破了爵士乐严谨的和弦与旋律结构,把摇滚乐、拉丁音乐、疯克音乐以及非洲音乐的元素渗透到自己的音乐中。而他们对于电子合成器丰富音色的运用更使得乐团的音乐丰富多采。整个乐团,尤其是Josef Zawinul和Wayne Shorter依靠自己的音乐修为运用新的音乐逻辑连接以上一些独具特色的音乐,使得它们相互滋润、包容。最后,用音乐作品本身的精神力量来感动每一位聆听者,从而达到创作音乐的最终目的--影响灵魂。音乐是一种对外在世界的洞悉,一种叙述现实的特殊方式。同时,它也是一种生命的哲学指南。而融合音乐的首要思想就是不同乐派、不同国籍乐手之间毫无隔阂、敞开心扉地进行音乐上的调和,并且在调和中许多不同的元素相互靠拢、相互探触,进而互为一体,生长,发芽,开出五光十色的美丽花朵。这种共享互惠的方式成为融合派乐手创作音乐的主要源泉。这也就是为什么象Weather Report乐团和Shakti乐团这类相同重量级的乐队在一起巡演时能够安静地坐在台下互相仔细认真地聆听和学习的原因。
  
前Miles Davis乐团的成员,来自奥地利的Josef Zawinul和黑人萨克斯手Wayne Shorter一手创立了Weather Report乐团。记得Josef Zawinul曾经说过:“贝司是所有音乐之母,而鼓则是所有音乐之父。”显然,他对于整个乐团中的贝司手和鼓手有着不一般的要求。正因为这个才导致了Weather Report乐团中贝司手和鼓手的频繁更迭。象贝司手就经历了Miroslav Vitous、Alphonso Johnson、Jaco Pastorius以及Victor Bailey。而鼓手的变换更是让人眼花缭乱。从巴西鼓王Airto Moirera、Dom Um Romao到Chester Thompson(前Frank Zappa乐队的鼓手)、Narada Michael Walden(此君在放下鼓棒后因为成为流行天后Whitney Houston的音乐制作人而名噪一时)、Alejandro Alex Acu?a(秘鲁裔鼓手,曾与猫王以及Tina Turner合作)、Manolo Badrena(波多黎各裔)再到Peter Erskine以及Omar Hakim。Zawinul一直希望自己乐团的鼓手拥有一种力量,一种能够突然爆发出来的惊人力量。这对于Zawinul来说比节奏感更重要。1971年,一张名为《Weather Report》的同名专辑诞生。这就预示着这个重量级乐队辉煌的开始。他们的音乐就象70年代这个音乐的黄金年代那样散发着绚烂的光芒。
  
在Weather Report乐团的音乐中电子合成器扮演了十分重要的作用。在1972年的《I Sing the Body Electric》专辑的《Unknown Soldier》中,Zawinul第一次运用了ARP 2600电子合成器。这些合成器的运用使得Zawinul的演奏得到了解放。他可以随心所欲地使用自己想要的音色,自如地指挥一个并不存在的弦乐团。到《Mysterious Traveller》专辑中,他更是运用了两台ARP合成器。这使得他的即兴弹奏变得游刃有余。那首有22页曲谱的《Nubian Sundance》就体现了这种效果。后来,Zawinul更是喜欢上了复音合成器(Polyphonic Synthesizer)。尤其是在最富争议的专辑《Mr.Gone》中使用的Prophet-5复音电子合成器。它那准确的音色完全俘获了Zawinul的心。即使现在回想起来,Zawinul也是赞不绝口。当然,整个乐团不仅仅是Josef Zawinul使用合成器。Wayne Shorter也在《Three Clowns》中尝试了一下Computone Lyricon(一种风鸣合成器)的电萨克斯的味道。
 
Weather Report乐团1976年的专辑《Black Market》一直是我的心头至爱。因为这张专辑中的乐手阵容是乐团历史上最强悍的。Wayne Shorter那高亢激烈的电萨克斯、Josef Zawinul如行云流水般流畅的键盘演奏、Chester Thompson和Narada Michael Walden狂野的鼓技,还有Alphonso Johnson和Jaco Pastorius火力十足的电贝司,一个完美的阵容呈现了一张完美的专辑。专辑中第一首歌曲《Black Market》依靠Chester Thompson和Narada Michael Walden的打击乐撑起了整首歌曲的骨架,Shorter的电萨克斯在其间来往穿梭,而双贝司线作为乐曲的底衬。情绪在胶着,在持续的张力作用下窜升至高潮。最后,终于溃决,一泻千里。整首歌曲的张力就如一只被压缩到极限的弹簧。只要感觉一通,那瞬间的爆发力足以震得你眼冒金星!在整首歌曲的高潮处那种强大的感情冲击足以让所以批评者闭上喋喋不休的嘴巴。一首优秀的歌曲中内含的质感肯定要让聆听者充满无尽的想象和感动。《Black Market》就靠它那强大的火力证明了这一点。专辑的第二首歌曲《Cannonball》是Josef Zawinul献给刚刚逝世的爵士老炮Julian "Cannonball" Adderley。Zawinul用他那浓稠撩人的真挚情感填满了整首乐曲。他想借此来向自己的良师益友Cannonball说声“再见”,虽然Adderley自Zawinul开始融合音乐尝试后一直持批评的态度。
  
当Weather Report乐团最具争议的专辑《Mr.Gone》于1978年发行后,他们的乐迷立刻分成两个截然不同的阵营。尤其是著名音乐杂志《Downbeat》杂志竟然破天荒地给出一星的评价。要知道这一星的评价意味着这张专辑完全就是一堆狗屎。不过,乐团的成员却坚持这张专辑与《Mysterious Traveller》是相同级别的优秀专辑。尤其是Jaco Pastorius在专辑中演绎的朋克爵士概念更是让Zawinul赞叹不已。其实造成这种情况的原因是上一张专辑《Heavy Weather》取得的卓越成绩。而《Mr.Gone》却没有延续上一张专辑的成功模式。在《Birdland》的巨大成功后,人们总是想要第二首甚至第三首《Birdland》。然而,此时的Josef Zawinul却陷入了困境。因为他知道一旦乐团的音乐变成一种标签,一种老调,那么对于乐团的发展来说是具有毁灭性的打击。他想彻底忘记《Birdland》。然而,外界给予他的压力显然已经超过了他的想象。于是,在这种挣扎中诞生了《Mr.Gone》。Weather Report乐团在这张专辑中想要告诉人们的是乐团的个性没有改变,它只是变得成熟了。
  
Weather Report乐团最成功的单曲非1977年专辑《Heavy Weather》中的《Birdland》莫属。Birdland是纽约一家著名的爵士俱乐部。它对于Josef Zawinul来说具有不一般的意义。可以说,在这个俱乐部所发生的事情浓缩了他的一生。在那里,他遇到了 Miles Davis、Duke Ellington和Louis Armstrong,还有他那漂亮的妻子Maxine。在这首流行味道极浓的歌曲中Zawinul巧妙地运用Oberheim Polyphonic合成器的4音,从而取得了非常棒的效果。可以说,就是因为这首歌曲才使得整张专辑成为乐团销量最好的专辑。当然,Weather Report乐团也能够做出非常柔情的作品。《A Remark You Made》就是一首柔情万千的歌曲。Shorter以往高亢尖锐的萨克斯在这首歌曲中被植入一种细腻的情感纹理,简短的音乐语句中充满了让人落泪的情绪。优秀的音乐作品依靠其强大的情感冲击打动了一个个被爱情、友情以及亲情滋润过的心灵。 
  
然而,Weather Report乐团依旧没有逃过被岁月淘汰的宿命。在80年代中期,随着乐团其他骨干成员的离去,再加上Zawinul和Shorter创作灵感的迷失,整个乐团就象Mahavishnu Orchestra、Return to Forever那些融合乐团一样走到了末路。乐队后期的作品乏味,重复,毫无新意。就象Zawinul以前说过的话:“你每做一次尝试就很容易踩上一堆狗屎”那样,乐团后期的作品就经常在狗屎堆中沉浮。只是偶尔出现几首回光返照式的作品。最后,Weather Report乐团不得不在80年代中期宣布解散。这样也算明智,省得乐迷牵肠挂肚。一句相见不如怀念可表忠心乐迷之心,之情!




Jay Jay Johnson

长号之王Jay Jay Johnson出生:1924/01/22 印第安纳州 安那波利斯

长号可以说是最难适应变化快速的bebop。但是神乎其技的J.J Johnson克服种种难题,证明了自己可以用这种笨重的乐器,也可以这样快速,而且对细节又可以精准的处理。他的表现让人们对长号有不同的看法,不仅获得广大的乐迷,也受乐评的欣赏。
9岁的时候向教会的管风琴师学音乐,到了中学时对音乐非常有兴趣,当时他最能接近的是低音萨克斯风,在15岁时选择长号。1940年代与Benny Carter和Count Basie的大乐团做巡回演出,此时他也常在当时纽约市的五十二街的俱乐部做演奏。他也曾参与Miles Davis的几张经典唱片的录音(像是Birth of the Cool)。

50年代初期曾短暂退出乐坛,1954年时再与Kai Winding的五重奏演出,他们之间有密切的合作,专辑Jay and Kai(Sony唱片)就是非常出色的作品。 J.J Johnson在作曲方面的表现也是很出色的。60年代时他开始代自己的乐团时,才专心开始作曲的工作。
1970年他来到加州定居,也为电视和电影创作不少曲子,他也一直保持自己的高质的品味。 J.J Johnson对歌曲的细节有相当的敏锐度,这是为何他会受到如此重视的另一个主因。




Pat Martino

最传奇的爵士吉它手--「不死鸟」Pat Martino,虽然经常用"传奇"两字来形容乐手,但面对Pat这样的乐手时,不得不再次使用这个辞。在奥克兰Yoshi's俱乐部的精采Soul Jazz三重奏演出"Live at Yoshi's", 有电管风琴Joey DeFrancesco和鼓手Billy Hart参与演出。

前面称他是「不死鸟」,原因是Martino曾受脑瘤折磨,公元1980年左右动手术治疗虽然成功却留下了后遗症。Martino某部分的记忆竟在手术后丧失,其中包括了他长年的音乐训练与吉他演奏的记忆。这怎么得了!吉他手忘记怎么弹吉他!?后来Martino花了好几年的时间才将一身技艺找回并重出江湖.

Martino用甜美的Les Paul音色和Wes Montgomery式流畅的八度弹奏组合出独特的音乐语言。经过几个管乐队中的磨练后,Martino在60年代末开始录制一系列充满才气的专辑, "El Hombre", "Strings!", "East" 和"Baiyina"。他极副个性的吉他音色曾被评论称为"天鹅绒锤子" - 圆润甜美,不失有力的敲击。




Larry Carlton

赖瑞·卡尔顿1948年出生于加州,六岁开始学吉他,当时听的还是摇滚乐,十四岁才将兴趣转向爵士,但披头四、雷.查尔斯、艾瑞莎.富兰克林的歌也一样影响着卡尔顿。七○年代卡尔顿一方面加入融合爵士团体The Crusaders同时也是位顶尖的录音室伴奏乐手。1978年卡尔顿投效华纳唱片公司灌录唱片,乐风、名气与李.莱特诺(外号Captain Fingers)相近,概略算来卡尔顿参与过的专辑超过上百张。1981和1987年卡尔顿两次得到最佳流行乐演奏奖;1988年他在自己录音室外受枪击,痊癒后加入GRP并与旗下多位流行爵士乐手合作,包括和莱特诺合作推出的纯演奏专辑「挚友」。近年来虽巡迴表演减少但是录音计画未曾中断。2000年重回华纳唱片公司并发行广受好评的「Fingerprints」专辑。

被乐坛誉为融合爵士吉他之神的Larry Carlton,70年代便窜红全美,除了本身的专辑之外,他更为多位天王级艺人制作及跨刀;Steely Dan, Joni Mitchell, Michael Jackson, Herb Alpert, Quincy Jones及Linda Ronstadt,都是极富盛名的超级巨星,依据爵士名人堂的资料,当时他已红到一年超过500张专辑都请他捉刀,足见Larry Carlton在乐坛的魅力。

1987年,Larry Carlton加盟华纳,录制了数张至今仍名列爵士百科的经典专辑,奠定了他在乐坛的不朽地位,欧美日的吉他练习者无不奉其为经典圭臬,芝加哥论坛报更撰文加封其为美国吉他的精神标竿。1987年Larry Carlton获得葛莱美奖”年度最佳吉他手”的殊荣,开立了他万世不拔之基。

同时他也是媒体公认最平易近人的吉他之神。 “Sapphire Blue”,是Larry Carlton 2003年的最新力作,曲风以爵士、蓝调为主轴,技巧当然是整张专辑最吸引人的所在,精精确确恰到好处,将所有曲子的铺陈掌握得丝丝入扣、动人心弦。综观而言,“Sapphire Blue” 是Larry Carlton跨入21世纪重要的里程碑,由于表现得十分抢眼,世界各大媒体都将之列为Larry Carlton最重要的专辑之一.




Lenny Breau

非常可惜的是,作为国内的爵士乐迷,知道Lenny Breau的人太少,这位充满个性,在爵士传统和融合创新的爵士乐领域游刃有余的吉他演奏家,在一些顶级的爵士乐吉他爱好者中,绝对不亚于Wes Montgomery和上面的John McLaughlin。

英年早逝的爵士吉他奇才Lenny Breau有非常特殊的泛音彈奏方式。他以食指在前方輕觸琴弦後用拇指與中指在後方鉤弦。此技巧被Eric Johnson發揚光大,人稱"Koto" style play。




Lincoln Center Jazz Orchestra

林肯中心爵士乐团是世界最大的非赢利性的爵士乐组织。它拥有着世界闻名的林肯中心爵士乐团和非洲拉丁爵士乐团,以及一大批客座的艺术家。在艺术总监文顿·马萨利斯的领导下,“林肯中心爵士乐”于去年举行了逾450场的演出。

非洲-拉丁爵士乐团在2002-2003的演出季期间,“林肯中心爵士乐”以延续爵士与拉丁音乐家之间的长久以来的艺术合作为宗旨,创建了一个新团团:“非洲-拉丁爵士乐团”。由著名的爵士钢琴家阿图罗·奥法里尔所领导的非洲-拉丁爵士乐团是由18位在拉丁爵士乐界享有盛誉的独奏家所组成的。




Wynton Marsalis

融合古典与爵士的现代大师Wynton Marsalis

1980年,当时所谓正统爵士乐奄奄一息,融合爵士日趋流行媚俗,前卫实验派人士在美国市场极小,只能到欧洲讨生活,突然之间,美国爵士乐界有个大新闻,一个身怀绝艺的茱莉亚音乐学院材生,长得英俊挺拔的黑人青年小号手,投入了爵士乐圈子,加入亚特布雷奇领导的爵士信差乐团,他的名字,叫作温顿马沙利斯,几乎从一开始,温顿就获得一面倒的热烈掌声,新旧各派爵士乐迷都受他的音乐吸引,主流唱片公司与他签约,沉寂了好一阵子的爵士信差乐团重新获得注意,爵士乐评论界人人如释重负(因为似乎不必怕爵士乐会寿终正寝,要知道,70年代以来,他们担心了十几年! ),那段时间,温顿简直是救世主!

不但是救世主,也是特级核弹,威力所及,各大唱片公司全都开始寻找爵士新星,出钱出力,深怕丧失了未来的市场占有率,许多年轻人尝试学习爵士乐,潜沉改行的老将富出江湖,浪迹欧洲的爵士艺人又再接到故乡的演奏邀约,十多年来被摇滚乐压得几乎丧失所有市场的爵士乐,终于开始出现复兴的曙光,这样的状况在温顿赢得葛莱美爵士乐奖项之后越演越烈,接着,古典根基深厚的这个年轻人又拿下葛莱美古典奖项,不但左右开弓,而且样样第一,菨时温顿成了新兴的文化偶像,他应邀担任林肯中心爵士音乐总监,登上时代杂志封面,成为美国的风云人物,影响力不仅仅限于爵士音乐圈,在整个音乐界来说也是名列前茅。

温顿的演奏技巧,尤其他身兼古典爵士两家之长的特色,在台湾听爵士乐的圈子里,似乎一向没有得到公正的评价,褒贬之间,似乎只是取决于评论者的心态,有人热情拥抱,认为他名正言顺的承接了路易士阿姆斯特朗、迪吉葛拉斯比、迈尔士戴维斯、克里夫布朗、佛莱迪贺柏德等等小号强人的桂冠。也有人嗤之以鼻,认为他不过是一介不知天高地厚的无知小儿,只能模仿前人语法,创作力还待大幅加强。

其实,温顿的古典演奏真是非常厉害,Sony唱片在日本出版过一张名为「Carnival」的温顿古典选集,其中黄蜂飞行、海顿的小号协奏曲等等高难度乐曲,他的演奏技巧真是令人瞠目结舌,二连音、三连音的吹奏游刃有余、行若无事,不知情的人绝对会以为有三个小号手同时演奏!话说回来,高超的古曲乐小号技巧,对他的爵士乐演奏并不见得有帮助,诚然,他的演奏中有许多高难度的「锯齿状」跳跃式旋律线,例如他的名曲「Delfeayo's Dilemma」里面的高低转折既快速又准确清晰,没有几个爵士乐手作得到,但是爵士乐的小号演奏,传统上讲究的是强烈个人风格的音色,泉涌而出的即兴乐句,表达的常是演奏者个人当下的情绪,手法上经常快速使用活塞按键,这些和按照曲谱演奏,要求精确,擅长以唇舌改变音高的古典小号训练很难相辅相成。

温顿马沙利斯带动了目前新古典爵士的发展,为纽奥良爵士传统建立跨世纪的承接,他的个人魅力,为爵士乐市场开发出一群新的听众,也在80年代将爵士乐带入美国学术圈子,十多年来,温顿主持了无数场爵士乐师资讲座,以他个人的形象与声望,从基础教育着手来推广爵士乐,在他的努力下,爵士乐演奏家的形象逐渐得与古典音乐家并驾齐驱,慢慢拥有同等的声望与社会地位,就这几点而言,他的确是二十世纪末的爵士英雄之一。




Gigi Gryce

Gigi Gryce毕业于波士顿音乐学院(Boston Conservatory of Music),他的搭档Donald Byrd,也是Wayne State University音乐系的高材生,后来在Manhattan School of Music与哥伦比亚大学深造,分别取得硕、博士学位。作为爵士乐圈少数高学历者,深思熟虑的GigiGryce,很早就看到音乐市场中,唱片公司、秀场负责人,以及乐团领团人剥削乐手的问题。

出道之始,Gigi Gryce曾与Clifford Brown、Art Farmer加入Lionel Hampton乐团,到欧洲巡回演出,当时Lionel Hampton乐团的乐手分成两派,一派是摇摆乐时期的老乐手,对Lionel Hampton的想法言听计从,另一派则是现代爵士乐的初生之犊,不畏Lionel Hampton的禁令,在法国知名的制作人Charles Delaunay安排下,为Vogue厂牌留下了不少珍贵的录音,在美国则由「蓝调之音」以十吋盘形式发行。

为何当时的年轻乐手,冒着被Lionel Hampton开除的危险,为法国唱片公司录音呢?不单是因为他们急着想出头(毕竟当时欧洲还是摇摆乐盛行的时代),而是他们的待遇实在太差了!Lionel Hampton乐团的成员之中,除了英俊潇洒的小号手Quincy Jones之外,Gigi Gryce与Clifford Brown的衣着都十分寒酸,连套象样的西装都没有。尤其是Clifford Brown,用来御寒的大衣只有一件,又脏又薄又破,站在挺拔的法国乐迷旁边,不要说没有明星相,连个爵士乐手基本的「架势」都没有。更糟的是,欧洲巡回演出虽然极为成功,回国之后,Lionel Hampton却以各种理由搪塞,让这些团员分不到酬劳。

唱片公司与团队领班人的恶形恶状,让当时如此有才气的乐手如Clifford Brown陷入经济窘境,Gigi Gryce看在眼里,心头别有一番滋味。除了力劝周围的乐手朋友们要好好保护创作版权,对于录音合约的内容一定要仔细过目外,Gigi Gryce自己也身体力行,以保护乐手创作为主,成立出版公司。

五○年代中期,Gigi Gryce更致力于音乐实验,积极参与低音贝斯手Charles Mingus成立的「爵士作曲人工作坊」(Jazz Composers Workshop),并曾加入电颤琴手Teddy Charles组成的十重奏,与当时注重作曲/即兴之间平衡的Gunther Shuller、George Russell共同切磋琢磨。他最大的理想,就是结合志同道合的同侪,跳脱咆勃乐初期发展的缺点。这些缺点包括:改编标准曲目而缺乏原创、过度注重吹奏技巧、过度注重个人即兴、音乐的凝聚性较弱……等。Gigi Gryce出身科班,他希望从音乐理论出发,注重和弦配置,强化小编制乐团整体的音色,强调编曲者的角色,结合志同道合的朋友,一起为爵士乐开创前景。

经过了一段时间,Gigi Gryce与Donald Byrd合组「Jazz Lab」的创作努力,终于在一九五七年开花结果。他们先为哥伦比亚唱片公司录制「Modern Jazz Perspective」上下两张专辑,节奏组合为钢琴手WadeLegge或Wynton Kelly,低音贝斯手Wendall Marshall与鼓手Art Taylor。为了彰显现代爵士乐的艺术特质,哥伦比亚公司则采抽象画家S.Neil Fujita的画作为「Modern Jazz PerspectiveVol.2」专辑的封面。

就在现代爵士乐的鼎盛年代,Gigi Gryce为后世留下了不少精彩的作曲。虽然没能以个人名义在「蓝调之音」发行专辑,但在「蓝调之音」的专辑中,Gigi Gryce倒是担任了不少小号名家的伴奏乐手,例如Thad Jones「The Magnificent Thad Jones Vol.3」(1500系列的十二吋盘,正式发行时筛掉了不少宝贵的录音,后来由马赛克唱片公司发行Thad Jones在Blue Note/UA/Roulette全集时才发行了完整曲目),Clifford Brown的「New Staron the Horizon」(5000系列的十吋盘),LeeMorgan的「LeeMorganVol.3」(1500系列的十二吋盘)。GigiGryce虽然没有主导这些专辑的编曲工作,但那清亮、灵活而魄力十足的萨克斯风吹奏,令人难忘。

照理讲,像GigiGryce这样优秀的作曲/编曲家/乐手,不吸烟、不喝酒也不吸毒,又有保护智能财产权的概念,假设他能坚持下去,必定能创作更多流传后世的名曲与专辑罢。然而,从「Gigi Gryce & Donald Byrd/New Formulas from the Jazz Lab」被大唱片公司被封杀,至今仍不曾在美国境内发行,我们就不难想象GigiGryce与他的同侪,要兼顾音乐理念与现实生活,有多么的困难!

进入六○年代之后,美国介入越南内战,社会形构丕变,自由爵士乐兴起,表达内心的愤怒与抗议成为新派爵士乐创作趋势,纽约的演出场所越来越少,部分乐手转赴欧洲讨生活。Gigi Gryce相当畏惧离开纽约巡回演出,这是因为他的好友Clifford Brown早在一九五六年就因赴芝加哥演出时,在宾州车祸死亡,不要说搭飞机,Gigi Gryce连搭车都不愿意。

一九六三年时,Gigi Gryce的另一位老友Eddie Costa也因车祸横死,遂成他隐退乐坛的开端。Gigi Gryce自此不顺,不但演出机会锐减,他的乐谱出版公司也因人力财力有限,而面临倒闭的命运。更糟的是,或许是心灵受创过深,Gigi Gryce开始幻想有人要陷害他,不但足不出户,家里上了双重门锁,还不准老婆接听电话。两人本来就因为信仰不同而冲突连连,此时生活陷入困境,更让夫妻关系雪上加霜,终导致离婚的命运。

离开家人与亲友的Gigi Gryce,最后放弃了演奏爵士乐的工作,选择音乐教职,隐居了起来,行踪神秘到连母亲去世时,Gigi Gryce的弟弟都找不到他奔丧。他再也不碰爵士乐了,甚至以「美国音乐」(American Music)来称呼这个曾经让他全心投入的表演艺术。一九八三年,GigiGryce因心脏病辞世,享年五十七岁,葬于故乡佛罗里达州的Pensacola。




Freddie Hubbard

赫巴德的天赋比不上迪吉‧格列斯彼,特立独行作秀的功夫与迈尔斯‧戴维士天差地远;但他却是爵士鼓大师亚特‧布莱基、钢琴鬼才麦考‧泰纳口中最佳的小号演奏搭档,这纯粹是赫巴德苦练出的演奏技巧赢得的同侪尊敬。

纯属形容上的巧合,一九三八年四月出生的佛瑞迪‧赫巴德与波士顿塞尔提克队神射手赖瑞‧柏德都是印第安纳州人。赫巴德的小号声调风格被认为介于快眩神奇的克利佛‧布朗(Clifford Brown)与狂野不羁的李‧莫根(Lee Morgan)之间,当他于一九五八年移居纽约后,他的黄金年代与焉展开,先是与长笛之神艾瑞克‧道菲(Eric Dolphy)同台,接着先后加入菲力‧乔‧琼斯(Philip Joe Jones)、桑尼‧罗林斯、杰‧杰‧强生的乐团,一九六○年他更参与了自由爵士的滥觞:欧涅‧寇曼的「Free Jazz」录音,与萨克斯风救世主约翰‧柯川一起录音。

但他生命当中最辉煌灿烂的一页却才要到来,一九六一年至一九***年间,他加入了爵士鼓大师亚特‧布莱基(Art Blakey)领导的「爵士信差」(The Jazz Messengers),赫巴德第一次遇到最能激发他潜力的对手:韦恩‧萧特(Wayne Shorter),萧特变幻莫测的萨克斯风即兴遇到了无论如何都能接招响应的赫巴德,再加上背后控制场面稳如泰山的亚特‧布莱基,这个组合被许多人认为是历任「爵士信差」(The Jazz Messengers)团员搭档中创作默契最佳的组合。

虽然赫巴德在蓝调旗下与各路群星录制的作品都极受欢迎,尤其慢板叙事抒情曲吹得回肠荡气、绕梁三日,但他个人作品最突出的时期莫过于自由爵士(Free Jazz)与后咆勃(Post Bop)盛行的七○年代前期,尤其赫巴德加入当时的新兴厂牌CTI旗下后,展现出的惊人创作力至今仍为人所津津乐道,被认为是他毕生最好的两张经典中的经典「Red Clay」、「Straight Life」都是在CTI时期。赫巴德为人不像迈尔斯‧戴维士有诸多怪癖,锋芒内敛得多,谈吐有趣幽默,人缘奇佳,跨刀为他录音专辑增色的乐手多如过江之鲫。

以获得绝高评价的「Straight Life」为例,参与的乐手包括吉他手乔治‧班森、贝斯朗‧卡特、击鼓鬼才杰克‧迪姜特、钢琴变色龙贺比‧汉考克等各自都能独当一面的乐手跨刀助阵。但之后十年间,因为CTI融合蓝调、流行、灵魂乐的商业走向在市场上引起正面响应,也连带勾引赫巴德以流行蓝调曲调创作,但这些录音除了获得较佳的市场反应外,却让赫巴德惨遭乐评痛贬,认为以他的技巧资质不应只有如此水准。直到一九七七年,他的老友贺比‧汉考克邀他加入相当具有前瞻创作观的乐团「V.S.O.P」,赫巴德才再度翻红,在市场与评论两方面都回稳脚根。

讲到当今爵士界的小号位置,在九○年代迪吉‧格列斯彼、迈尔斯‧戴维士相继去世后,许多美国东岸的爵士评论家都认为该以佛瑞迪‧赫巴德马首是瞻,倒是他近年脸颊肌肉的病症已经使他与正常演出渐行渐远,尤其一九九一年令许多老乐迷不忍卒听的无力高音,出现在现场录音「Live at Fat Tuesday」中,好象宣示着赫巴德的黄金年代不再,但长年得来不易的「大师级」名声对赫巴德而言,仍然格外珍贵。纯以天生的脸部肌肉力度与弹性来论,赫巴德与迪吉‧格列斯彼那种「河豚式」的天赋根本不能相比;而以纠众成党、特立独行吸引媒体焦点作秀的功夫,他又与迈尔斯‧戴维士天差地远;但他却是爵士鼓大师亚特‧布莱基、钢琴鬼才麦考‧泰纳(McCoy Tyner)口中最佳的小号演奏搭档,这纯粹是赫巴德苦练出的演奏技巧赢得的同侪尊敬。

全盛时期的赫巴德的小号音调似乎永远维持在一个稳定区间内,不愠不火,在与中高音萨克斯风搭配对奏时,赫巴德的吹奏节奏就像是黏住鞋底的口香糖,不常像惊才绝艳的克利佛‧布朗般以快绝无匹的连音飙奏激出对方火花,但也不至于像迈尔斯‧戴维士般刻意以放慢或改变旋律走向争取主导权,「不急不徐、亦步亦趋」永远是佛瑞迪‧赫巴德的招牌,在热烈辉煌的后咆勃(Post Bop)演奏编制中,赫巴德稳定的音调、节奏掌握正如同NBA篮球迷心中永远不朽的赖瑞‧柏德,不论即兴演奏结构如何紊乱一如NBA季后赛禁区,赫巴德的小号总能在乱军中以优雅的弧度,空心中网。




Roberta Flack

美国老牌黑人女歌手Roberta Flack,在美国歌坛被奉为前辈级歌后,在70年代,她的歌声几乎家喻户晓,红透世界。1972年,第15届格莱美音乐奖颁奖典礼首次移到乡村乐的故乡纳什维尔举行,Roberta Flack因她的 “我第一次看到了你的脸”而获得年度单曲奖和年度最佳歌曲奖;1973年,第16届格莱美音乐奖在这一年再次回到洛杉矶举行颁奖仪式, Roberta Flack再显雄风,以一曲“Killing me softly with this song”而获得了年度最佳单曲和最佳流行女歌手两项大奖。

她的曲风为带有流行色彩的“轻柔爵士”,嗓音厚实,略带沙哑,高亢嘹亮,中气十足,同时也蕴藏多变的真假声技巧,像“Killing me softly with his song”等经典名曲,就是由她首唱而传遍世界的。现在,Roberta Flack虽然隐退歌坛,但像玛多纳、惠特尼-休斯顿等后生巨星,均曾经拜她为师,学习唱功。她也会应邀偶然出现在白宫,为总统以及国宾表演。




Curtis Mayfield

Mayfield被人们称作"Mr. Superfly",他是个技术非常好的演奏家。事实上,Mayfield是介于Hendrix和Prince之间的人物,演奏风格既有R&B,也有funk和reggae。他是自学的吉他,他的Strat吉他就是他最好的朋友,甚至是他的另一个自我。很遗憾,Mayfield在1990年的一次意外事故中造成下身瘫痪,从那以后他再也没有摸过吉他。




Lionel Hampton

Lionel Hampton (1909年生),他是一位集音乐才能及无限活力于一身的“发电机”式的人物。lionel Hampton和Teddy Wilson后来在Benny Goodman的帮助下各自成立了乐队,其中Hampton的乐队长盛不衰。其它与Benny Goodman合作过,后来又独自率领乐队的有Gene Krupa及小号手Harry James,后者的乐队——“James乐队”成为四十年代最成功的乐队。

爵士史上第一位乐手将颤音琴带入主流演奏的地位, 莱诺.汉普顿( Lionel Hampton ) 的 音乐里无时无刻充满了尽情摇摆、仿佛力促乐迷放松来跳舞吧!出生于1909 年却不幸于2002 年去世的莱诺‧ 汉普顿大概是爵士大师中活的最长寿的一位、享年93 岁.




Grant Green

1931年6月6日,Grant Green出生于圣路易斯,还在小学时代他就开始向他父亲学习吉他演奏,13岁时就加入了一个福音乐队,1960年之前他主要在他的家乡表演。在一次Down Beat杂志对他的采访中,他说,他最早学习演奏的是Boogie-Woogie,然后又不得不学习了很多摇滚乐。1960年他在Lou Donaldson的建议下去了纽约,并与Blue Note签约,他的音乐事业才真正开始。

六十年代早期,Blue Note为他录制了一系列唱片,包括organ/guitar/drum这样的三重奏组合和其他形式的组合,这些作品使得他成了一个明星,在这些作品中他富于流动性的演奏给人留下了深刻的印象,但很少会得到评论家的尊敬,评论家眼里只有同时期更受欢迎的Wes Montgomery和George Benson。六十年代中期,Grant由于受到毒品问题的困扰而暂时退出。六十年代后期,他的音乐事业又重新开始。但毒品的影响却一直没有离开他,毫无疑问,七十年代使他备受煎熬的疾病都源于此,1978年Grant入院治疗,一年后病逝。

Grant在生前一直被严重低估,同时代的乐评人和爵士乐爱好者都不喜欢他,在他去世后很长一段时间他的音乐才华才被重新发现,所以可以毫不夸张地称他为爵士吉他手中的无名英雄。Grant是一个杰出的蓝调演奏家,蓝调与R&B风格在他的晚期作品中占据了主导地位,同时他也是一个令人惊讶的叙事曲和标准曲的独奏家。Grant曾经提到过他的演奏受到了Charlie Christian和Jimmy Raney的影响,但他经常又会宣称自己很少听其他吉他手的音乐,而更多的是听Miles Davis和Charlie Parker这样的铜管演奏家的音乐——其中Parker是他的偶像,大概正是由于这个原因造就了Grant独特的演奏风格。在演奏时,Grant通常避免演奏和弦,独一无二的single-note linearity,朴素而简单,很少会有理性的元素,这使得他的音乐非常容易辨认,在这一点上几乎没有哪个爵士吉他手能与之相比。

Grant一生共出版了三十多张唱片,其中绝大多数都在Blue Note旗下,他也是Blue Note的奠基人之一,听到有他参与的唱片很自然的就会想到这是Blue Note的唱片。




Stan Getz

Stan Getz于1927年出生于纽约,十五岁时开始专业训练。一年之后他与Jack Teagarden合作,在随后的四年间分别还和Stan Kenton、Jimmy Dorsey、Benny Goodman一起演奏过。1947年9月,他加入了新的Woody Herman大乐队,成为萨克斯组“四兄弟”成员:Stan Getz、Zoot Sims、Herbie Steward、Serge Chaloff。1948年十二月的专辑《Early Autumn》中,Stan Getz的萨克斯演奏音色开始形成自己“Cool”的特色——少有泛音并且几乎不用颤音。这种演奏风格顿时开拓了许多爵士萨克斯演奏家的想象空间,使得他们分成了两大阵营:一种是以Coleman Hawkins和Charlie Parker音色为典范的饱满的硬波普风格;另一种是以Stan Getz为典范的清晰轻盈的音色。

不过有趣的是,Stan Getz一直认为自己是一位Bop音乐家。他的第一张录音制作于1946年7月,名为“Stan Getz and His Be-Bop Boys”。尽管吸毒的毛病几乎毁了他的演奏生涯,然而整个五十年代他一直是一位站在显要位置的萨克斯演奏家。他艺术性地将酷派音色和眼花缭乱的Bop演奏技巧完美地融合在一起,这一点在他1952年的四重奏录音《Stan Getz Plays》中得到充分地展现,其中Getz的Bop演奏堪与任何一位一流的Bop萨克斯演奏家一较高下。




Count Basie

公众一直把Benny Goodman看作是“King of Swing(摇摆乐之王)”,但对于大多数爵士音乐家来讲,这个头衔应该让位于Count Basie。与其它摇摆乐队相比,Basie的乐队看上去不是那么激烈扣人心弦,但是却更为摇摆。Basie从1937年开始领导他的大乐团,直至去世为止。他的乐队的每个阶段都有一到两位乐手为爵士乐史作出重要贡献,有些阶段甚至有四到五位乐手。

Basie是受Fats Waller影响下的跨越式弹法的钢琴演奏家,在他自己的乐队中它也是位出众的独奏者。简洁有力是Basie演奏风格的标志。他的演奏方式在爵士钢琴手中是独一无二的,音色很轻然而极端精准,他对每个音符的选择接近完美,而且对时间控制和感觉向鼓手一样准确(实际上,Count Basie的音乐生涯是从鼓开始的,后来才转向钢琴)。

爵士乐史上Basie领导下的第一个节奏组始终坚持以一种顺滑、休闲的方式来摇摆。这个著名的节奏组由Count Basie(piano)、Freddie Green(rhythm guitar)、Walter Page(string bass)、Jo Jones(drum)组成。四位乐手相互之间保持着一种不同寻常的平衡,平滑柔和的结合在一起,以致有听众描述这种感觉像是骑在滚珠轴承上.

以Count Basie为代表的堪萨斯城风格的编曲方式区别于新奥尔良风格的那种交替集体即兴,他是以“riff”的重复作为编曲的基础的,“Riff”即是简单的音乐段落。

三四十年代许多最优秀的小号和萨克斯演奏家在Count Basie的大乐队待过,其中尤为引人注目的当数Lester Young,他有个外号叫“Pres(总统)”,因为大家称他为次中音萨克斯乐手中的总统。另外1937年至1943年期间,摇摆乐时代最好的小号手Buck Clayton也在Count Basie的大乐队待过。四十年代以后,又一位杰出的小号手Thad Jones也成为了Count Basie大乐团的特色乐手。



Kenny Barron

Kenny Barron是少数能够传神地表达摇摆韵味的钢琴手之一,12岁的时候开始学习钢琴,之后他加入了由Mel Melvin所领导的节奏蓝调乐团,50年代末期曾先后经历大师级人物的洗礼,这其中包括了鼓手Philly Joe Jones、Jimmy Heath与Yusef Lateef。60年代初期Kenny Barron参加了由Dizzy Gillespie所率领的欧洲巡回演出,回国之后大部分的时间依旧以搭配乐手的身份出现,直到80年代初期与萨克斯风手Charlie Rouse合组一个以演绎Thelonious Monk音乐风格的乐团,并且留下几张堪称经典的作品之后,才算尝到了真正走红的滋味,Kenny Barron的弹奏自有他的秩序与原则,丰富的创意力使他无须花俏繁杂便能够应付任何合奏所需的效果。 1991年3月Kenny Barron和Stan Getz一起录制的一张二重奏现场录音版-« People Time ».




Buddy Rich

1917年出生于纽约,至1987年于洛杉矶辞世,巴迪瑞奇Buddy Rich堪称是乐史上地位无人能及的一代鼓王。才华洋溢的巴迪瑞奇,无懈可及的鼓技可说是空前绝后,力道与强度具有王者的气势,节奏的掌握如切片般精准,流畅而不失律动转折,轮鼓华美,铜钹出神入化,巴迪瑞奇在鼓乐的成就早已超脱爵士乐的范畴,昂然而为鼓乐领域中的传奇宗师。然而关于巴迪瑞奇的详实全本录音,经常令人遍寻难求.




McCoy Tyner

钢琴手麦考伊.泰纳(McCoy Tyner)从六○年加入约翰‧柯川的四重奏开始,就一直受到他 的深远影响。一九六五年他离开柯川的乐团开始自己闯荡江湖,一路走来成熟得非常快速, 到了一九七四年这张《萨玛.拉尤佳》发行时,他已经是活跃于爵士乐坛的一把好手。早年的Tyner受前辈钢琴手Bud Powell、Thelonious Monk影响很大,但在与John Coltrane为伍的几年内,Tyner发展出自己的风格。近年来甚至加入非洲、亚洲民俗乐器,以及一些传统欧洲乐器,朝向融合更多不同音乐元素.




Bobby Hutcherson

「木琴(xylophone)和钢片琴(vibes)、马林巴琴(marimba)等都是板振乐器,又通过共鸣管,放大并稳定音调。它们的材质不同,结构不同,则音色也各异。木琴声清脆,有击木声,宜演奏快速旋律。钢片琴、马林巴琴、铝板钟等音色圆润、厚泽、犹如洁圣女神从天而降。」

Vibes,俗称电铁琴中译电颤琴,偶尔在中小学的音乐教室会看到它。电颤琴由钢片组成,钢片长短仿照钢琴键的高低音排列,在钢片下方有管状共鸣器,共鸣器中有类似管乐器簧片的叶片,会产生共鸣效果。共鸣效果由电动马达控制,如果要压抑因敲击钢片所引起的震动音,可以暂时切断马达的通电状态,这时叶片会呈垂直状态。电颤琴下方有踏板,类似钢琴的踏板作用控制共鸣效果。

电颤琴流行于一九三0年的大乐团时代。曾经学过打鼓的 Lionel Hampton,本来是 Benny Goodman 大乐团团员,四0年代开始领导乐团,他运用鼓手的节奏概念,让电颤琴产生一种轻快而响脆的震音效果。Red Norvo 则是木琴手中的个中翘处,他较不注重颤音的戏剧性效果,而擅长利用木琴软质的音调,树立旋律性的抒情风格。 Milt Jackson 是现代爵士乐中响叮当的电颤琴手,他偏好软调颤音,富流动性,注重旋律感的风格,伴随现代爵士乐四重奏(Modern Jazz Quartet)将近三十年。

电颤琴从来都不被认为是核心爵士乐器,若是大量利用共鸣管的回音效果,很容易被认为是在演奏超级市场播放的轻音乐。它的结构比不上钢琴复杂,钢琴可以节奏,可以旋律,可以制造更为稠密的和弦效果,相较之下,电颤琴有时像是一个小孩子的玩意。

记不清是哪一年的夏天,我经过麦城市中心 State Street 街尾教堂与书店之间的小广场表演台旁,看到一个人在演奏电颤琴。他双手将琴槌交叉握着,忙碌地在钢片上游移,与团员一起 jam 着。虽然这名电颤琴手不是个顶尖的乐手,时时「出槌」放炮,但是电颤琴产生的奇妙音效,却深深地烙印在我耳中。回国之后,在非常偶然的机会中,我买了 Bobby Hutcherson 的「Patterns」,Bobby Hutcherson 熟练的演奏电颤琴,搭配 James Spalding 流动轻盈的长笛声,为我开启了另一扇爵士乐的窗。到现在为止,我一共有七张由 Bobby Hutcherson 领导、编曲的专辑。

Bobby Hutcherson 于一九四一年一月二十七日诞生于洛杉矶。尔后迁居于 Pasadena。他于七岁时开始学钢琴,青少年时期听到 Milt Jackson 的唱片深受感动,十五岁弃钢琴而开始学电颤琴。年轻的他曾经是 Curtis Amy 和 Charles Lloyd 等乐团成员,一直到他参加 Billy Mitchell-Al Grey 五重奏,Bobby 精湛的演奏技巧才渐渐打出知名度,也因为如此,Bobby 于一九六一年迁居纽约,加入不同的乐团,并为知名的蓝调唱片(Bluenote Records)乐手伴奏,在多张经典唱片中担纲,例如 Jackie McLean 的 One Step Beyond、Grachan Moncur III 的 Evolution、Eric Dolphy 的 Out To Lunch、Andrew Hill 的 Judgment、Grant Green 的 Idle Moment 等等。

电颤琴是一种仿钢琴效果的乐器,同样地兼具节奏与旋律性效果。但是在音色方面,这两种乐器是南辕北辙的。在琴槌的敲打与拨弄下,电颤琴显露出一种其它乐器没有的弹性与韧性,琴音透过共鸣流泄出一种不可名状的透明感。它彷佛流沙,轻盈时有如精灵在耳边絮语,而沉重时又像暴雨千军万马般奔驰。演奏技巧相当纯熟的 Bobby Hutcherson,在电颤琴中不断的成长、求变,在个人第一张专辑「Dialogue」中,他就已经显现出实验的企图心。Freddie Hubbard 虽然带出强烈的硬式咆勃的小号吹奏风格,在 Bobby Hutcherson 的 arrangement 下, 来自海地的 Andrew Hill, 从波士顿来的 Sam Rivers, 搭配灵活的 Joe Chambers,组成一支野心勃勃、阵容坚强的 collective improvisation 队伍。

Bobby Hutcherson 对声音质感的追求近乎迷恋,这也让他的演奏迥异于 Milt Jackson 的甜美流畅。他用电颤琴音拟仿弹跳的皮球,想象各种声音像风铃般悬挂起来,四处移动。他也模仿玻璃的清脆音感,大胆的制造不协调的效果。难怪有人说 Bobby Hutcherson 的演奏风格是「有纪律的自由」。身为一位精彩的电颤琴手,Bobby Hutcherson 并不划地自限, 他灵活的开创电颤琴的可能极限,让自己的创作活络的成长。在「Oblique」专辑中,Bobby Hutcherson与 Herbie Hancock 一同合作, 演奏 Hancock 为安东尼奥尼电影「春光乍现」(Blow Up)所谱的主题曲,据说是目前唯一完整的爵士版本录音,在硬式咆勃的曲风下,Hutcherson 与 Hancock 互相搭配,前者轻盈善舞,后者以低沉和弦趁底,在没有铜管乐器的伴奏下,编织动人乐章。

如果妳仍然怀疑电颤琴的奇妙效能,请放任何一张 Bobby Hutcherson 的专辑吧。毋需言语,透过他的演奏,妳终将可视化所有入耳的音乐,让漂亮的音符在空气中悬荡。这,就是 Bobby Hutcherson 的神奇。




Stanley Clarke

在世界上有许多乐手,或许他们推出的专辑会受到广泛的好评,或许他们会有叫好叫座的作品;再者他们的弹奏会极具代表性,但是在流行音乐上,鲜少有人能够同时兼顾这一切,Stanley Clarke 就是其中代表性的大师级人物,这位电贝斯界中传奇性人物,是他让全世界了解电贝斯弹奏上的新领域-一种具有活力、缤纷色彩的主奏乐器。Stanley Clarke 在成名的专辑中,大量将slapping及popping的技巧融入弹奏之中并成为一种流行的弹奏技巧,虽然有许多乐手跟着仿效这种弹奏方式,但是鲜少有人能够像他一样,同时将旋律及节奏紧密地结合在弹奏之中。

1951年6月30日于美国费城出生的Stanley Clarke﹐是目前BASS界的巨擘﹐虽然他在爵士乐上拥有超人的天份﹐但是他事业的重心却没有放在爵士乐上。

Stanley Clarke在学习BASS前﹐他曾弹过手风琴及大提琴 高中时就有丰富的组团经验﹐70年代移居到纽约后﹐便与Pharoah Sanders合作﹔之后与Stan Gets﹑Gils Evans﹑Art Blakey等人的合作中﹐大家都对Stanley Clarke的天份留下深刻的印象。 然而Stanley Clarke真正的崛起则是在Chick Corea的rock fusion专辑Return to Forever里的表现﹐更早于Jaco﹐他以纯熟的技巧﹐惊人的速度﹐将贝斯当作主奏乐器的概念﹐引起了极大的回响。

起初Stanley Clarke的弹奏引起许多的争论及讥讽,他的弹奏被许多人认为是"非音乐性"、"耍花招"的弹奏方式,但诸如此类的非议无疑是对电贝斯弹奏的演进造成阻碍,许多乐界著名的大师如Chick Corea、Miles Davis、Bill Evans等,对Stanley Clarke的弹奏就相当的激赏。

1976年的School Days个人专辑及与George Duke的Funk乐团 (the Clarke/Duck Project)及最近的电影配乐﹐Stanley Clarke已经将发展的重心转移出爵士之外﹐1988年If this bass could only talk及1995年与Jean Luc Ponty﹑Al DiMeola合作的The rite of strings则是过去10年来少见的爵 士作品。

「时间证明一切」这句谚语应用在Stanley Clarke 的身上再好也不为过了!Stanley Clarke 风潮已经持续近25年,Stanley Clarke被视jazz-rock的先趋者,而他近年的作品中,将电贝斯的弹奏手法融入于acoustic 贝斯中,并大胆尝试多变的非洲节奏,这些都证明Stanley Clarke 这位大师在音乐作品上独特的品味。




Sonny Stitt

Sonny Stitt很多人都希望吹的像Bird, 但Sonny Stitt是许多人公认吹萨克斯风吹得最像Charlie Parker的!早期受到帕克很大的影响,甚至被说成是帕克的复印机,但在帕克的阴影下,实难出头,于是他放弃和帕克一样的中音萨克斯风,改吹次中音萨克斯风(Tenor Saxophone),为的只是树立自己的风格,后来证明,他成功了。




Chick Corea

Chick Corea三十年的音乐生涯是不同音乐经历的一种混合。1941年,他出生于马萨诸萨州的切尔西。四岁时开始学习钢琴,而且儿时家庭之中也是充满音乐的,整天能听到Charlie Parker、Dizzy Gillespie、Bud Powell、Lester Young和Horace Silver,另外Beethoven和Mozart的音乐也启发了他的创作天性。

Chick Corea早期的创作开始于和小号手Blue Mitchell(1964-1966年间)的第一次职业合作演出期间,这时他正式作为这支名为Tones For Jones Bones的乐队的领导者了。早期的合作对象还包括Willie Bobo、Cal Tjader、Herbie Mann以及Mongo Santamaria,使得Corea许多作品中的Latin音乐成分很浓厚。在帮Sara Vaughan伴奏一年之后,由于加入了Miles Davis乐队任电钢琴演奏,Chick Corea开始真正的成名。与Miles Davis合作的几年间,他参与了《Bitches Brew》和《In a Silent Way》两张划时代的Fusion经典作品的录音。也就是从那时开始,他组建了自己的先锋即兴演奏团体“Circle”,成员包括贝司手Dave Holland、小号手Barry Altschul、萨克斯手Anthony Braxton。

1971年,在“Circle”成立三年之后,Corea改变了其音乐上的注意力。成立了早期版本的Return to Forever,乐队的风格很柔和、充满桑巴风味,这时Stanley Clark任贝司手,还有人声乐手Flora Purim,其丈夫Airto为鼓手,长笛手Joe Farrell。以这个班底制作了两张专辑和一部分独奏钢琴专辑以后,Chick Corea开始为乐队插上了电,走上Fusion的路线,这时还招募了两位充满火力的乐手鼓手Lenny White和吉他手Bill Connors。

在Chick Corea使用合成器形成其独一无二的风格的同时,Return to Forever(这时吉他手由Al DI Meola代替Bill Connors)以其开拓性的专辑《Where Have I Known You Before》、《No Mystery》和《Romantic Warrior》在七十年代的Fusion大潮中冲锋陷阵。当1975年Return to Forever解散,Corea又开始尝试录制不同风格的唱片,包括电子大乐队、独奏钢琴、古典音乐、强力二人组演奏(与Herbie Hancock或Gary Burton一起)。

八十年代中期,Chick Corea组了一支电子乐队,制作了获格兰美奖的专辑《Leprechaun》、《My Spanish Heart》、《Musicmagic》,其他的一些作品还包括《Mad Hatter》、《Return to Forever Live》,以及与Joe Henderson、Freddie Hubbard、Hubert Laws、Chaka Khan和Nancy Wilson等人的一系列合作。

1996年,Chick Corea和Sony Classical唱片合作,与Bobby Mcferrin制作了一张Morzat系列作品的专辑,期间充满了Corea独特的爵士即兴演奏以及Mcferrin的人声录音,另外还包括两个Morzat的钢琴协奏曲、Morzat第二号钢琴奏鸣曲的即兴变奏。Chick Corea与Bobby Mcferrin因此成为好友,共同合作了六年,并制作了一张现场爵士的专辑。




Roy Ayers

说起Roy Ayers这位美国传奇爵士铁琴手,大概所有喜爱Jazz Funk/Acid Jazz/Nu Jazz的朋友都不会感到陌生吧?在他横跨了将近五十年的辉煌音乐历史之中,每每以动见观瞻的发想,引领乐坛上一波波风潮演变而未曾淹没,并总以预言家的姿态揭示了人们无法预料的革命雏型!在他以65?高龄发表了概念作品《Mahogany Vibe》与两张搜罗过往沧海遗珠《Virgin Ubiquity: Remixed Vol.1 & Vol. 2》之后,马不停蹄地邀请了当今乐界举足轻重的后辈们一同参与了是次的混音计画!名单中赫见Kenny Dope、Joey Negro、King Britt、DJ Spinna、Basement Jaxx、Matthew Herbert等才华洋溢的制作单位,泡制出千变万化的音乐风格。也让人对这位音乐大师的长远眼光感到敬佩不已!




Chet Baker

听Chet Baker的音乐要把灯光调低,要有一瓶威士忌陪伴身边,要戴上耳筒;唱片在沙沙走动,你会听见他说,Let"s Get Lost。让我们一起迷失,迷失在幽幽的小喇叭声中,迷失在一个心碎浪漫主义者的浅吟低叹之中。
  
Chet Baker,一个俊朗迷人的美男子,一个爵士乐历史上的早熟天才。在Bruce Weber为他拍摄的传记电影《让我们一起迷失》中,我们可以看到他的一生。他最早从军队中学到音乐常识,退伍后在Be-bop鼻祖Charlie Parker的乐团中作过短暂的停留,23岁时,和低音色士风手Mulligan一起录下Cool Jazz着名的演奏《我可笑的情人》(My Funny Valentine),凭此曲一炮而红。这首老曲子在Chet Baker发挥之下重新焕发了生命,它简单而含蓄,几乎是不动声色地,但却深深渗入你的听觉之中。成名后的Chet Baker组成四人爵士乐团走遍美国各地;六十年代后,又只身前往欧洲,把Cool Jazz的精髓加入更多的欧洲和声,令爵士乐在欧洲获得更大的推广。Chet Baker就象是一颗燃烧着的流星,散发着令人不可思议的能量,带着一种致命的速度向神秘不可知的地方冲去。1988年5月13日,有人在阿姆斯特丹发现他堕楼身亡,一代爵士大师就这样撒手尘寰。
  
电影《让我们一起迷失》在Chet Baker死前三个星期拍完,Chet Baker曾说拍摄过程给他带来了一段难忘的欢乐时光,但他还未来得及看到这部电影就悄然而别了。1990年,这部电影获得奥斯卡金像奖最佳纪录短片提名。
  
Chet Baker是一个自我主义者。他沉湎在自己的生命与音乐之中,对周遭世界置若罔闻。他的演奏和歌唱都是以自我为中心,就象是一个内敛式的磁场,听者只能被他的音乐吸进去,而他从不迁就听者。他的小喇叭就象一个街头失意的醉汉,在感觉的世界中到处游走,不时迸发出一些即兴的火花,幽暗低回,带着一种令人落泪的宿命感。就象那个失落的年代一样,Chet Baker的音乐迷失在岁月的隧道里,但至今我们仍听得见他醉人的回声。
 
  
冷爵士又称西海岸爵士,它形成于40年代末50年代初,此种曲风结合了”波普”爵士和”摇摆乐”中某些被忽略的音乐元素.这种音乐的旋律委婉柔和,编曲严谨声部规整.虽然冷爵士不具备煽情特质,但它却有着广泛的群众基础。
  
Chet Baker是一个天才演奏家。他虽然未写过一首乐曲,但他的创意却完全流露在他对乐器的驾御和对音乐的演绎中。他的演奏常常能为一首乐曲注入灵性,令它出现全新面貌,为听者带来前所未有的感染力。
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Chet Baker是一位出色的冷爵士小号演奏家,同时也是一位优秀的爵士歌手,他用极具魅力的表达方式掩饰了他天生嗓音条件的不足.Baker英俊的外形酷似一名电影明星,然而他却在50年代中期染上了吸毒,从此毒瘾一直伴随着他的后半生。

Chet Baker自幼学习音乐,1952年他退伍在西海岸曾与Charlie Parker有过接触,随后他便加入了”Gerry Mulligan四重奏”小组,这支小组很快便在爵士乐坛建立了自己的声望.当Mulligan因携带毒品被捕后,Baker与钢琴演奏家Russ Free一起创建了自己的四重奏小组.1955年,Baker在欧洲各国进行了巡演活动,他也因此在小号演奏和演唱两个方面引起了乐迷的广泛关注,正在Baker事业处于急速上升阶段,他却于1960年被关进了意大利监狱,为了强行戒毒,Baker被敲下了所有的牙齿,这样一来他也只能暂时告别乐坛。
  
70年代,Baker悄悄重返乐坛,他在这段期间过着类似游牧式的生活,他频繁往返于欧洲各国,.Baker始终无法摆脱毒瘾,虽然在此期间他小号演奏技艺不断提高并且录制了大量的专辑,但论其艺术价值却毫无建树。
  
1988年5月13日,Chet Baker在阿姆斯特丹坠楼身亡,他的突然去世令爵士乐坛震惊和惋惜,曾有人声称:Chet Baker本可以成为像Charlie Parker那样伟大的演奏家,但毒品把他引向了另一方。

1990年奥斯卡金像奖纪录短片提名名单当中,赫然出现一部以一位JAZZ乐小喇叭手一生坎坷的纪实,这部名为“Let’s Get Lost”的短片,正是Chet Baker本人的部分写照。他和早期乐手一样沉醉在音乐和酒的世界,并且在成名后只身前往欧洲,追求自己的音乐艺术,他曾被誉为“伟大的白人希望”(G reat White Hope),但多年的药瘾使他生活极不正常。幽暗的小喇叭声与低吟回荡的嗓音,就像那个失落的年代,不知经过了多少年仍旧叫人怀念。

Chet Baker是位小喇叭手,更是不可多得的歌手。他从军中习得音乐常识,退伍后在Charlie Parker的乐团中短暂停留。1952年和低音萨克斯风手Mulligan在一起,录下了Cool Jazz着名的演奏“My Funny Valentine”。这首老曲调在他们的演绎下重新拾回创作活力,含蓄又单纯的气质,使Chet Baker立刻一炮而红。他的名字几乎被人们像崇拜小喇叭大师Bix Beiderbecke一样的称呼着,这也是才23岁就成名的Chet Baker的最大致命伤。成名后,Chet Baker自组四重奏乐团走遍美国各地。他的独奏部分深受同时期Miles Davis的影响,以单调不乏味,简洁却不无聊的音调,让人在聆赏时不知觉地忘掉所有的紧张情绪。虽然也有人认为这种强调气氛和感觉的演奏方式,有过分自以为是与不理会听众反应的造作,但是从另一个角度来看,它却又具备了J AZZ乐献身创作的直觉动机,因此孰是孰非就见仁见智了。六十年代以后,一直到1988年5月13日Chet Baker去世为止,他个人把演奏中心移往欧洲,并且把Cool Jazz的精髓加入更多的欧洲和声,使大部分欧洲人更热爱JAZZ乐。由于Chet Baker后半生都只在美国做短暂停留,除了录音和表演,他的动向一直是个迷。一般人的猜测,Chet不予理会,他只管自己的音乐创作。此外,他歌声中轻飘的气质,和低沉的嗓音,几乎让所有的女性不由自主地陶醉其中,其男性的魅力可见一斑。如果一定要对Chet Baker挑剔,只能说他本人几乎未曾写过一首曲子。但是当他演奏那些令人永难忘记的音乐时,即使是别人的作品却又成为他个人的新创作。C het Baker在即兴演奏时把自己的理念转换成音符,就像所有的乐手一样,他在演出时就完成了创作,不管他是唱出来或轻声地奏出曲调都是最美的艺术。




Glenn Miller

二次大战的1939-42年之间,Glenn Miller所带领的乐团是最受欢迎的。他的大乐队演奏的曲子都是旋律最优美、最受喜爱的,在许多不同的风格上都很成功。

Glenn Miller并不像Count Basie那样投入在摇摆乐那么深,因此也不算是百分之百的爵士乐团。 Glenn Miller 出生于爱荷华州,但是成长于科罗拉多州,上了大学一段时间,但是并未完成大学学业,1926年加入Ben Pollack的乐团,在这个乐团待了两年的时间。接着是伸缩号手Jack Teagarden欣赏Glenn Miller,并邀约一起演奏。1928年在纽约市担任一位自由身份的编曲家,其中他担任Smith Ballew的乐团的音乐指导。

1935年时协助组织Ray Noble的乐队,在1937年时首次带领自己的乐团演出,但是并没有维持很久,因为他尚未建立自己的风格。1938年终期Miller再次出发,也在1939年的夏天开始,他的音乐可以在广播电台播送,当时有"Moonlight Serenade"、"Sunrise Serenade" 以及"Little Brown Jug"等曲子受到很大的欢迎,也将他的乐团的名声推到最高点(1939-42年是他的颠峰)。

在他的乐队中,最出色的独奏手有小喇叭手Clyde Hurley、Johnny Best与Bobby Hackett,还有出色的男歌手Tex Beneke与Marion Hutton。

在40年代,有两部好莱坞的电影Sun Valley Serenade以及Orchestra Wives,这两部电影是Glenn Miller的乐队积极参与的,同时也都很值得推荐。

Glenn Miller在1944年时加入军队,他这样的决定,势必要结束目前的乐队。不过另一方面他组织了一个前所未有的爵士乐军乐队,乐队的名称叫做Army Air Force Band。

也是1944年,乐队驻居在伦敦,主要成员有竖笛手Peanuts Hucko、钢琴手Mel Powell、鼓手Ray McKinley、小喇叭手Bobby Nichols。"St. Louis Blues March"是当时他们走红的曲子之一,Glenn Miller的乐队也在广播电台成为最受欢迎的乐队,但是在他计划跨越英吉利海峡,来到欧洲大陆演出时,1944年的十二月,他的飞机被击落。从此以后再也没有人找到过他的尸体。Glenn Miller和他的音乐永远飘扬在了天空之中。

不过在他过世之后,Army Air Force Band乐团还是维持到1945年。 有一件很特别的事情是,他的一位团员Tex Beneke一直维持演奏他与Glenn Miller的乐队三年时间所演奏的曲子,时间长达50年之久,的确是令人惊奇。




Dave Holland

低音提琴大师Dave Holland所率领的大乐团,是近年来各大排行榜与奖项的常胜军!八十年代中期,由ECM所发行之Dave Holland专辑The Razor's Edge终于在美国权威爵士杂志Down Beat的乐评年度最佳专辑排名榜上有名,虽然此专辑乐手名单中,大部份如Steve Coleman、Robin Eubanks都是美国本土被鼓吹多年之Young Lion一族,但值得可喜的是,乐迷终可值此机会,同时认识到英国小号手Kenny Wheeler。一九八九年,Dave Holland之专辑"Extension"再次荣登最佳年度专辑排名榜,同年稍后,美国BMG正式代理ECM在全美发行之际,Kenny Wheeler专辑"Deer Wan"及"Double, Double You"在美重新发行,并获Down Beat以五星(满分)评鉴。




Jimmy Smith

在现代爵士乐中,Jimmy Smith可说是第一个真正懂得如何掌握Hammond B-3音色的乐手。 在灵魂爵士乐中,电风琴是萨克斯风的最佳拍档。Jimmy Smith创造的,绝对不只是 灵魂味道,或是音乐的律动感。他想要将电风琴带进另一个境界. Jimmy Smith热闹之余给乐迷们少见的充满灵魂乐风的圣诞歌曲,清楚听到Jimmy Smith炽热奔放的演奏手法与特殊情趣一九五○年代中期至六○年代是灵魂爵士乐(Soul Jazz)最兴盛的时期,一方面,源自黑人的节奏蓝调、放客、灵魂等乐种交融混合产生了不少听来黑味十足新鲜作品;另方面,电风琴的琴音黏腻颤动,极适合演奏充满灵骚的灵魂乐,因此电风琴的盛行也让加入了灵魂乐风的爵士大行其道。




Charlie Christian

生于德州。34年成为职业吉他手,39年被 Benny Goodman 乐团以破记录的高薪聘请。工作之余并经常在“Minton's Playhouse”和 Dizzy Gillespie等几个人,展开即兴演奏(Jam session),在旋律和节奏等多方面创造出确立摩登爵士乐基础的革命性吉他奏法,为后世留下远大的影响,然而由于饮酒过度和毒品而损坏了健康,年纪轻轻便过世了。

一提到 Charlie Christian,虽然在“Minton's Playhouse”的 Jam session,所谓“包勃爵士的黎明”早已闻名,不过收集他和 Benny Goodman 合作演出的几首主要曲子,日本版的三张一组 LP“Charlie Christian Memorial Album”的内容,也棒得毫不逊色。

在 Benny Goodman 这一定的“体裁”中,从被分到的几个合奏部分中的独奏框架中,压抑不住地涌出Christian自然而前进的歌心,吸引了我们的耳朵,直接向心中倾诉。虽然是五十年以上的旧日录音了,但Christian的吉他独奏已达到奇迹式的高水准,现在听起来几乎大半依然不显得老旧,而且超越所谓摩登、包勃、或摇摆等框架,真是充满知性、跃动、和兴奋刺激。

很不幸的是 Charlie Christian 在二十五岁的轻轻年纪,就突然与世长辞。因此他的音乐生涯可以说非常短(正确说仅有一年八个月),但他所留下的演奏,却给后世带来极大的影响,当你在聆听着 Christian 的演奏时,会发现“咦,这不是 Barney Kassel 吗?这不是 Herd Ells 吗?这不是 Kenny Burell 吗?”也就是有许多部分反过来让我们感到吃惊。仔细想想,直到五O年末期 Wes Montgomery 奏出 octavo 八度音程合音为止,爵士吉他手或多或少都受到 Christian 的符咒(那崭新而丰富的创意和技巧)所着迷而无法逃出他的影响。就像在 Ornette Coleman以前的中音萨斯克风演奏者,都无法逃出查理.帕克的符咒一样。

可以说闪亮如流星一般,收在这组《Charlie Christian Memorial Album》里的演奏,每一首都具有一听的价值,其中我尤其喜欢一九四一年一月康特贝西( Count Basie ) 担任钢琴演奏时的热烈合奏。BG(Benny Goodman)率领临时编成的六重奏,成员包括贝西、Cootie Wiliams(tp)、Georgie Auld(ts)、Christian、Artie Bernstin(B)、Jo Jones(ds),这极有趣的人物组合--也就是当时BG的固定搭档,加上贝西旋律般的混合部队。结果黑人乐手人数较多,因而音色也自然显得略黑,旋律变得粘粘的。

尤其是简单而快调的 riff 迭句曲目<Brekfast Feud>在几个技巧上,贝西和 Christian 的互相呼应,既优异又先锐尖端,好得不得了。他平常在固定的BG成员中演奏时的曲子当然也值得听,但和具有独特时间感觉而撼动地心的贝西的旋律部合作时,Christian坚实如号角般的呼应飙奏,真的可以用“连骨头都要摇散了”来形容最贴切。引爆热烈沸腾的摇摆火山岩浆,成为爵士乐尚在“英雄传”时代的贵重记录。




Steps Ahead

提起融合乐团体「Steps Ahead」,虽不如「Weather Report」及「Return to Forever」那么响叮当,但同样的,他们都是孕育当代爵士及融合乐大师的摇篮,萨克斯风手麦可布雷克(Michael Brecker)在此团创团时即轧了一脚。唯一不变的乐手—团长麦可麦奈尼(Mike Mainieri)本身是一位杰出的铁琴手,但与另一位国内乐迷熟知的戴夫古鲁辛(Dave Grusin)一样,他后来也变成了唱片公司老板,在美国东岸吸收新秀灌录唱片(公司名便叫NYC),所以组团玩票的性质就高了一些,乐手的更迭亦变成了常态,像今晚的钢琴手艾莲艾里亚斯(Eliane Elias)、鼓手彼得厄斯金、贝斯手马克强森(Mark Johnson),都曾先后为此团跨刀。至于萨克斯风手鲍伯柏格(Bob Berg),笔者并不清楚是否之前有参与的记录,但这一代的白人萨克斯风手,大都有一样的背景与资历,诸如前者与麦可布雷克、鲍伯明哲(Bob Mintzer)与鲍伯马拉赫(Bob Malach)等,八十年代所出的融合乐唱片中,tenor萨克斯风手的名字大概就是以上几位轮流而已。Steps Ahead的音乐风格,总的来说是以〝马达式〞的循环节奏与和声著称,并配上众多电子合成音色及MIDI的效果.




Horace Silver

Horace Silver被称为「硬式咆勃祖师爷」〈The Hard Bop Grandpop〉,因为他是最早在咆勃爵士里添加更多黑人音乐元素的先驱。Silver之所以这么作,得先从他的血统谈起:他的父亲是非裔葡萄牙人,出生于葡属维德角,于是小时候他常听父亲播放的故乡民族音乐。而葡属维德角居民以「克里奥人」〈Creole,简单讲就是黑白混血〉为主,当地则流行充满动感节奏的「加力骚」〈Calypso〉音乐。于是,非洲、葡萄牙、维德角加美国,Silver血管里天生就存在着不同文化的基因,也难怪他在玩音乐时总会加入许多不同元素,不仅树立了个人风格,也引领了流行。

Horace Silver曾和鼓手Art Blakey共同创立了The Jazz Messengers,但是他不久后便离开了,随后Silver陆续与许多位优秀乐手合作,直到公元1959年才成立了一个编制固定的五重奏乐团。小号手Blue Mitchell与萨克斯风手Junior Cook是固定的管乐组,Gene Taylor则负责贝斯,多年来一起合作了多张专辑,包括了《Blowin’ The Blues Away》等经典。《Silver’s Serenade》专辑是这个乐团最后发表的作品,曲风延续了Silver一贯的风格:律动感、多元曲风与精采即兴。标题曲《Silver’s Serenade》是标准的Silver式曲风,摇摆且充满灵魂,接下来的《Let’s Get To The Nitty Gritty》则带给听众多层次的感受,先是以极缓慢煽情的演奏开场,然后转为充满张力的动感节奏,每位乐手都有精采表现。其余包括了加入放克〈Funk〉节奏的《Sweet Sweetie Dee》,与利用五声音阶概念营造出东方色彩的《The Dragon Lady》等曲目,则验证了Silver音乐里的多元面貌。




Django Reinhardt

中国的乐迷习惯把强哥·莱恩哈特(Django Reinhardt)称为“三指琴魔”,相信他泉下有知的话,也会对这个中文名字开怀而笑,这笑容中肯定也会含着一种数说不清的自得,谁让爵士史上手指数目不多不少的琴师无数,却偏偏敌不过他一个残疾乐手呢!
我不知道如果没有18岁那年的蓬车失火,莱恩哈特会不会在班卓琴或小提琴上同样干出惊天动地的事来,但设想的结果是很有可能他也会成为一个出色的乐手,但只能和同时代的许多优秀乐手一起排排坐,而绝对达不到现在这种宗师级的地位。问题看上去似乎只是大火烧伤了他左手的小指和无名指那么简单,但对于一个琴师来讲,这无疑就是上帝对你进行的最严厉的惩罚,不过,莱恩哈特这个比利时出生的吉普塞(Gypsy)人也正是在这关键时刻显示了他个性中最为优秀的一面,他只是把这次灾难看成上帝和他开的小小玩笑,而目的是要让他新生。

于是他踩着摇摆乐(Swing)的尾巴开始了行进的起点,而从1934年创立到1948年解散的“法国热乐五重奏”(Quintet of the Hot Club of France)则就是他事业颠峰时刻的最好见证。是的,说起莱恩哈特怎么能不提起这个五重奏组合呢?!即使不提两位节奏吉它手(其中一位是他的弟弟)和贝司手,也一定要提起另一个小提琴大师史提芬·格拉佩利(Stephane Grappelli),正是他在精神上极度的自恋和对音乐绝不革新的“保守”精神,恰恰和喜欢自由、乐观、即兴、洒脱的莱恩哈特形成了一种爵士史上少见的美学对立,当吉它和小提琴声交错的响起时,总有一种感觉他们仿佛一个是浪人、一个是绅士,一个是小吃、一个是大餐,虽然听起来似乎非常的不合谐,但由于他们各自高超的演奏技艺,使得乐声在最完美的两级竟又不期而遇,直至形成一种虚脱后的合一,叫人感叹不已。

不过,我还是难以掩饰对莱恩哈特的偏爱,听他的吉它演奏永远是那么感觉开朗,隐去了那些复杂的合弦与和声,许多单音节的音符在速度的串联中就如同阳光下蝴碟扑翅时的自然和欢愉,同时由于他从小在巴黎的名为“The Zone”的巴士底红灯区长大的原因,使他有机会接触到诸如“锡盘巷”(Tin Pan Alley)、“吉普赛”(Gypsy)、“马赛特”(Musette)等等许多民俗的音乐,这也使得他吉它的营造空间变得更为广阔,而这个空间里的风景也更为旖旎。
除了世人皆知的吉它速度之外,使莱恩哈特与许多只能玩技术的吉它手区别开来的一个重要因素就是他对音乐的革新精神,仅管有人会说他在二战后的那次美国之旅,曾经因为使用了插电的吉它就变得像不会弹琴一样了,甚至还有人认为他缺乏向新音乐过渡的勇气,以及在后期面对“波普”(Bebop)音乐时所表现的力不从心,但要知道任何革新都应该有所限度,我一直认为不自量力搞创新那也算是低能的一种表现,而莱恩哈特至少清楚的知道他对音乐的理解能把革新做到最恰如其分的程度,所以他把他的生命中最好的东西都留在了上个世纪30到40年代的十几年间。我不得不提这张专辑里第一张CD的第十八首《Echoes Of France(LaMarseillaise)》,这是他在1946年1月31日的录音,而主题居然是用摇摆乐的节拍重新“改造”了法国国歌,真得非常赞叹他在二次世界大战刚停歇下来时,就立刻能用如此轻松随意的心态来面对多数人还在唏嘘还在茫然的未来,从那些琴弦上匆匆飞过的音符里你根本听不到战争带来的硝烟和创痛,却仿佛是一个花季少女在一场大雨停后走上街头,对着天空说:“雨啊你终于停了,我们终于又可以在阳光下跳舞了”。

1953年,莱恩哈特因为中风在法国的枫丹白露去世,享年43岁,而在他死后的50年之后,他的琴声依然印刻在专辑里被全球的人们纪念着,就像这套唱片。我想他应该会感到欣慰的,尤其还有一点,即使当年跟着他屁股后面跑龙套的亨利·萨尔瓦多(Henri Salvador)都已成了一代宗师了,他也确实应该感到满足了。




Gerry Mulligan

Gerry Mulligan是爵士乐历史上最着名,同时也是最伟大上低音萨克斯管演奏家,他是一位爵士乐巨人。他以中音萨克斯管的速度和灵活田为他原本显得笨拙,粗鲁的管乐器注入了活力。他为上低音萨克斯管的演奏带来了革命性的轻快的声音。

在学习单簧管和多种萨克斯管之前,Gerry Mulligan最早学习的乐器是钢琴,他最初的荣誉则是因他编曲方面的成就而获得的。1944年,他曾经为约翰尼·华灵顿的广播乐队写曲子,没有多久他的作品就进入了扬米·塔克尔和乔治·帕克斯顿等几支着名乐队的曲目目录。1946年,他搬到纽约居住,成为了着名的鼓手指挥家基尼·克鲁帕管弦乐队的一员,在乐队中他担任编曲工作。1948年,穆里根加入克劳迪·索思希尔的乐队时是演奏中音萨克斯管。

Gerry Mulligan演奏使他成名的上低音萨克斯管是在迈尔斯戴维斯最为着名的九人乐队“冷爵土乐的诞生”中。这是他首次录音,但是他的演奏只是获得了人们的承认而已。1949年,穆里根花费大部分时间为爱略特·劳伦斯的管弦乐队写曲子,并在萨克斯部演奏。当时他只是合奏的成员,名字还未列入演出名单之中。

直到1951年,他的上低音萨克斯管演奏才引起了人们的注意。从这个时期,他开始在全国的巡回演出,这是爵士乐队独特的方式。穆里根像许多同时代的音乐家一样到洛杉矶巡回演出,那里逐渐成为了爵士乐新的中心。在西海岸穆里根感受到新的音乐的气息,那里的环境激发了他的灵感。他为着名的乐队指挥斯坦·肯顿写了一些改编的曲子,而他自己则专心投入到钟爱的乐器的演奏中。他同小号手查特·贝克合作举办了即兴演奏会,很决他们神奇的默契配合就赢得了乐迷的心。以他为首的无钢琴伴奏的四重奏成为了乐队主要的特色,这个组合在1952年迅速走红,并将穆里根和贝克捧成了大明星。

同当时的许多爵士音乐家一样,春风得意的穆里根也遇到了吸毒问题的困扰。一次突然的毒品搜查使穆见根不得不暂时退出了乐坛,警方依法适捕了藏有毒品的穆里根。他的离去使乐队解体,乐队的辉煌嘎然而止。在1954年,穆里根从监狱中释放出来时,时过境迁,人们已经忘记了曾经辉煌过的他,他只得一切从头开始。乐队重新在乐坛上获得了一席之地,尤其是里根精彩的萨克斯管演奏成为了冷爵士时代的一个标志。1958年是穆里根最为成功的—年,在冷爵上乐流行的五十年代,穆里根当之无愧地成为了爵士乐界的代表人物。

1960年到1964年之间,穆义根领导了他的“音乐厅爵士乐团”,这为他提供了新的机会。在功成名就之后他专门写作乐曲,当时演奏上低音萨克斯管,偶尔客串一下钢琴手,他努力保持着自已在爵士乐坛的地位。乐队解散之后,穆里根不再像从前那样活跃了。他仍然坚持参与了风靡一时的Dave Brubeck的四重奏巡演,在七十年代,他在业余时间也参加大乐队的演出。在九十年代,他及其着名的“无名四重奏” 在全球演绎Miles Davis的经典而着称于世。




George Benson

George Benson自60年代崛起之后,一直被认定为地位超级的歌者与吉他手,横跨行与爵士乐界的成功范例,也是爵士乐界第一位拿到白金唱片殊荣的乐手。60年代是他在爵士乐圈全力发展的时期,和他合作过的大师级人物括了Wes Montgomery、Miles Davis、Herbie Hancock、Ron Carter等人,这些搭配角的变换,象征着Benson自蓝调到混体爵士、电子爵士等乐风的多向尝试。70年代中期之后,Benson开始将专辑发行重心摆在流行歌曲的创作上,末期还曾以歌手身份拿下一座葛美奖。他深受吉他手Wes Montgomery及钢琴手Nat King Cole两人的影响,他的指法拥有丰富的摇摆韵味,乐风之中常可见到蓝调与灵魂的味道出现。
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